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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Die Dame mit dem Hündchen, 1971

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Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Die Dame mit dem Hündchen, 1971. Lithographie, 33 cm x 26 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]71" datiert, unten links als Exemplar Nr. 77/100 ausgewiesen und mittig als "Die Dame mit dem Hündchen" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Wie das Herrchen, so das Hundchen - Wie das Herrchen, so das Hundchen lässt sich hier auf die Grande Dame und ihren Vierbeiner übertragen. Die (mehr anzeigen)

Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Die Dame mit dem Hündchen, 1971. Lithographie, 33 cm x 26 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]71" datiert, unten links als Exemplar Nr. 77/100 ausgewiesen und mittig als "Die Dame mit dem Hündchen" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Wie das Herrchen, so das Hundchen - Wie das Herrchen, so das Hundchen lässt sich hier auf die Grande Dame und ihren Vierbeiner übertragen. Die Bildung der Physiognomien ist bis in die Farbgebung hinein analog, wobei die körperliche Erscheinung - wie für die Körperformung von Reiner Schwarz üblich - durch sich hervorwölbende Partien gestaltet wird. Dies kollidiert mit der prätendierten Schönheit der Dame. Sie weist aber dennoch eine mit dem Antlitz des Hundes korrespondierende Dignität auf, die in den beide Wesen miteinander verbindenden Blüten als Schönheit zutage tritt. zum Künstler Nach der Vertreibung aus der schlesischen Hirschberg verlebte Reiner Schwarz seine Jugend in Hannover. 1960 nahm er ein Studium an der Berliner Hochschule der Künste bei Mac Zimmermann auf und begann erste Lithographien anzufertigen. 1962 unternahm er Studienreisen nach Florenz und Venedig und 1965 nach Rom. An der italienischen Kunst faszinierte ihn insbesondere die sienesische Malerei und der Manierismus. 1964 erfolgte die erste Einzelausstellung in der Bremen Galerie Schnoor als Auftakt von über 150 Ausstellungen im In- und Ausland. 1974 richtete sich Reiner Schwarz in Berlin eine Druckerwerkstatt ein, in der er die Technik der Lithographie perfektionierte und bis zu 17 Farben auf verschieden Tonpapieren einsetzte. 1987 inspirierte ihn die künstlerische Begegnung mit Rolf Münzer und Peter Schnürpel in der Druckwerkstatt Kätelhön dazu, statt des Menschen Mensch die Welt der ,verlassenen und vereinsamten' Alltagsgegenstände als melancholische Erinnerungspuren zu erschließen. Dazu verwendete er zunächst großformatige Packpapiere aus der DDR. 1990 wird Schwarz Mitglied des Künstlersonderbundes in Deutschland. Die Galerie Brusberg, die den Künstler über 20 Jahre vertrat, hat 1984 ein Werkverzeichnis der Lithographien von Reiner Schwarz erstellt. "Zeichner allein wolle er nicht sein, sondern ein Deuter, Umdeuter, Neudeuter, ein Metaphoriker, der Mutanten kreiert und damit so noch nicht gesehenes Allbekanntes und scheinbar Banales zur Anschauung bringt, das eben dabei ist, in die Ewigkeit zu wechseln; eben der langkurze Augenblick einer allzu flüchtigen Gegenwart, einer Natur neben der Natur, einer Realität neben der Realität. Es ist daher ein subversiver Realismus, der unser Alltagsdenken in Frage stellt, der die Din¬ge mittels überfeinerter Akkuratesse einem raschen Zugriff verweigert, der das Erken¬nen hintertreibt, die Welt denaturiert und zu Vexierbild umschmilzt [.]." Edwin Kratschmer (weniger anzeigen)

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Störck, Anton von: Medicinisch-praktischer Unterricht

, Wien, 1780.

Gr.-8° Störck, Anton von. Medicinisch-praktischer Unterricht. für die Feld- und Landwundärzte der österreichischen Staaten. (Zweite Auflage). 2 Teile in 1 Band. Wien. 1780. [2], X, 351, [5]; [4], 204, [40], 92, [4] S. Mit 2 wiederholten gestochenen TVignetten und 2 gestochenen Kopfvignetten. Gr.-8°. Leder der Zeit mit goldgeprägtem Rückenschild und reicher Rückenvergoldung. Gelenke minimal brüchig, Kanten leicht beschabt, gering angestaubt. Berühmtes, erstmals 1776 erschienenes (mehr anzeigen)

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Risse, Heinz: Konvolut aus 11 Bänden.

Merlin-Verlag, Hamburg/Grifkendorf, 1963.

Band 1: Skepsis ohne Trauerflor. Impressionen und Illusionen. Band 2: Es hätte anders ausgehen sollen. Sieben spannende Geschichten. Band 3: Dann kam der Tag. Roman. Band 4: Das letzte Kapitel der Welt. Band 5: Feiner Unfug auf Staatskosten. 12 Essays. Band 6: Berkeley und der Demiurg. Requiem auf das Spiel in der Sackgasse. Band 7: Familienfürsorge. Über das Melancholische in der Kunst. Band 8: Fiscalia Curiosa. Zur Problematik steuerlicher Gerechtigkeit. Band 9: Ringelreihen. Band 10: Der (mehr anzeigen)

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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Der Hut, 1967

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Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Der Hut, 1967. Lithographie, 32,5 cm x 32,5 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]67" datiert, unten links als Exemplar Nr. XII / XX ausgewiesen und mittig als "Der Hut" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Der Kopf des Hutes - Der im Profil dargestellte Kopf der Frauenfigur erweitert sich über die Wangenpartie und den Haaransatz hinaus zu einer gleichermaßen monströsen wie (mehr anzeigen)

Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Der Hut, 1967. Lithographie, 32,5 cm x 32,5 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]67" datiert, unten links als Exemplar Nr. XII / XX ausgewiesen und mittig als "Der Hut" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Der Kopf des Hutes - Der im Profil dargestellte Kopf der Frauenfigur erweitert sich über die Wangenpartie und den Haaransatz hinaus zu einer gleichermaßen monströsen wie geheimnisvollen Körperlandschaft. Dass es sich dabei nicht bloß um einen Annex des Kopfes handelt, verdeutlich das nach hinten gewanderte Ohr. Die Kopflandschaft wird von der raumgreifenden Hand darunter und der Pfauenfeder darüber flankiert. Die eine dem Hinterkopf parallele Form ausbildende Pfauenfeder wird von einer über dem Ohr aufwachsenden gesichtslosen weiteren Frauenfigur gehalten, die das Geheimnisvolle des Bildes noch steigert, zumal dieser ,Hut' und der Kopf eine Einheit bilden. zum Künstler Nach der Vertreibung aus der schlesischen Hirschberg verlebte Reiner Schwarz seine Jugend in Hannover. 1960 nahm er ein Studium an der Berliner Hochschule der Künste bei Mac Zimmermann auf und begann erste Lithographien anzufertigen. 1962 unternahm er Studienreisen nach Florenz und Venedig und 1965 nach Rom. An der italienischen Kunst faszinierte ihn insbesondere die sienesische Malerei und der Manierismus. 1964 erfolgte die erste Einzelausstellung in der Bremen Galerie Schnoor als Auftakt von über 150 Ausstellungen im In- und Ausland. 1974 richtete sich Reiner Schwarz in Berlin eine Druckerwerkstatt ein, in der er die Technik der Lithographie perfektionierte und bis zu 17 Farben auf verschieden Tonpapieren einsetzte. 1987 inspirierte ihn die künstlerische Begegnung mit Rolf Münzer und Peter Schnürpel in der Druckwerkstatt Kätelhön dazu, statt des Menschen Mensch die Welt der ,verlassenen und vereinsamten' Alltagsgegenstände als melancholische Erinnerungspuren zu erschließen. Dazu verwendete er zunächst großformatige Packpapiere aus der DDR. 1990 wird Schwarz Mitglied des Künstlersonderbundes in Deutschland. Die Galerie Brusberg, die den Künstler über 20 Jahre vertrat, hat 1984 ein Werkverzeichnis der Lithographien von Reiner Schwarz erstellt. "Zeichner allein wolle er nicht sein, sondern ein Deuter, Umdeuter, Neudeuter, ein Metaphoriker, der Mutanten kreiert und damit so noch nicht gesehenes Allbekanntes und scheinbar Banales zur Anschauung bringt, das eben dabei ist, in die Ewigkeit zu wechseln; eben der langkurze Augenblick einer allzu flüchtigen Gegenwart, einer Natur neben der Natur, einer Realität neben der Realität. Es ist daher ein subversiver Realismus, der unser Alltagsdenken in Frage stellt, der die Din¬ge mittels überfeinerter Akkuratesse einem raschen Zugriff verweigert, der das Erken¬nen hintertreibt, die Welt denaturiert und zu Vexierbild umschmilzt [.]." Edwin Kratschmer (weniger anzeigen)

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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Der Mann mit der Schere, 1969

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Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Der Mann mit der Schere, 1969. Lithographie, 30 cm x 21 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]69" datiert, unten links als Exemplar Nr. 17/100 ausgewiesen und mittig als "Der Mann mit der Schere" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Das Instrument der Realitätsformung - Der im Profil Dargestellte scheint aus buckelartigen Aufwölbungen zusammengesetzt zu sein, die rosa und grün (mehr anzeigen)

Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Der Mann mit der Schere, 1969. Lithographie, 30 cm x 21 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]69" datiert, unten links als Exemplar Nr. 17/100 ausgewiesen und mittig als "Der Mann mit der Schere" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Das Instrument der Realitätsformung - Der im Profil Dargestellte scheint aus buckelartigen Aufwölbungen zusammengesetzt zu sein, die rosa und grün gefärbte Flächen ausbilden. Die einheitliche Erscheinung des Menschen zerfällt in eine dennoch miteinander zusammenhänge Disparatheit. Auf diese ,Zerteilung' bezieht sich die Schere, die der ,Scheren-Mann' über die Lineatur des eingezeichneten Bildrahmen hinaus und damit auch in der Realität zum Einsatz bringt, was die leicht geöffneten Scherenblätter zusätzlich verdeutlichen. zum Künstler Nach der Vertreibung aus der schlesischen Hirschberg verlebte Reiner Schwarz seine Jugend in Hannover. 1960 nahm er ein Studium an der Berliner Hochschule der Künste bei Mac Zimmermann auf und begann erste Lithographien anzufertigen. 1962 unternahm er Studienreisen nach Florenz und Venedig und 1965 nach Rom. An der italienischen Kunst faszinierte ihn insbesondere die sienesische Malerei und der Manierismus. 1964 erfolgte die erste Einzelausstellung in der Bremen Galerie Schnoor als Auftakt von über 150 Ausstellungen im In- und Ausland. 1974 richtete sich Reiner Schwarz in Berlin eine Druckerwerkstatt ein, in der er die Technik der Lithographie perfektionierte und bis zu 17 Farben auf verschieden Tonpapieren einsetzte. 1987 inspirierte ihn die künstlerische Begegnung mit Rolf Münzer und Peter Schnürpel in der Druckwerkstatt Kätelhön dazu, statt des Menschen Mensch die Welt der ,verlassenen und vereinsamten' Alltagsgegenstände als melancholische Erinnerungspuren zu erschließen. Dazu verwendete er zunächst großformatige Packpapiere aus der DDR. 1990 wird Schwarz Mitglied des Künstlersonderbundes in Deutschland. Die Galerie Brusberg, die den Künstler über 20 Jahre vertrat, hat 1984 ein Werkverzeichnis der Lithographien von Reiner Schwarz erstellt. "Zeichner allein wolle er nicht sein, sondern ein Deuter, Umdeuter, Neudeuter, ein Metaphoriker, der Mutanten kreiert und damit so noch nicht gesehenes Allbekanntes und scheinbar Banales zur Anschauung bringt, das eben dabei ist, in die Ewigkeit zu wechseln; eben der langkurze Augenblick einer allzu flüchtigen Gegenwart, einer Natur neben der Natur, einer Realität neben der Realität. Es ist daher ein subversiver Realismus, der unser Alltagsdenken in Frage stellt, der die Din¬ge mittels überfeinerter Akkuratesse einem raschen Zugriff verweigert, der das Erken¬nen hintertreibt, die Welt denaturiert und zu Vexierbild umschmilzt [.]." Edwin Kratschmer (weniger anzeigen)

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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Unter der Maske des venezianischen Mädchens, 1968

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Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Unter der Maske des venezianischen Mädchens, 1968. Lithographie, 30 cm x 24 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]68" datiert, unten links als Exemplar Nr. 78/80 ausgewiesen und mittig als "Unter der Maske des venezianischen Mädchens" bezeichnet. - in sehr gutem Zustand - Monströse Realität - Von der Kunst eines Guiseppe Arcimboldo inspiriert schafft Reiner Schwarz Köpfe aus sich (mehr anzeigen)

Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Unter der Maske des venezianischen Mädchens, 1968. Lithographie, 30 cm x 24 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]68" datiert, unten links als Exemplar Nr. 78/80 ausgewiesen und mittig als "Unter der Maske des venezianischen Mädchens" bezeichnet. - in sehr gutem Zustand - Monströse Realität - Von der Kunst eines Guiseppe Arcimboldo inspiriert schafft Reiner Schwarz Köpfe aus sich ineinanderfügenden Versatzstücke, nur dass es sich dabei nicht um Elemente der Flora und Fauna handelt, sondern um menschliche Körperteile. Die monströse Wirkung wird noch zugespitzt, indem das eine Antlitz eine nach oben geschobene Maske ist, hinter der sich das wahre Gesicht offenbart. Die Maske der venezianischen Renaissance-Schönheit fällt deutlich fader aus als das eigentliche von den Pfauenfedern persiflierte hässliche Gesicht, das auf seine Weise dennoch eine ausdrucksstarke wie geheimnisvolle Schönheit aufweist, die allerdings das formulierte Ideal der Maske konterkariert. Indem der Künstler mit der schönen Frauenmaske die Kunst der Renaissance adressiert, ist das Bild zugleich ein Kommentar auf die Kunstgeschichte, die, statt die monströse Realität zu gewahren, die Fantasiewelt idealer Schönheit zur Darstellung bringt. zum Künstler Nach der Vertreibung aus der schlesischen Hirschberg verlebte Reiner Schwarz seine Jugend in Hannover. 1960 nahm er ein Studium an der Berliner Hochschule der Künste bei Mac Zimmermann auf und begann erste Lithographien anzufertigen. 1962 unternahm er Studienreisen nach Florenz und Venedig und 1965 nach Rom. An der italienischen Kunst faszinierte ihn insbesondere die sienesische Malerei und der Manierismus. 1964 erfolgte die erste Einzelausstellung in der Bremen Galerie Schnoor als Auftakt von über 150 Ausstellungen im In- und Ausland. 1974 richtete sich Reiner Schwarz in Berlin eine Druckerwerkstatt ein, in der er die Technik der Lithographie perfektionierte und bis zu 17 Farben auf verschieden Tonpapieren einsetzte. 1987 inspirierte ihn die künstlerische Begegnung mit Rolf Münzer und Peter Schnürpel in der Druckwerkstatt Kätelhön dazu, statt des Menschen Mensch die Welt der ,verlassenen und vereinsamten' Alltagsgegenstände als melancholische Erinnerungspuren zu erschließen. Dazu verwendete er zunächst großformatige Packpapiere aus der DDR. 1990 wird Schwarz Mitglied des Künstlersonderbundes in Deutschland. Die Galerie Brusberg, die den Künstler über 20 Jahre vertrat, hat 1984 ein Werkverzeichnis der Lithographien von Reiner Schwarz erstellt. "Zeichner allein wolle er nicht sein, sondern ein Deuter, Umdeuter, Neudeuter, ein Metaphoriker, der Mutanten kreiert und damit so noch nicht gesehenes Allbekanntes und scheinbar Banales zur Anschauung bringt, das eben dabei ist, in die Ewigkeit zu wechseln; eben der langkurze Augenblick einer allzu flüchtigen Gegenwart, einer Natur neben der Natur, einer Realität neben der Realität. Es ist daher ein subversiver Realismus, der unser Alltagsdenken in Frage stellt, der die Din¬ge mittels überfeinerter Akkuratesse einem raschen Zugriff verweigert, der das Erken¬nen hintertreibt, die Welt denaturiert und zu Vexierbild umschmilzt [.]." Edwin Kratschmer (weniger anzeigen)

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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Das Dirndl-Modell, 1969

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Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Das Dirndl-Modell, 1969. Lithographie, 33 cm x 26 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]69" datiert, unten links als Exemplar Nr. 4/100 ausgewiesen und mittig als "Das Dirndl-Modell" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Die Fremdartigkeit der Heimat - Da vom Dirndl einzig das geschnürte Mieder hervorgehoben ist, präsentiert das Dirndl-Modell in erster Linie nicht das Dirndl, (mehr anzeigen)

Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Das Dirndl-Modell, 1969. Lithographie, 33 cm x 26 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]69" datiert, unten links als Exemplar Nr. 4/100 ausgewiesen und mittig als "Das Dirndl-Modell" bezeichnet. - in ausgezeichnetem Zustand - Die Fremdartigkeit der Heimat - Da vom Dirndl einzig das geschnürte Mieder hervorgehoben ist, präsentiert das Dirndl-Modell in erster Linie nicht das Dirndl, sondern sich selbst. Mit der reptilienartigen Haut eines exotischen Tieres entwächst es der Tracht. Der Köper wird durch buckelartige Aufwölbungen modelliert und wirkt gerade durch die vom Dirndl geschürte Erwartung, eine schöne Gestalt zu sehen, auf ersten Blick hässlich, zumal die Profildarstellung in Verbindung mit dem präsentierten Hals klassischerweise die weibliche Grazilität hervorheben. Und dennoch entfaltet das Modell eine eigentümliche mit einem tiefen Ernst verbundene Schönheit, so dass das Dirndl ein durchaus angemessenes Kleidungsstück ist. zum Künstler Nach der Vertreibung aus der schlesischen Hirschberg verlebte Reiner Schwarz seine Jugend in Hannover. 1960 nahm er ein Studium an der Berliner Hochschule der Künste bei Mac Zimmermann auf und begann erste Lithographien anzufertigen. 1962 unternahm er Studienreisen nach Florenz und Venedig und 1965 nach Rom. An der italienischen Kunst faszinierte ihn insbesondere die sienesische Malerei und der Manierismus. 1964 erfolgte die erste Einzelausstellung in der Bremen Galerie Schnoor als Auftakt von über 150 Ausstellungen im In- und Ausland. 1974 richtete sich Reiner Schwarz in Berlin eine Druckerwerkstatt ein, in der er die Technik der Lithographie perfektionierte und bis zu 17 Farben auf verschieden Tonpapieren einsetzte. 1987 inspirierte ihn die künstlerische Begegnung mit Rolf Münzer und Peter Schnürpel in der Druckwerkstatt Kätelhön dazu, statt des Menschen Mensch die Welt der ,verlassenen und vereinsamten' Alltagsgegenstände als melancholische Erinnerungspuren zu erschließen. Dazu verwendete er zunächst großformatige Packpapiere aus der DDR. 1990 wird Schwarz Mitglied des Künstlersonderbundes in Deutschland. Die Galerie Brusberg, die den Künstler über 20 Jahre vertrat, hat 1984 ein Werkverzeichnis der Lithographien von Reiner Schwarz erstellt. "Zeichner allein wolle er nicht sein, sondern ein Deuter, Umdeuter, Neudeuter, ein Metaphoriker, der Mutanten kreiert und damit so noch nicht gesehenes Allbekanntes und scheinbar Banales zur Anschauung bringt, das eben dabei ist, in die Ewigkeit zu wechseln; eben der langkurze Augenblick einer allzu flüchtigen Gegenwart, einer Natur neben der Natur, einer Realität neben der Realität. Es ist daher ein subversiver Realismus, der unser Alltagsdenken in Frage stellt, der die Din¬ge mittels überfeinerter Akkuratesse einem raschen Zugriff verweigert, der das Erken¬nen hintertreibt, die Welt denaturiert und zu Vexierbild umschmilzt [.]." Edwin Kratschmer (weniger anzeigen)

