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Heinemann, Fritz: Fritz Heinemann (1864-1932), Junger Römer, 1892

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ARCADIA ART Fritz Heinemann (1864 Altena - 1932 Berlin), Junger Römer, 1892. Bräunlich patinierte Bronze auf gegossener runder Plinthe, montiert auf rotem Marmorsockel (8,5 cm Höhe), Gesamthöhe 36 cm, Maße der Bronze 27,5 cm (Höhe) x 9 cm (Länge) x 8 cm (Breite), Gewicht 3,3 kg. Auf der Plinthe mit "Fritz Heinemann" signiert, mit "Roma." ortsbezeichnet und mit der Gießereimarke "Akt. Ges. vorm. H. Gladenbeck & Sohn" versehen. - Bronze in tadellosem Zustand, Plinthe des Marmorsockels an (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Fritz Heinemann (1864 Altena - 1932 Berlin), Junger Römer, 1892. Bräunlich patinierte Bronze auf gegossener runder Plinthe, montiert auf rotem Marmorsockel (8,5 cm Höhe), Gesamthöhe 36 cm, Maße der Bronze 27,5 cm (Höhe) x 9 cm (Länge) x 8 cm (Breite), Gewicht 3,3 kg. Auf der Plinthe mit "Fritz Heinemann" signiert, mit "Roma." ortsbezeichnet und mit der Gießereimarke "Akt. Ges. vorm. H. Gladenbeck & Sohn" versehen. - Bronze in tadellosem Zustand, Plinthe des Marmorsockels an zwei Ecken bestoßen und mit vereinzelten Kratzspuren. - Jugendliche Sprezzatura - Bis ins späte 19. Jahrhundert war Rom das Mekka der deutschen Künstler, das allerdings zusehends von Paris abgelöst werden sollte. Insbesondere mit den Nazarenern, zu denen Peter von Cornelius, Friedrich Wilhelm Schadow, Friedrich Overbeck, Julius Schnorr von Carolsfeld und Joseph Anton Koch gehörten, wurde ab den 1820er Jahre die Pilgereise nach Rom für angehende deutsche Künstler geradewegs verpflichtend. Bald war gar von ,Deutschrömern' die Rede, die auch institutionell in Rom ansässig wurden. 1845 wurde der bis 1915 bestehende Deutsche Künstlerverein gegründet und 1913 die noch heute dort ansässige Deutsche Akademie in der Villa Massimo eröffnet. Nachdem sich Fritz Heinemann 1891 in Paris aufgehalten hatte, zog es im Folgejahr auch ihn nach Rom. Dort entwarf er die vor Augen stehende Statuette eines jungen Römers, die er stolz mit "Roma" ortbezeichnet. Ebenfalls ins 19. Jahrhundert fällt die zunehmende künstlerische Entdeckung des ,Volkes'. Statt eines Davids, in dessen künstlerischer Tradition der Dargestellte steht, sehen wir einen jungen Mann, wie ihn der Künstler auf der Straße hätte treffen können. Dieser vollführt auch keine heroische Handlung oder verweist zumindest auf eine Heldentat, wie dies bei David der Fall ist. Dennoch wirkt er willensstark und entschlossen, obwohl er die Jacke leger über die Schulter gehängt hat und in einem beinahe lässigen Kontrapost dasteht. Dafür sind seine Arme überkreuzt und der zur Seite gerichtete Blick geradewegs entschlossen. Trotz seiner insgesamt gelassenen Haltung ist das jugendliche Feuer zu verspüren, wobei er selbst noch nicht abzusehen vermag, wohin es ihn im Leben treiben wird. Ist das Gesicht idealisiert ausgeformt, um den italienischen jungen Mann schlechthin zur Darstellung zu bringen, so ist die vielschichtige Kleidung umso realistischer veranschaulicht. Jedes Detail ist auf meisterhafte Weise minutiös herausgearbeitet. Die übergeworfene Jacke ist ein wahres Virtuosenstück. Gerade die Könnerschaft bringt den wie hingeworfenen wirkenden natürlichen Eindruck hervor. Dafür hat die italienische Kunsttheorie den Begriff 'Sprezzatura' geprägt, die Heinemann hier ganz offensichtlich unter Beweis stellen wollte und die den Künstler so wie den dargestellten jungen Mann erscheinen lässt. zum Künstler Nach dem Besuch der Nürnberger Kunstgewerbeschule (1883-85) nahm Fritz Heinemann das Studium an der Berliner Kunstakademie auf, wo er bis 1889 von Albert Wolff, Fritz Schaper und Gerhard Janensch unterrichtet wurde. Der Ankauf seines auf der Berliner Internationalen Kunstausstellung von 1892 gezeigten Werks "Mutter und Kind" durch Prinz Albrecht von Preußen für Schloss Camenz war der Auftakt für künftige Staatsaufträge und ließ Heinemann auch in bürgerlichen Kreisen zum gefragten Künstler werden. Er unternahm Studienreisen nach Paris (1891) und Rom (1892). Für seine Gruppe "Heimkehr vom Felde" erhielt Heinemann 1897 in Berlin die goldene Medaille. 1899 wurde er zum Prof. für Bildhauerei an die Unterrichtsanstalt des Königlichen Kunstgewebemuseums berufen, wo bis 1905 lehrte. 1906 unternahm er eine weitere Studienreise nach Paris. Zurück in Berlin folgten produktive Jahre, in denen er seine Werke auf den Großen Berliner Kunstausstellungen, im Münchner Glaspalast und auf den Großen Kunstausstellungen in Düsseldorf und Dresden präsentierte. Auch Kaiser Wilhelm II. gehörte zu seinen Kunden. (weniger anzeigen)