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Nehmer, Rudolf: Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Selig sind die Barmherzigen, 1948

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Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Selig sind die Barmherzigen, 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 18,8 cm x 14,8 cm (Darstellung), 45 cm x 30 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert und unten links mit "Matth. 5,7" bezeichnet. - Der breite Blattrand mit leichten Knickspuren und etwas gewellt, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Das Sehen der kindlichen Augen - Der Holzschnitt gehört zu Nehmers bekanntester (mehr anzeigen)

Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Selig sind die Barmherzigen, 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 18,8 cm x 14,8 cm (Darstellung), 45 cm x 30 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert und unten links mit "Matth. 5,7" bezeichnet. - Der breite Blattrand mit leichten Knickspuren und etwas gewellt, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Das Sehen der kindlichen Augen - Der Holzschnitt gehört zu Nehmers bekanntester Graphikfolge, seiner kurz nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges geschaffenen bildlichen Auslegung der Bergpredigt (Matth. 5,1-7,29). Das Blatt veranschaulicht die Seligpreisung: Selig sind die Barmherzigen; denn sie werden Barmherzigkeit erlangen (Matth. 5,7). Durch die Dunkelheit der Welt führt der Pfad des Lebens auf dem ein Kind im Schoße eines wie Christus aussehenden, ihm nachfolgenden, Mannes Ruhe findet, während am Ende des Lebensweges eine Greisin liebevoll von einer jungen Frau gestützt wird. zum Künstler Rudolf Nehmer studierte von 1932 bis 1934 in Dresden an der von Ernst Oskar Simonson-Castelli gegründeten privaten Kunstakademie bei Woldemar Winkler und war - nach einem kurzen Intermezzo an der Kunstakademie - bis 1936 Schüler im Atelier von Willy Kriegel. Nach einer ersten Einzelausstellung im Jahre 1935 in der bis in die NS-Zeit hinein progressiven Dresdner Kunstausstellung Kühl, war Nehmer in den Folgejahren in den Großen Deutschen Kunstausstellungen vertreten. 1938 weilte er in Worpswede. Ab 1941 war er Soldat an der Westfront und in Dänemark und kehrte 1945 aus britischer Kriegsgefangenschaft nach Dresden zurück. Nach dem Kriegsende erfolgte bereits 1945 die erste Einzelausstellung. Nehmer war Mitbegründer der Künstlervereinigung ,Das Ufer - Gruppe 1947' und war 1951 Gründungsmitglied der Künstlergenossenschaft ,Kunst und Zeit'. In der DDR erfolgten zahlreiche Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen, die in einer Retrospektive anlässlich seines 60. Geburtstags in der Galerie Neuer Meister gipfelte. (weniger anzeigen)

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Schwarz, Reiner: Reiner Schwarz (*1940), Die Bucklige, 1969

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Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Die Bucklige, 1969. Lithographie, 33 cm x 22 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]69" datiert, unten links als Exemplar Nr. 66/80 ausgewiesen und mittig als "Die Bucklige" bezeichnet. - am rechten Rand mit vereinzelten Flecken, ansonsten in ausgezeichnetem Zustand - Fremdartige Schönheit - Die Bucklige hat nicht allein einen durch die grade Stuhllehne herausgestellten Buckel, ihr ganzer (mehr anzeigen)

Reiner Schwarz (*1940 Hirschberg), Die Bucklige, 1969. Lithographie, 33 cm x 22 (Darstellung), 59 cm x 42 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "R.[einer] Schwarz" signiert, auf "[19]69" datiert, unten links als Exemplar Nr. 66/80 ausgewiesen und mittig als "Die Bucklige" bezeichnet. - am rechten Rand mit vereinzelten Flecken, ansonsten in ausgezeichnetem Zustand - Fremdartige Schönheit - Die Bucklige hat nicht allein einen durch die grade Stuhllehne herausgestellten Buckel, ihr ganzer Körper besteht aus buckelartigen Aufwölbungen. Dennoch wirkt sie nicht hässlich, einzig fremdartig, was durch ihr reptilienartiges goldbraunes Inkarnat hervorgehoben wird. Sie etwas Geheimnisvolles auf, das sich in den wie miteinander verbunden wirkenden Hände niederschlägt, vor allem aber im Gesichtsausdruck des vorgereckten Kopfes zum Ausdruck kommt. Sie scheint innerlich auf etwas zu lauschen, von dem sie ganz erfüllt ist. Aus dieser inneren Fülle speist sich die sonderbar anmutende Schönheit der Buckeligen, die von dem rosafarbenen Handschuh und Stuhlbezug nicht persifliert, sondern gesteigert wird. zum Künstler Nach der Vertreibung aus der schlesischen Hirschberg verlebte Reiner Schwarz seine Jugend in Hannover. 1960 nahm er ein Studium an der Berliner Hochschule der Künste bei Mac Zimmermann auf und begann erste Lithographien anzufertigen. 1962 unternahm er Studienreisen nach Florenz und Venedig und 1965 nach Rom. An der italienischen Kunst faszinierte ihn insbesondere die sienesische Malerei und der Manierismus. 1964 erfolgte die erste Einzelausstellung in der Bremen Galerie Schnoor als Auftakt von über 150 Ausstellungen im In- und Ausland. 1974 richtete sich Reiner Schwarz in Berlin eine Druckerwerkstatt ein, in der er die Technik der Lithographie perfektionierte und bis zu 17 Farben auf verschieden Tonpapieren einsetzte. 1987 inspirierte ihn die künstlerische Begegnung mit Rolf Münzer und Peter Schnürpel in der Druckwerkstatt Kätelhön dazu, statt des Menschen Mensch die Welt der ,verlassenen und vereinsamten' Alltagsgegenstände als melancholische Erinnerungspuren zu erschließen. Dazu verwendete er zunächst großformatige Packpapiere aus der DDR. 1990 wird Schwarz Mitglied des Künstlersonderbundes in Deutschland. Die Galerie Brusberg, die den Künstler über 20 Jahre vertrat, hat 1984 ein Werkverzeichnis der Lithographien von Reiner Schwarz erstellt. "Zeichner allein wolle er nicht sein, sondern ein Deuter, Umdeuter, Neudeuter, ein Metaphoriker, der Mutanten kreiert und damit so noch nicht gesehenes Allbekanntes und scheinbar Banales zur Anschauung bringt, das eben dabei ist, in die Ewigkeit zu wechseln; eben der langkurze Augenblick einer allzu flüchtigen Gegenwart, einer Natur neben der Natur, einer Realität neben der Realität. Es ist daher ein subversiver Realismus, der unser Alltagsdenken in Frage stellt, der die Din¬ge mittels überfeinerter Akkuratesse einem raschen Zugriff verweigert, der das Erken¬nen hintertreibt, die Welt denaturiert und zu Vexierbild umschmilzt [.]." Edwin Kratschmer (weniger anzeigen)