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Feldmann, Wilhelm: Wilhelm Feldmann (1859-1932), Impressionistische Herbstlandschaft mit See, um 1905

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Wilhelm Feldmann (1859 Lüneburg - 1932 Lübeck), Impressionistische Herbstlandschaft mit See, um 1905. Pastell auf Malkarton, 46 cm x 31 cm (Innenmaß), 52 cm x 37 cm (Rahmen), links unten mit "Wilh.[elm] Feldmann." signiert. Hinter Glas gerahmt. - in gutem Gesamtzustand - Diffuse Konkretion - Wilhelm Feldmann stellt die Herbstlandschaft als atmosphärischen Farbeindruck dar, aus dem sich die Natur heraus konkretisiert. Die kahlen Äste im Bildmittelgrund wirken beinahe konturenscharf und (mehr anzeigen)

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Rancoulet, Ernest: Ernest Rancoulet (1842-1918), Allegorie des Fortschritts, um 1890

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Ernest Rancoulet (1842-1918), Allegorie des Fortschritts, um 1890. Bronzierter Metallguss mit gegossener Terrainplinthe auf Holzsockel (6 cm Höhe) montiert. 64,5 cm (Gesamthöhe) x 28 cm (Breite) x 18 cm (Tiefe), Gewicht 7,2 kg. Der männliche Genius hält ein Blatt mit dem Schriftzug "Les écrits", der weibliche Genius die Inschrift "L'enseignement anime la jeunesse aux nouvelles découvertes". Auf der Plinthe liegt eine Schriftrolle mit den Worten "Le Genie du Progres". Rückseitig mit (mehr anzeigen)

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Robie, Jean-Baptiste (1821-1910): Stillleben mit Wiesenblumen

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Jean-Baptiste Robie (1821 Brüsel - 1910 ebd.). Stillleben mit Wiesenblumen. Öl auf Holz, 24,5 x 18,5 cm (Innenmaß), 37 x 31 cm (Rahmen), rechts unten signiert und schwer leserlich datiert "J. Robie 19[.]". zum Werk Das kleinformatige Kabinettbild stellt einen Blumenstrauß dar und reiht sich damit in das Genre des Stilllebens ein. Anstatt jedoch mit der Opulenz der oftmals üppigen in Feinmalerei ausgeführten Blumenbuketts zu wetteifern - was der Künstler, wie er es in anderen Werken (mehr anzeigen)

Jean-Baptiste Robie (1821 Brüsel - 1910 ebd.). Stillleben mit Wiesenblumen. Öl auf Holz, 24,5 x 18,5 cm (Innenmaß), 37 x 31 cm (Rahmen), rechts unten signiert und schwer leserlich datiert "J. Robie 19[.]". zum Werk Das kleinformatige Kabinettbild stellt einen Blumenstrauß dar und reiht sich damit in das Genre des Stilllebens ein. Anstatt jedoch mit der Opulenz der oftmals üppigen in Feinmalerei ausgeführten Blumenbuketts zu wetteifern - was der Künstler, wie er es in anderen Werken veranschaulicht, durchaus vermochte -, präsentiert Jean-Baptiste Robie einen Strauß mit Gräsern und Blättern, wie er soeben beim Spaziergang auf einer Blumenwiese gepflückt worden sein könnte. Um diese Herkunft unmittelbar aus der Natur vor dem Haus zu unterstreichen, ist ein großes Blatt hinter die Vase gelegt, dessen teilweise bereits abgebrochenen Zweige auf der anderen Seite der Vase hervorschauen. Durch die zahlreichen Blätter und die reduzierte Farbigkeit wirkt das Grün wie ein Binnenfond innerhalb des Straußes, der sich mit dem ebenfalls grüntonalen Hintergrund zusammenschließt. Vor dem Grün heben sich insbesondere die rosafarbenen Blüten ab, die eine Choreographie vollführen: Während die unteren Blüten herabhängen, richten sie sich nach oben hin zusehends auf. Dies veranschaulicht die Lebenskraft der Pflanzen. Nun wird deutlich, dass Robie das Sujet des Blumenstilllebens neu fasst: Es ist ihm nicht mehr daran gelegen, die prachtvolle Schönheit der Blumen herauszustellen, sondern ihre Vitalität aufzuzeigen und damit die innere Lebenskraft der Natur zu veranschaulichen, in der ihre Schönheit gründet. Diese Vitalität belebt den ganzen Strauß: Die Blätter sind vor innerer Spannkraft in sich gewunden und scheinen sich - wie die Blüten - dem Licht entgegenzustrecken. Das kontrastreiche Spiel des Lichtes versetzt den Strauß in ein geheimnisvolles Hell-Dunkel und beruht auf Freilicht-Studien in der Natur. Dabei wird das Licht in impressionistischer Manier in Farbe übersetzt, was sich insbesondere bei der Gestaltung der Glasvase zeigt: Das Glas wird zur Farbfläche, die dennoch die Spiegelung des Fensters einfängt und die Stiele der Blumen und Blätter durchscheinen lässt. [...] (weniger anzeigen)

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Volney, Constantin François: Oeuvres complètes de C.F. Volney. Mises en ordre et précédées de la vie de l'auteur. 8 volumes (complete)

Bossange, Paris, 1821.

1821-22, Halbledereinbde. m. goldgeprägten Rücken, IV, L, 438 S. / 456 S. / VI, 455 S. / 513 S. / IV, 457 S. / XII, 407 S. / XX, 494 S. / XVIII, 537 S. m. 23 (von 24, erste Tafel des ersten Bandes fehlt) teilw. großformatigen Ausfalttafeln - Rücken des ersten Bandes beidseitig angeplatzt, Rücken des dritten Bandes einseitig ebenfalls etwas angeplatzt, zwei Karten mit leichtem Wasserrand, sonst wohl erhaltene Exemplare

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Plé, Henri Honoré: Henri Honoré Plé (1853-1922), Der siegreiche David, um 1890

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Henri Honoré Plé (1853 Paris - 1922 Paris), Der siegreiche David, um 1890. Rotbraun und braun patinierte Bronze mit Terrainplinthe auf rundem Sockel montiert. 62 cm (Gesamthöhe) x 22 cm (Länge) x 22 cm (Tiefe), Gewicht 13,5 kg. Auf der Plinthe mit "Henri Plé" signiert, auf dem Titelschildchen mit "DAVID VAINQEUR SALON DES BEAUX-ARTS" bezeichnet und rückseitig mit der Gießereimarke der "Société des Bronzes de Paris" und dem Buchstaben "B" versehen. - Patina stellenweise leicht berieben (mehr anzeigen)

Henri Honoré Plé (1853 Paris - 1922 Paris), Der siegreiche David, um 1890. Rotbraun und braun patinierte Bronze mit Terrainplinthe auf rundem Sockel montiert. 62 cm (Gesamthöhe) x 22 cm (Länge) x 22 cm (Tiefe), Gewicht 13,5 kg. Auf der Plinthe mit "Henri Plé" signiert, auf dem Titelschildchen mit "DAVID VAINQEUR SALON DES BEAUX-ARTS" bezeichnet und rückseitig mit der Gießereimarke der "Société des Bronzes de Paris" und dem Buchstaben "B" versehen. - Patina stellenweise leicht berieben und am Rücken mit kleinem Kratzer, ansonsten in einem altersgemäß ausgezeichneten Zustand - Die Melancholie des strahlenden Helden - In elegant gelassener Haltung stützt sich David auf das immense Schwert, mit dem er den Riesen Goliath getötet hat, nachdem er ihn mit der Steinschleuder zu Fall gebracht hatte. Das Schwert ruht auf dem immensen Kopf, der mit seiner langen Mähne und dem Bart noch im Tod gewaltige Kräfte ausstrahlt. Aber auch David wirkt überaus athletisch. Die leichte Drehung des Oberkörpers bringt seinen wohlproportionierten Körper aus mehreren Ansichten zur Geltung. Er weist eine geradewegs ideale Schönheit auf, womit sich Plé auf den David Donatellos bezieht. Seine gegen 1445 geschaffene Bronzeplastik zielt, ebenso wie Michelangelos David (1504), auf die Veranschaulichung einer idealen Körperlichkeit. Donatellos David wirkt allerdings jugendlicher und weist eine gewisse Laszivität auf, die bei Plé fehlt. Der französische Künstler unterstreicht die Eleganz des Körpers durch das überlang wirkende Schwert. Auf dem Kopf Goliaths ruhend durchmisst es Davids Gestalt beinahe bis zu den Schultern und wird auf diese Weise zur filigran-eleganten Analogie von Davids Körper. Zugleich bringt das überlange und daher nur schwer zu führende Schwert Davids Willenskraft zum Ausdruck, die ihn Goliaths hat bezwingen lassen. Diese Entschlossenheit ist seinen leicht zusammengezogenen Augenbraunen noch abzulesen. Obwohl David erhobenen Hauptes als Sieger in einer scheinbar gelassenen Haltung dasteht, ist ihm doch eine innere Anspannung abzulesen, die Donatellos David fehlt. Er stützte seinen Kopf nach der vollbrachten Heldentat nicht auf entspannte Weise mit der Hand ab, sondern berührt ihn mit nur einem Finger, während der konzentrierte nach innen gerichtete Blick das Geschehene reflektiert. Dieser nachdenkliche, beinahe melancholische Zug kommt bei Plés großer Ausführung des Davids noch weit mehr zur Geltung als bei der kleineren Version. Aber nicht allein die Physiognomie ist charakteristischer herausgearbeitet, auch der Körper ist ausdrucksstärker durchmodelliert. zum Künstler Henri Honoré Plé war der Sohn eines Porzellannmalers. Der Bildhauerei zugeneigt wurde er Schüler Mathurin Moreaus und stellte als selbstständiger Künstler ab 1877 im Pariser Salon aus. 1879 wurde ihm eine ehrenvolle Erwähnung zuteil. Auf der Pariser Weltausstellung des Jahres 1900 erhielt er eine Bronzemedaille. Sein überlebensgroßes Werk, "Der erste Schritt", befindet sich im Kunstmuseum von Lille. Plé war Mitglied der Société des artistes français. (weniger anzeigen)

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Bengel, Ernst Gottlieb: Archiv für die Theologie und ihre neuste Literatur. Herausgegeben von Ernst Gottlieb Bengel. - Bände 1-8 in 11 Teilbänden. Insgesamt 11 Teilbände. Band 2.3 fehlend.