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Thoma, Hans: Hans Thoma (1839-1924), Triton und Nereide, 1895

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Hans Thoma (1839 Bernau - 1924 Karlsruhe), Triton und Nereide, 1895. Ölveredelte Lithographie, 37 cm x 47 cm (Blattgröße), unten rechts im Druck monogrammiert und datiert. - Firnis etwas nachgedunkelt, punktuelle Abplatzungen, obere linke Ecke mit kleinem Verlust - Der Glanz des Eros - Seit seiner Begegnung mit Arnold Böcklin in den 1870er Jahren war Thoma von den neo-mythologischen Meeresdarstellungen des Künstlerkollegen fasziniert und widmete sich selbst dieser Thematik. Triton steigt (mehr anzeigen)

Hans Thoma (1839 Bernau - 1924 Karlsruhe), Triton und Nereide, 1895. Ölveredelte Lithographie, 37 cm x 47 cm (Blattgröße), unten rechts im Druck monogrammiert und datiert. - Firnis etwas nachgedunkelt, punktuelle Abplatzungen, obere linke Ecke mit kleinem Verlust - Der Glanz des Eros - Seit seiner Begegnung mit Arnold Böcklin in den 1870er Jahren war Thoma von den neo-mythologischen Meeresdarstellungen des Künstlerkollegen fasziniert und widmete sich selbst dieser Thematik. Triton steigt mit einer Nereide zur Oberfläche empor und wühlt - in sein Muschelhorn blasend - das Wasser des Ozeans auf. Eine erotische Vermählung mit der Meeresnymphe, die die ganze ozeanische Welt mit der Kraft des Eros erfüllt. Der mit ihnen aufgehende Mond wird zur nächtlichen Sonne, deren silbernen Glanz sich auf dem bewegten Wasser verbreitet und das verschatte Paar in einen Silberschimmer versetzt. Die die Grafik in ein Unikat verwandelnde Ölveredelung verleiht dem Druck eine höhere Farbintensität und vermittelt den Eindruck, ein Gemälde zu betrachten. zum Künstler Nachdem er Lehren als Lithograph, Anstreicher und Uhrschildmaler abgebrochen hatte, bildete sich Hans Thoma autodidaktisch als Kunstmaler. Dies brachte ihm 1859 ein Stipendium für die Kunstschule in Karlsruhe ein, wo er Schüler von Wilhelm Schirmer und Ludwig Des Coudres wurde. Nach Abschluss des Studiums, 1866, hielt sich Thoma in Basel und Düsseldorf auf. Er lernte Otto Scholderer kennen, mit dem er 1868 nach Paris reiste. Dort beeindruckten ihn die Kunst Gustave Courbets und die Schule von Barbizon. Nach der Ablehnung seiner Werke im Karlsruher Kunstverein wurde Thoma 1870 in München ansässig, wo er dem Leibl-Kreis nahestand. In München arbeitete Wilhelm Trüber zeitweise in Thomas Atelier. 1874 erfolgte zusammen mit dem Maler Albert Lang die erster einer Reihe von Italienreisen, auf der er Hans von Marées und Adolph von Hildebrand kennenlernte und mit Arnold Böcklin Freundschaft schloss, dessen Kunst Thoma nachhaltig beeindruckte. Nach seiner Rückkehr nach München wurde Cella Berteneder Thomas Schülerin, die er 1877 ehelichte. Auf Einladung des Kunstsammlers Charles Minoprio reiste Thoma 1879 nach England. Im Laufe der Jahre erwarb Minoprio mehr als 60 Ölbilder Thomas und veranstaltete 1884 die erste Auslandsausstellung seiner Kunst in Liverpool. Ab 1878 lebte Thoma in Frankfurt. Im Folgejahr zeigte der Frankfurter Kunstverein die erste Einzelausstellung seiner Werke. Nach einer Reise in die Niederlande zog Thoma 1899 nach Kronberg im Taunus, wo die Kronberger Malerkolonie ansässig war. Im selben Jahr wurde er zum Professor der Karlsruher Kunstschule und zum Direkter der Karlsruher Kunsthalle berufen. 1901 war Hans Thoma mit Wilhelm Süs Gründer der Großherzoglichen Majolika-Manufaktur Karlsruhe, für die er fortan Entwürfe lieferte. Thoma stand nun auf dem Höhepunkt seines künstlerischen Ruhmes. Meyers Großes Konversations-Lexikon stellt in der 1909 erschienen Auflage fest, Thoma sei zu einem Lieblingsmaler des deutschen Volkes geworden. Anlässlich des 80. Geburtstags, 1919, organisierten Ernst Oppler und Lovis Corinth eine große Feierlichkeit. Nachdem Thoma verstorben war, widmete ihm die Berliner Nationalgalerie 1922 und die Basler Kunsthalle 1924 eine große Werkschau. (weniger anzeigen)

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Thoma, Hans: Hans Thoma (1839-1924), Selbstporträt, 1895

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Hans Thoma (1839 Bernau - 1924 Karlsruhe), Selbstporträt, 1895. Lithographie, 39 cm x 49,5 cm (Blattgröße), unten innerhalb der Darstellung in Rot mit zweizeiliger Widmung versehen, signiert und datiert. - nachgedunkelt und stellenweise etwas betrieben, ansonsten in gutem Zustand - Im Blick des Künstlers - Wie jedes Selbstporträt ist die von Hans Thoma in Alter von 56 Jahren angefertigte Darstellung seiner selbst eine Reflexion auf die eigene Kunst. Dementsprechend präsentiert Thoma die (mehr anzeigen)