Christian Friedrich Osiander 1816, Tübingen, 1826.

8° (20 x 12 cm). Pappbände der Zeit. [Hardcover / fest gebunden].

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Laurent, Eugène: Eugène Laurent (1832-1898), Jeanne d'Arc, um 1880

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Eugène Laurent (1832 Gray - 1898 Paris), Jeanne d'Arc, um 1880. Braun patinierte Bronze auf mitgegossener rechteckiger Plinthe mit Baumstamm und Spinnrocken. 40 cm (Höhe) x 15,5 cm (Länge) x 15,5, cm (Tiefe), Gewicht 6,1 kg. Auf der Plinthe mit "E.[ugène] Laurent." signiert und rückseitig mit "HZ" bezeichnet. - patinabedingt etwas fleckig, Oxidationsspuren hinter dem Spinnrocken, stellenweise leicht berieben, insgesamt in einem altersgemäß noch sehr guten Zustand - Die befreiende Kraft (mehr anzeigen)

Eugène Laurent (1832 Gray - 1898 Paris), Jeanne d'Arc, um 1880. Braun patinierte Bronze auf mitgegossener rechteckiger Plinthe mit Baumstamm und Spinnrocken. 40 cm (Höhe) x 15,5 cm (Länge) x 15,5, cm (Tiefe), Gewicht 6,1 kg. Auf der Plinthe mit "E.[ugène] Laurent." signiert und rückseitig mit "HZ" bezeichnet. - patinabedingt etwas fleckig, Oxidationsspuren hinter dem Spinnrocken, stellenweise leicht berieben, insgesamt in einem altersgemäß noch sehr guten Zustand - Die befreiende Kraft des Glaubens - Als 13jähige vernahm das um 1412 in Lothringen geborene Bauernmädchen Jeanne Stimmen der Heiligen Katharina und Margarete und des Erzengels Michael, die ihr verkündeten, auserwählt zu sein, Frankreich von der englischen Besatzung zu befreien. 1428 waren die Truppen von Heinrich VI. bis zur Loire vorgerückt und belagerten die für eine Weitereroberung Frankreichs strategisch wichtige Stadt Orléans. Jeanne d'Arc begab sich ins Exil Karls VII. und führte mit der Einwilligung des Königs das französische Heer gegen die Belagerer ins Feld. Nach viertätiger Schlacht unterlagen die Engländer und Orléans war befreit. Es folgten weitere siegreiche Kämpfen bis sie 1430 in die Hände des Feindes fiel, der bei der Inquisition ihre Hinrichtung als Hexe erwirkte. Im Mai 1431 wurde Jeanne d'Arc in Rouen verbrannt. Im Anschluss an die endgültige Vertreibung der Engländer wurde die "Jungfrau von Orléans" 1456 von der Kirche rehabilitiert. 1920 erfolgte schließlich ihre Heiligsprechung. Inzwischen galt Jeanne d'Arc als Nationalheldin und Schutzpatronin Frankreichs. In der Nachfolge der Französischen Revolution, dem Erstarken der Nationalstaatlichkeit und dem Deutsch-Französischen Krieg von 1870/71 erfuhr Jeanne d'Art eine neue Verehrung und wurde in zahlreichen Bronzestatuen dargestellt. Eugène Laurent zeigt das junge Mädchen wie sie die Stimmen der Heiligen vernimmt, die ihr das von der Vorsehung bestimmte Schicksal offenbaren. Mit weit geöffneten Augen blickt sie gen Himmel als ob sie die offenbarte Zukunft schauen würde. Dabei hat sie die Hände in Gebetshaltung geschlossen, was zugleich vom Willen kündet, sich ihrem Schicksal zu stellen. An einen Baumstamm gelehnt, tritt sie mit dem einen Fuß auf einen erhöhten Stein, was ihr - zusammen mit dem aufwärts gerichteten Blick - eine von ihrer höheren Mission kündende Aufwärtsbewegung verleiht. Zugleich tritt sie aber auch von dem Stein auf die Erde herab, wodurch ihre irdische Mission hervorgehoben wird, zu der sie bereits den ersten Schritt getan hat. Dabei steigt sie über den abgelegten Spinnrocken hinweg, der auf ihre ,niedere' Herkunft verweist und zum nun abgelegten Leben gehört. Laurent gelingt es, die schicksalhafte Ergriffenheit zur Darstellung zu bringen, die uns Jeanne d'Arc, obwohl sie ein einfaches Bauernmädchen ist, ehrfürchtig betrachten lässt. Auch wenn die Gestaltung auf den Gesamteindruck zielt, hat der Künstler doch einzelne Details, wie die zugebundene Weste, äußerst realitätsnah herausgearbeitet und neben der Haut insbesondere die stoffliche Qualität der Textilien zur Darstellung gebracht. zum Künstler Eugène Laurent studierte an der Pariser École des Beaux-Arts und wurde 1860 von der Akademie mit einem Preis ausgezeichnet. Anschließend trat er in das Atelier Jacques Antoine Theodore Coinchon ein. Als freischaffender Künstler beschickte er von 1861 bis 1893 den Pariser Salon mit Statuen, Porträtbüsten und Medaillons. Zudem schuf er Großplastiken wie das Denkmal Jacques Callots in Nancy (1877) und die Statue François Bouchers am Pariser Rathaus. (weniger anzeigen)

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Uechtritz, Friedrich von: Eleazar. Eine Erzählung aus der Zeit des grossen judischen Krieges im ersten Jahrhunderte nach Christo. Drei Bände in einem

Hermann Costenoble, Jena, 1867.

kl 8°, Halbledereinbd., 266, 279 u. 294 S. - Einband beriben, Ex Libris, die ersten und letzten Seiten etwas stockfleckig, sonst innen sauber und gut erhaltenes Exemplar der raren Ausgabe

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Volz, Hermann: Hermann Volz (1847-1914), Nackter Krieger mit Kurzschwert, um 1935

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Hermann Volz (1847 Karlsruhe - 1914 ebd.), Nackter Krieger mit Kurzschwert, um 1935. Partiell (?) patinierte Bronze mit gegossener Plinthe auf schwarzem Marmorsockel (6,8 cm Höhe) montiert. 32,5 cm (Gesamthöhe) x 12 cm (Breite) x 7 cm (Tiefe), Gewicht 3,7 kg. Auf der Plinthe mit "H.[ermann] Volz" signiert. - Patina berieben, sichtbare Gussnaht am linken Arm, ansonsten in einem altersgemäß ausgezeichneten Zustand. - Der neue Herkules - Trotz des relativ kleinen Formats wirkt der Krieger (mehr anzeigen)

Hermann Volz (1847 Karlsruhe - 1914 ebd.), Nackter Krieger mit Kurzschwert, um 1935. Partiell (?) patinierte Bronze mit gegossener Plinthe auf schwarzem Marmorsockel (6,8 cm Höhe) montiert. 32,5 cm (Gesamthöhe) x 12 cm (Breite) x 7 cm (Tiefe), Gewicht 3,7 kg. Auf der Plinthe mit "H.[ermann] Volz" signiert. - Patina berieben, sichtbare Gussnaht am linken Arm, ansonsten in einem altersgemäß ausgezeichneten Zustand. - Der neue Herkules - Trotz des relativ kleinen Formats wirkt der Krieger monumental. Bei der Durchbildung des Körpers orientiert sich Hermann Volz am Herkules Farnese. Die antike Skulptur misst 3,20 m und weist einen ebenso leicht geschwungenen Körper auf wie Volz' Krieger. Die monumentale Wirkung des antiken Helden resultiert aber nicht allein aus seiner Größe, sein Kopf ist im Verhältnis zum Körper kleiner als bei anderen antiken Statuen, wodurch der Körper umso mächtiger wirkt. Diese Wirkung macht sich auch Volz zu Nutze, wobei er seinem Krieger ein bartloses jugendliches Antlitz verleiht. Bei den kurzen gelockten Haaren und dem entschlossenen Blick mag sich Volz an Caracalla-Büsten orientiert haben. Im Gegensatz zum bereits älteren Herkules Farnese, der sich nach getanen Heldentaten auf seine mächtige Keule stützt, blickt der jugendliche ,Herkules' entschlossenen den kommenden Taten entgegen. Sein Kopf ist nicht nach vorne, sondern zur Seite ausgerichtet, als ob er etwas erspäht hätte, dem er entgegenblickt. Voller Kampfeslust hat er mit der einen Hand die Faust geballt, während er mit der anderen das Kurzschwert hochhält, um es aus der Scheide zu ziehen. zum Künstler Bereits während des Architekturstudiums in Karlsruhe besuchte Hermann Volz die Kunstschule, um Zeichenunterricht zu nehmen. Nach seinem Einsatz als Offizier im Deutsch-Französischen Krieg wandte er sich 1871 als Schüler von Carl Johann Steinhäuser der Bildhauerei zu. Noch im selben Jahr reiste er nach Italien, wo er sich bis 1913 regelmäßig aufhalten sollte. Nach seiner Rückkehr aus Rom nahm er in Stuttgart bei Hans Canon, einem Schüler Ferdinand Georg Waldmüllers, Unterricht im anatomischen Zeichnen. Zurück in Karlsruhe lehrte Volz ab 1878 Modellieren an der Kunstgewerbeschule und war anschließend von 1880 bis zu seiner Emeritierung 1919 Professor für Bildhauerei an der Karlsruher Kunstakademie, der er zudem mehrmals als Direktor vorstand. Schnell entwickelte sich Volz zum gefragtesten Bildhauer des Großherzogtum Badens, der landesweit mit zahlreichen Aufträgen für öffentliche Denkmäler bedacht wurde, wie das Krieger-Denkmal in Hannover (1878), das Geibel-Denkmal in Lübeck (1887-1889) oder die Reiterstatue Kaiser Wilhelm I. in Essen (1898). 1935 fertigte er einen überlebensgroßen Hitler-Kopf an und nahm 1937 und 1938 im hohen Alter von über 90 Jahren an den Großen Deutschen Kunstausstellung teil, wo unter anderem seine Porträtbüste Winifred Wagners, das Werk "Orestes, vor den Furien fliehend" und "Jugend" zu sehen waren. (weniger anzeigen)

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Schütte, Hermann (1893-1973): Weiße Maske auf violettem Grund, 1962