Hans Thoma (1839 Bernau - 1924 Karlsruhe), Selbstporträt, 1895. Lithographie, 39 cm x 49,5 cm (Blattgröße), unten innerhalb der Darstellung in Rot mit zweizeiliger Widmung versehen, signiert und datiert. - nachgedunkelt und stellenweise etwas betrieben, ansonsten in gutem Zustand - Im Blick des Künstlers - Wie jedes Selbstporträt ist die von Hans Thoma in Alter von 56 Jahren angefertigte Darstellung seiner selbst eine Reflexion auf die eigene Kunst. Dementsprechend präsentiert Thoma die Malpalette auf eine seine Person mit dem Betrachterraum verbindende Weise. Der Blick ist ebenfalls in unsere Richtung und damit auf die reale Welt gerichtet. Der Künstler blickt allerdings nicht auf uns, sondern nimmt etwas in der Ferne Liegendes konzentriert in den Blick, das er im Geiste bereits künstlerisch zu transformieren scheint. Hinter ihm ist die Realität seiner Kunst zu sehen. Er steht in einem Hain, was den für Thoma wichtigen Naturbezug hervorhebt. Rechts von seinem Kopf ist ein Lebensfreude versprühender Reigen junger Frauen zu sehen, der für die Schönheit und Lebensfülle der Kunst einsteht, während links Reiter aufbrechen und sich - dem Lebensweg folgend - vom freudigen Tanz entfernen, was den melancholischen Aspekt der Kunst veranschaulicht. zum Künstler Nachdem er Lehren als Lithograph, Anstreicher und Uhrschildmaler abgebrochen hatte, bildete sich Hans Thoma autodidaktisch als Kunstmaler. Dies brachte ihm 1859 ein Stipendium für die Kunstschule in Karlsruhe ein, wo er Schüler von Wilhelm Schirmer und Ludwig Des Coudres wurde. Nach Abschluss des Studiums, 1866, hielt sich Thoma in Basel und Düsseldorf auf. Er lernte Otto Scholderer kennen, mit dem er 1868 nach Paris reiste. Dort beeindruckten ihn die Kunst Gustave Courbets und die Schule von Barbizon. Nach der Ablehnung seiner Werke im Karlsruher Kunstverein wurde Thoma 1870 in München ansässig, wo er dem Leibl-Kreis nahestand. In München arbeitete Wilhelm Trüber zeitweise in Thomas Atelier. 1874 erfolgte zusammen mit dem Maler Albert Lang die erster einer Reihe von Italienreisen, auf der er Hans von Marées und Adolph von Hildebrand kennenlernte und mit Arnold Böcklin Freundschaft schloss, dessen Kunst Thoma nachhaltig beeindruckte. Nach seiner Rückkehr nach München wurde Cella Berteneder Thomas Schülerin, die er 1877 ehelichte. Auf Einladung des Kunstsammlers Charles Minoprio reiste Thoma 1879 nach England. Im Laufe der Jahre erwarb Minoprio mehr als 60 Ölbilder Thomas und veranstaltete 1884 die erste Auslandsausstellung seiner Kunst in Liverpool. Ab 1878 lebte Thoma in Frankfurt. Im Folgejahr zeigte der Frankfurter Kunstverein die erste Einzelausstellung seiner Werke. Nach einer Reise in die Niederlande zog Thoma 1899 nach Kronberg im Taunus, wo die Kronberger Malerkolonie ansässig war. Im selben Jahr wurde er zum Professor der Karlsruher Kunstschule und zum Direkter der Karlsruher Kunsthalle berufen. 1901 war Hans Thoma mit Wilhelm Süs Gründer der Großherzoglichen Majolika-Manufaktur Karlsruhe, für die er fortan Entwürfe lieferte. Thoma stand nun auf dem Höhepunkt seines künstlerischen Ruhmes. Meyers Großes Konversations-Lexikon stellt in der 1909 erschienen Auflage fest, Thoma sei zu einem Lieblingsmaler des deutschen Volkes geworden. Anlässlich des 80. Geburtstags, 1919, organisierten Ernst Oppler und Lovis Corinth eine große Feierlichkeit. Nachdem Thoma verstorben war, widmete ihm die Berliner Nationalgalerie 1922 und die Basler Kunsthalle 1924 eine große Werkschau. (weniger anzeigen)

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Goethe, Johann Wolfgang von: Goethe's Werke. Vollständige Ausgabe letzter Hand (hier die sog. Großoktavausgabe). Dritter Band.

J. G. Cotta, Stuttgart und Tübingen, 1828.

Enthält: Lyrisches. Loge. Gott und Welt. Kunst. Epigrammatisch. Parabolisch. Aus fremden Sprachen. Zahme Xenien. EA. der Edition - gegenüber der kurz vorher erschienenen "Taschenausgabe" leicht korrigiert.. VI, 280 (recte: 282) S. 8° (19 x 11,5 cm). Nur Band 3 der Reihe - von 1827-1842 erschienen insgesamt 60 Bände und 1 Supplementband.

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Nehmer, Rudolf: Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Selig sind, die da geistlich arm sind, 1948

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Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Selig sind, die da geistlich arm sind, 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 20 cm x 15 cm (Darstellung), 45 cm x 30 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert und unten links mit "Matth. 5,3" und Zustand "I" bezeichnet. - Der breite Blattrand etwas gewellt, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Die Fülle der Armut - Der Holzschnitt gehört zu Nehmers bekanntester Graphikfolge, seiner kurz (mehr anzeigen)

Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Selig sind, die da geistlich arm sind, 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 20 cm x 15 cm (Darstellung), 45 cm x 30 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert und unten links mit "Matth. 5,3" und Zustand "I" bezeichnet. - Der breite Blattrand etwas gewellt, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Die Fülle der Armut - Der Holzschnitt gehört zu Nehmers bekanntester Graphikfolge, seiner kurz nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges geschaffenen bildlichen Auslegung der Bergpredigt (Matth. 5,1-7,29). Das Blatt veranschaulicht die Seligpreisung: Selig sind, die da geistlich arm sind; denn das Himmelreich ist ihr (Matth. 5,3). Das Mädchen ist ganz von der Bewunderung des auf ihrer Hand gelandeten Schmetterlings ergriffen und vergisst darüber die Welt um sich herum, während über ihr eine alte Frau auf der Bank sitzt und voller Gottvertrauen himmelwärts blickt. Ihre zum Gebet gefalteten Hände und die Hände des Mädchens sind optisch miteinander verbunden, so dass Jung und Alt eine Kontinuität bilden und der Schmetterling als Sinnbild der freien Seele ihnen beiden zugehört. zum Künstler Rudolf Nehmer studierte von 1932 bis 1934 in Dresden an der von Ernst Oskar Simonson-Castelli gegründeten privaten Kunstakademie bei Woldemar Winkler und war - nach einem kurzen Intermezzo an der Kunstakademie - bis 1936 Schüler im Atelier von Willy Kriegel. Nach einer ersten Einzelausstellung im Jahre 1935 in der bis in die NS-Zeit hinein progressiven Dresdner Kunstausstellung Kühl, war Nehmer in den Folgejahren in den Großen Deutschen Kunstausstellungen vertreten. 1938 weilte er in Worpswede. Ab 1941 war er Soldat an der Westfront und in Dänemark und kehrte 1945 aus britischer Kriegsgefangenschaft nach Dresden zurück. Nach dem Kriegsende erfolgte bereits 1945 die erste Einzelausstellung. Nehmer war Mitbegründer der Künstlervereinigung ,Das Ufer - Gruppe 1947' und war 1951 Gründungsmitglied der Künstlergenossenschaft ,Kunst und Zeit'. In der DDR erfolgten zahlreiche Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen, die in einer Retrospektive anlässlich seines 60. Geburtstags in der Galerie Neuer Meister gipfelte. (weniger anzeigen)