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ARCADIA ART Hermann Schütte (1893 Osnabrück - 1973 Hamburg), Weiße Maske auf violettem Grund. Emaillierte Kupferplatten auf Holzgrund, 37 x 29,5 cm, rechts unten im Brand monogrammiert und datiert "S[chütte] [19]62", rückseitig (von fremder Hand?) mit "Hermann Schütte" bezeichnet, als "Maske" betitelt und mit "1962" datiert. - obere Ecke leicht bestoßen, sonst in sehr gutem Zustand - Mystischer Maskenberg - zum Kunstwerk In seinem Spätwerk hat Hermann Schütte die Emailtechnik (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Hermann Schütte (1893 Osnabrück - 1973 Hamburg), Weiße Maske auf violettem Grund. Emaillierte Kupferplatten auf Holzgrund, 37 x 29,5 cm, rechts unten im Brand monogrammiert und datiert "S[chütte] [19]62", rückseitig (von fremder Hand?) mit "Hermann Schütte" bezeichnet, als "Maske" betitelt und mit "1962" datiert. - obere Ecke leicht bestoßen, sonst in sehr gutem Zustand - Mystischer Maskenberg - zum Kunstwerk In seinem Spätwerk hat Hermann Schütte die Emailtechnik für sein künstlerisches Schaffen entdeckt und damit eine Gattung zwischen Gemälde und Skulptur etabliert, die durch die mauerverbundartige Struktur des Hintergrundes hier zugleich etwas Architektonisches hat. Indem der ,Steinversatz' aber vertikal verläuft, ist die ,Mauer' eine ,surreale Mauer'. Aus eben dieser phantastischen Dimension speist sich die geheimnisvolle Wirkung des Kunstwerks. Der in Preußisch Blau gehaltene Hintergrund weist eine Verwandtschaft mit der unergründlichen Tiefe des Blaus von Yves Klein auf. Durch das beim Brand entstandene ausgeprägte Craquelé gewinnt das Blau zudem eine organische Lebendigkeit. Es hat sich scheinbar von sich aus zusammengezogen. Die dabei entstandenen Risse geben das darunterliegende braunrote Kupfer frei, wodurch dem Blau ein Tiefengrund verliehen wird, auf dem es zu ,schwimmen' scheint. Über dem bewegt lebendigen blauen Grund, der vermittels der steinversatzartigen Struktur dennoch solide erscheint, ist eine bergartige Formation zu sehen, die zwei Augenschlitze und eine Nase aufweist und sich damit - dem Titel entsprechend - als Maske zu erkennen gibt. Diese Maske ist aber keine Maske, die zum Aufsetzen bereitliegen würde, vielmehr führt auch sie ein Eigenleben und steht damit in der Tradition mittelalterlicher Blattmasken, deren prominentesten Beispiel am Postament des Bamberger Reiter (um 1230) zu sehen ist. Wie ein Berg ausgebildet und mit einer eigenen Nase versehen, weist auch die Maske durch die ebenfalls vertikal ausgerichteten und wie gewachsen wirkenden grauen Flächen eine eigene organische Lebendigkeit auf, die von der sandartig gespengelten Struktur der weißen Flächen noch intensiviert wird. Dass die Augenöffnungen schwarz bleiben und damit blind sind, farblich aber dennoch tiefer als das Blau wirken, befördert die geheimnisvolle Dimension dieses rätselhaften Wesens. Die weiße ,Bergmaske' und der blaue Grund schließen sich zu einem Muster-Grund-Verhältnis zusammen, das vom Craquelé ornamental belebt wird. Der an babylonische Fliesen gemahnende, lebendige blaue Grund und die anthropomorphe Bergmaske entfalten eine archaisch-märchenhafte Dimension, die dem Geheimnisvollen ihre Tiefe verleiht und sich zugleich als Oberflächenglanz verbreitet. Mit dem gelben zum Blau in Komplementärkontrast stehenden Monogramm und der Jahreszahl schreibt sich der Künstler selbst in dieses Geheimnis ein. zum Künstler Hermann Schütte wuchs in die Zeit der Avantgarden hinein und meldete sich - wie so viele Künstler - freiwillig zum ersten Weltkrieg, um nach den durchlebten Schrecken als überzeugter Pazifist heimzukehren. Vom literarischen Expressionismus erfasst, schrieb er 1919 das Buch "Mensch! Gott! Ich!", dessen Umschlag der Spiritus rector der Künstlerkolonie Worpswede, Heinrich Vogeler, illustrierte. Nachdem Schütte mit Kurt Schwitters in freundschaftlichen Kontakt getreten war, schuf er Plastiken und Installationen im Geiste der von Schwitters initiierten Dada-Bewegung. Während der Zeit des Nationalsozialismus zog sich Schütte in die innere Emigration zurück, um nach dem zweiten Weltkrieg wieder intensiv künstlerisch tätig zu werden. Seit 1948 nahm Schütte an einer Vielzahl von Ausstellungen teil, u.a. in der Hamburger Kunsthalle, in Oldenburg, Bremen, Worpswede, Witten, Bad Soden, Düsseldorf und Osnabrück. 1967 widmete ihm seine Vaterstadt Osnabrück eine große monographische Ausstellung, auf der 120 seiner Werke eine Übersicht über sein Schaffen vermittelten. (weniger anzeigen)

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Kommunistische Internationale: Die Genossenschaft im Klassenkampf.

Allgemeiner Genossenschaftsverlag, Berlin, R. Schmidt, 1924.

Informations-Bulletin der Kooperativsektion der Kommunistischen Internationale, Moskau. Deutsche Ausgabe. 2. Heft, März 1924, 3./4. Heft Mai/Juni 1924, 11. Heft, März 1925, 14. Heft, September 1925, 15. Heft, Oktober 1925 und 16. heft November 1925.. Je 24-36 Seiten. Original-Broschuren. 6 Hefte.

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Corinth, Lovis (1858-1925): Rudolf von Rittner als Florian Geyer, Radierung von 1924

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ARCADIA ART Lovis Corinth (1858 Tapiau - 1925 Zandvoort), Rudolf von Rittner als Florian Geyer, 1924 (Müller 854), Kaltnadelradierung mit Bleistift signiert. 20,4 × 14,2 (Plattengröße), 37,7 × 30,6 cm (Blattgröße). Herausgegeben von Karl Nierendorf, Berlin. Im Passepartout gerahmt. - Kräftiger, präziser Abdruck. Rahmen leicht berieben und mit zwei kleinen Fehlstellen. zum Werk Der Ritter ist ein Leitmotiv in Lovis Corinths Werk, das in seinem Selbstbildnis im Harnisch aus dem Jahre (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Lovis Corinth (1858 Tapiau - 1925 Zandvoort), Rudolf von Rittner als Florian Geyer, 1924 (Müller 854), Kaltnadelradierung mit Bleistift signiert. 20,4 × 14,2 (Plattengröße), 37,7 × 30,6 cm (Blattgröße). Herausgegeben von Karl Nierendorf, Berlin. Im Passepartout gerahmt. - Kräftiger, präziser Abdruck. Rahmen leicht berieben und mit zwei kleinen Fehlstellen. zum Werk Der Ritter ist ein Leitmotiv in Lovis Corinths Werk, das in seinem Selbstbildnis im Harnisch aus dem Jahre 1914 kulminiert. Unter den Bildern mit dieser Thematik stellt Corinth am häufigsten Florian Geyer dar. Einem fränkischen Adelshaus entstammend setzte er sich in den Bauernkriegen der Reformationszeit zunächst diplomatisch und dann militärisch für die Freiheit der Bauern ein und führte den legendären Schwarzen Haufen an. Der Name leitet sich von den schwarzen Uniformen her, mit denen Geyer die kampfwilligen Bauern eingekleidet hatte. Während der napoleonischen Besatzung wurde der Freiheitskämpfer Florian Geyer von der Romantik besungen und das 1813 von Major von Lützow gegründete Freikorps Die Schwarze Schaar trat die Nachfolge des Schwarzen Haufens an. Vor diesem historischen Hintergrund verfasste Gerhard Hauptmann das Revolutionsdrama Florian Geyer, welches 1896 im Deutschen Theater in Berlin uraufgeführt wurde. Hatte der Schauspieler Rudolf Rittner, der später in den Filmen Fritz Langs mitwirken sollte, zunächst die Rolle des Schäferhans inne, übernahm er bei der abermals unter der Regie von Emil Lessing erfolgten Neuinszenierung im Berliner Lessingtheater 1904 die Hauptrolle, mit der er seinen Ruhm als Schauspieler begründete. Hauptmann selbst äußerte sich lobend über die schauspielerische Leistung. An Hugo von Hofmannsthal schrieb er: "Mit dem Florian Geyer ging es ganz gut. Ich habe jedenfalls die sehr große Freude gehabt das Stück wieder zu sehen in bewunderungswürdiger Darstellung." Und auch Lovis Corinth war derart von Rittners Darbietung angetan, dass er ihn 1906 in der Rolle des Florian Geyer in Öl porträtierte. Nach zwei weiteren grafischen Versionen von 1915 und 1920/21 kommt Corinth ein Jahr vor seinem Tod und knapp zwanzig Jahre nach Anfertigung des Ölbildes wieder auf das Gemälde zurück, um 1924 die vor Augen stehende Grafik zu schaffen. Selbst die bildinterne Bezeichnung wurde übernommen. Dies belegt umso mehr die Relevanz des Ritters und Freiheitskämpfers für Corinths Selbstverständnis. Insbesondere das Ölbild kündet von der zielstrebigen Entschlossenheit bis zum Letzten für die verteidigten Werte zu kämpfen, was sich beim Ölbild in der zerfetzten, aber doch dem Gegner entgegengehaltenen Fahne kundtut. Eine Parallele zu Rainer Maria Rilkes 1899 verfassten Erzählung Der Cornet, in welcher der Protagonist mit der zunächst unter Einsatz seines Lebens geretteten Fahne untergeht. Das Bildnis ist folglich zugleich ein Selbstbildnis und die Ritterrüstung keine akademische Kostümierung oder eine ironische Brechung, sondern Ausdruck von Corinths Sicht auf sich selbst, was zugleich seine Selbstdarstellung als Künstler beinhaltet. Dementsprechend zeigt das Ausstellungsplakat der Secession anlässlich der 1913 stattfindenden Schau seines Lebenswerks Florian Geyer. Auch die Kunst ist ein Kampf, der Wille, durch das Werk immer weiter Boden zugewinnen. In diesem Sinne ist Corinth ein Avantgardist, ohne allerdings zu einer Avantgarde zu gehören. Er ist ein Einzelkämpfer, nicht Mitglied einer Kampfgruppe - Florian Geyer ohne seinen Schwarzen Haufen, ganz auf sich allein gestellt. Dieser Kampf hat für Corinth noch eine eigene schicksalshafte Dimension: Es ist der Kampf mit und gegen den eigenen Körper nach der Lähmung durch den im Jahre 1911 erlittenen Schlaganfall. Und vergleichen wir das vorbildliche Ölbild mit der späten Radierung, etwa die Gestaltung des Kopfes oder auch des linken Armes, wirkt der Duktus selbst wie ein Kampfesgeschehen, aus dem heraus sich der Ritter manifestiert. [...] (weniger anzeigen)

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Klee, Paul: Nach oben / Vers le haut. Gravure offset de Paul Klee triée par l'imprimerie du Lion à Paris. Exemplaire No. 233 (= collection Correspondances No. 7)

Editions des Nouvelles Images a Lombreuil S.P.A.D.E.M, Loiret, 1969.