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Nehmer, Rudolf: Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Die Neige des Tages, 1948

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Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Die Neige des Tages, 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 14,3 cm x 15 cm (Darstellung), 43 cm x 30 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert und unten links mit "Matth. 6,34" bezeichnet. - Der breite Blattrand teilweise etwas bestoßen und leicht gewellt, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Leid und Liebe - Der Holzschnitt gehört zu Nehmers bekanntester Graphikfolge, seiner kurz nach (mehr anzeigen)

Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Die Neige des Tages, 1948. Holzschnitt auf gelblichem Velin, 14,3 cm x 15 cm (Darstellung), 43 cm x 30 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Rud.[olf] Nehmer" signiert und unten links mit "Matth. 6,34" bezeichnet. - Der breite Blattrand teilweise etwas bestoßen und leicht gewellt, die Darstellung in ausgezeichnetem farbkräftigem Zustand. - Leid und Liebe - Der Holzschnitt gehört zu Nehmers bekanntester Graphikfolge, seiner kurz nach dem Ende des Zweiten Weltkrieges geschaffenen bildlichen Auslegung der Bergpredigt (Matth. 5,1-7,29). Das Blatt veranschaulicht den Vers: Darum sorgt nicht für den andern Morgen; denn der morgende Tag wird für das Seine sorgen. Es ist genug, daß ein jeglicher Tag seine eigene Plage habe (Matth. 6,34). Am Ende des Tages blickt die leidgezeichnete Mutter in die nächtliche Welt hinaus. Mit dem behütenden In-den-Schlaf-Wiegen des Kindes endet ihr Tagessoll bis der nächste Morgen heraufdämmert. Das Herz an der Stirnseite der Krippe mit den tirilierenden Vögeln verdeutlicht aber, dass die Mühsal dennoch von Liebe getragen wird. zum Künstler Rudolf Nehmer studierte von 1932 bis 1934 in Dresden an der von Ernst Oskar Simonson-Castelli gegründeten privaten Kunstakademie bei Woldemar Winkler und war - nach einem kurzen Intermezzo an der Kunstakademie - bis 1936 Schüler im Atelier von Willy Kriegel. Nach einer ersten Einzelausstellung im Jahre 1935 in der bis in die NS-Zeit hinein progressiven Dresdner Kunstausstellung Kühl, war Nehmer in den Folgejahren in den Großen Deutschen Kunstausstellungen vertreten. 1938 weilte er in Worpswede. Ab 1941 war er Soldat an der Westfront und in Dänemark und kehrte 1945 aus britischer Kriegsgefangenschaft nach Dresden zurück. Nach dem Kriegsende erfolgte bereits 1945 die erste Einzelausstellung. Nehmer war Mitbegründer der Künstlervereinigung ,Das Ufer - Gruppe 1947' und war 1951 Gründungsmitglied der Künstlergenossenschaft ,Kunst und Zeit'. In der DDR erfolgten zahlreiche Einzelausstellungen und Ausstellungsbeteiligungen, die in einer Retrospektive anlässlich seines 60. Geburtstags in der Galerie Neuer Meister gipfelte. (weniger anzeigen)

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Häusler, Ingrid: Traumwesen, um 1910

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ARCADIA ART Ingrid Häusler. Traumwesen. Scherenschnitt, 14 x 26,5 cm (Darstellungsgröße), 34,5 x 44 cm (Blattgröße), rechts unten signiert "Ingrid Häusler.", um 1910. Bildträger insbesondere außerhalb der Darstellung stockfleckig zum Werk Scheinen die filigran ausgeführten Spielfiguren, die Mädchenpuppe links mit ihrem nach oben abstehenden Zopf, die Katze auf dem Schaukelpferd daneben und der dösende Kasper auf der anderen Seite des Bettes ein surreales Eigenleben zu führen, (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Ingrid Häusler. Traumwesen. Scherenschnitt, 14 x 26,5 cm (Darstellungsgröße), 34,5 x 44 cm (Blattgröße), rechts unten signiert "Ingrid Häusler.", um 1910. Bildträger insbesondere außerhalb der Darstellung stockfleckig zum Werk Scheinen die filigran ausgeführten Spielfiguren, die Mädchenpuppe links mit ihrem nach oben abstehenden Zopf, die Katze auf dem Schaukelpferd daneben und der dösende Kasper auf der anderen Seite des Bettes ein surreales Eigenleben zu führen, erscheinen auf der Wand über dem Bettchen des schlafenden Mädchen phantastische Traumgestalten, die in wildem Ritt vorbeiziehen und die Schlafende in eine andere Welt entführen. Besonders eindrucksvoll und irritierend zugleich wirkt das Spiel der Realitätsebenen durch das transparente Papier, vor dem die "surreale" Kinderstube situiert ist, während dahinter die "reale" Traumwelt beginnt. Der im asiatischen Raum wahrscheinlich als Schablonen für Porzellanmalerei bereits im 12. Jahrhundert gebräuchliche Scherenschnitt ging in Westeuropa aus der im 18. Jahrhundert verbreiteten Kunst des Schattenrisses hervor. Benannt nach dem französischen Finanzminister Étienne de Silhouette, auf dessen sprichwörtlichem Geiz die Anekdote basiert, er habe sein Haus statt mit Ölbildern mit schwarzen Scherenschnitten ausgestattet, war die in den 30er Jahren des 18. Jahrhunderts aufkommende Bezeichnung ,Silhouette' zunächst ein negativer Ausdruck für ,billige Kunst'. Die Silhouette knüpfte jedoch an eine Tradition an, welche ihre abwertende Bedeutung schnell überblendete. Nach der von Plinius dem Älteren überlieferten Legende ist der Schattenriss nämlich der eigentliche Ursprung der Malerei: Eine junge Korintherin hatte den Schatten des Kopfes ihres zur Seefahrt aufbrechenden Geliebten auf einer Wand nachgezeichnet. Diese Legende beinhaltet jene beiden wesentlichen Momente, die den Schattenriss in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts zu einer alle Gesellschaftsschichten durchziehende Mode hat werden lassen. Zum einen stellt der Schattenriss ein authentisches Abbild her, zum anderen ist er eine Projektionsfläche der Sehnsucht. Aus dieser Verbindung von Realismus und Imaginationspotenzial schöpft der von der Darstellung des menschlichen Profils losgelöste Scherenschnitt. Der Schatten wird zum künstlerischen Material, mit dem szenische Darstellungen geschaffen werden, die eine hohe Affinität zum Märchenhaft-Phantastischen aufweisen und dabei zugleich authentisch wirken. Daher war der Scherenschnitt nicht allein für die Aufklärung und Empfindsamkeit, sondern ebenfalls für die Romantik, den Klassizismus und das Biedermeier relevant. Diese Kunst erfreute sich bis ins zwanzigste Jahrhundert hinein großer Beliebtheit und wurde von so unterschiedlichen Künstler wie Philipp Otto Runge und Henri Matisse ausgeübt. (weniger anzeigen)

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Kerschbaumer, Marie-Therese [Marie-Thérèse]: Werke I-XIII. Bd.I: Der Schwimmer. / Bd.II: Der weibliche Name des WIderstands. / Bd.III: Schwestern. / Bd.IV: Versuchung. / Bd.V: Die Fremde. / Bd.VI: Ausfahrt. / Bd.VII: Fern. / Bd.VIII: Neun Canti. / Bd.IX: Bilder immermehr. / Bd.X: Neun Elegien.

Klagenfurt, Wieser, 2007.

/ Bd.XI: Wasser und Wind. / Bd.XII: Orfeo. Bilder Träume. / Bd.XIII: Calypso. Über Welt, Kunst, Literatur. / Bd. 14: Hans Höller. Das Werk von Marie-Therese Kerschbaumer. Ein Essay. 14 Bände.. 8°. Pappbände mit Schutzumschlag in Kassette,

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Beine-Hager, Maria (1919 - 1991): Hinwendung. Farbholzschnitt auf Japanpapier um 1980

Blattgröße 43, 7 x 19, _.

Blattgröße 43,7 x 19,8 cm. Farbholzschnitt auf Weihnachtsgruß der Druckerei und Verlagsanstalt für Sparkassenkalender in Ansbach. Original von der Künstlerin unten rechts mit Bleistift signiert--- - Maria Beine-Hager war eine anerkannte Künstlerin, die mit dem Kulturpreis der Stadt Ansbach ausgezeichnet wurde. Ihre Gemälde, Graphiken und Zeichnungen wurden in aller Welt ausgestellt, u. a. in Paris, den USA und Australien, aber auch im Bundesparlament Bonn. Ein Teilebereich ihrer Kunst, (mehr anzeigen)

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Beine-Hager, Maria (1919 - 1991): Mutter Gottes mit Jesuskind. Farbholzschnitt auf Japan-Papier um 1980

Blattgröße 43, 7 x 19, _.

Blattgröße 43,7 x 19,8 cm. Farbholzschnitt auf Weihnachtsgruß der Druckerei und Verlagsanstalt für Sparkassenkalender in Ansbach. Original von der Künstlerin unten rechts mit Bleistift signiert--- - Maria Beine-Hager war eine anerkannte Künstlerin, die mit dem Kulturpreis der Stadt Ansbach ausgezeichnet wurde. Ihre Gemälde, Graphiken und Zeichnungen wurden in aller Welt ausgestellt, u. a. in Paris, den USA und Australien, aber auch im Bundesparlament Bonn. Ein Teilebereich ihrer Kunst, (mehr anzeigen)

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Beine-Hager, Maria (1919 - 1991): (Blick zum Engel). Farbholzschnitt auf Japanpapier um 1980

Blattgröße 43, 7 x 19, _.

Blattgröße 43,7 x 19,8 cm. Farbholzschnitt original von der Künstlerin unten rechts signiert--- - Maria Beine-Hager war eine anerkannte Künstlerin, die mit dem Kulturpreis der Stadt Ansbach ausgezeichnet wurde. Ihre Gemälde, Graphiken und Zeichnungen wurden in aller Welt ausgestellt, u. a. in Paris, den USA und Australien, aber auch im Bundesparlament Bonn. Ein Teilebereich ihrer Kunst, ?Kunst am Bau? ist noch heute in vielen Orten Frankens zu besichtigen: Erlangen, Ansbach, Triesdorf usw. (mehr anzeigen)

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Beine-Hager, Maria (1919 - 1991): (Blick auf Vogel im Sonnenlicht). Farbholzschnitt auf Japanpapier um 1980

Blattgröße 43, 7 x 19, _.

Blattgröße 43,7 x 19,8 cm. Farbholzschnitt original von der Künstlerin unten rechts mit Bleistift signiert--- - Maria Beine-Hager war eine anerkannte Künstlerin, die mit dem Kulturpreis der Stadt Ansbach ausgezeichnet wurde. Ihre Gemälde, Graphiken und Zeichnungen wurden in aller Welt ausgestellt, u. a. in Paris, den USA und Australien, aber auch im Bundesparlament Bonn. Ein Teilebereich ihrer Kunst, ?Kunst am Bau? ist noch heute in vielen Orten Frankens zu besichtigen: Erlangen, Ansbach, (mehr anzeigen)

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Thoma, Hans: Hans Thoma (1839-1924), Triton und Nereide, 1895

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Thoma, Hans: Hans Thoma (1839-1924), Selbstporträt, 1895

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Goethe, Johann Wolfgang von: Goethe's Werke. Vollständige Ausgabe letzter Hand (hier die sog. Großoktavausgabe). Dritter Band.

J. G. Cotta, Stuttgart und Tübingen, 1828.

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Nehmer, Rudolf: Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Selig sind, die da geistlich arm sind, 1948

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Nehmer, Rudolf: Rudolf Nehmer (1912 Bobersberg - 1983 Dresden), Die Neige des Tages, 1948

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Häusler, Ingrid: Traumwesen, um 1910

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Kerschbaumer, Marie-Therese [Marie-Thérèse]: Werke I-XIII. Bd.I: Der Schwimmer. / Bd.II: Der weibliche Name des WIderstands. / Bd.III: Schwestern. / Bd.IV: Versuchung. / Bd.V: Die Fremde. / Bd.VI: Ausfahrt. / Bd.VII: Fern. / Bd.VIII: Neun Canti. / Bd.IX: Bilder immermehr. / Bd.X: Neun Elegien.

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Beine-Hager, Maria (1919 - 1991): Hinwendung. Farbholzschnitt auf Japanpapier um 1980

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Beine-Hager, Maria (1919 - 1991): Mutter Gottes mit Jesuskind. Farbholzschnitt auf Japan-Papier um 1980

Blattgröße 43, 7 x 19, _.

56.00 EUR

Beine-Hager, Maria (1919 - 1991): (Blick zum Engel). Farbholzschnitt auf Japanpapier um 1980

Blattgröße 43, 7 x 19, _.

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Beine-Hager, Maria (1919 - 1991): (Blick auf Vogel im Sonnenlicht). Farbholzschnitt auf Japanpapier um 1980

Blattgröße 43, 7 x 19, _.

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