4° (325 x 250 mm), Mappe mit Grafik und eingelegtem Gedicht - Deckblatt und Gedicht mit minimaler Knickspur, Grafik in sehr gutem Zustand

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Schiller, Friedrich (Hrsg.): Allgemeine Sammlung Historischer Memoires vom zwoelften Jahrhundert bis auf die neuesten Zeiten durch mehrere Verfasser uebersetzt, mit den noethigen Anmerkungen versehen, und jedesmal mit einer universalhistorischen Uebersicht begleitet.

Johann Michael Mauke, Jena, 0.

Herausgegeben von Friedrich Schiller. Sieben Bände: 2. Abteilung,10., 12., 13., 22., 24., 25., 26. Band. 1792-1803, geb. Pappeinbde. d. Zeit. - Einbände etwas berieben und bestoßen, sonst gute Exemplare

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Anonymus: Manuskript mit Arzneimittelrezepten. 1789-1826

, 0.

kl 8°, geb. Pappeinbd., 110 eng beschriebene Seiten u. 5 Bl. Indes - Einband stark berieben, Rücken schadhaft, innen in sauberem Zustand. Rares Dokument über Jahrzehnte gesammelter medizinischer Rezepturen.

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Moest, Josef: Josef Moest (1873-1914), Kreuzritter mit Schild und Streitkolben, um 1910

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Josef Moest (1873 Köln - 1914 Rath), Kreuzritter mit Schild und Streitkolben, um 1910. Bronze auf schwarzem Marmorpostament (19 cm Höhe). 57,5 cm (Gesamthöhe) x 21 cm (Breite) x 12 cm (Tiefe), Gewicht 24,8 kg. Ritzsignatur "MOEST." auf der Rückseite des Sockels. - vereinzelt leicht betrieben, Sockel minimal bestoßen, ansonsten ausgezeichnet erhalten - Zum Hieb bereit - Der Kreuzritter blickt über das erhobene Schild hinweg entschlossen dem Feind entgegen, während der sichere Stand (mehr anzeigen)

Josef Moest (1873 Köln - 1914 Rath), Kreuzritter mit Schild und Streitkolben, um 1910. Bronze auf schwarzem Marmorpostament (19 cm Höhe). 57,5 cm (Gesamthöhe) x 21 cm (Breite) x 12 cm (Tiefe), Gewicht 24,8 kg. Ritzsignatur "MOEST." auf der Rückseite des Sockels. - vereinzelt leicht betrieben, Sockel minimal bestoßen, ansonsten ausgezeichnet erhalten - Zum Hieb bereit - Der Kreuzritter blickt über das erhobene Schild hinweg entschlossen dem Feind entgegen, während der sichere Stand davon kündet, keinen Deut zurückzuweichen und das Terrain mit dem festumschlossenen Streitkolben zu verteidigen. Die an der linken Schulter etwas lädierte Rüstung zeugt von bereits ausgefochtenen Schlachten. Die Körperhaltung ist aber nicht allein ein sicherer Stand, sie ist zugleich ein anvisierendes Zurückweichen, das in eine Ausholbewegung übergeht. Die bereits angespannte Muskulatur zeichnet sich auf meisterhafte Weise unter dem Kettenhemd ab und antizipiert den kraftvollen Schlag. Durch diese Dynamisierung der Figur gelingt es Josef Moest, das Kampfestgeschehen anhand der Einzelfigur zur Darstellung zu bringen, ohne den Kampf als solchen zu veranschaulichen. Dabei wird der Eindruck einer über die historische Distanz hinweg gegebenen Präsenz des Kreuzritters durch die äußerst realistisch ausgearbeiteten Details verstärkt. Das feinmaschige Kettenhemd vermittelt ebenso überzeugend wie die Lederriemen den Eindruck ihrer eigentlichen materiellen Beschaffenheit. Die Positionierung auf dem hohen Postament verleiht der Figur etwas Denkmalhaftes, wodurch die dargestellte innere Haltung einen moralischen Impetus erhält. zum Künstler Als Sohn des Kölner Bildhauers, Restaurators und Sammlers mittelalterlicher Skulpturen, Richard Moest, war Josef Moest das Interesse für Bildhauerei in die Wiege gelegt. Nach einer Ausbildung bei dem Dombildhauer Peter Fuchs studierte er von 1897 bis 1902 bei Syrius Eberle Bildhauerei an der Münchener Akademie. Anschließend eröffnete Moest ein eigenes Atelier. Schnell machte er sich als Bildhauer einen Namen. Er schuf qualitätvolle Salonplastiken und war an zahlreichen Kirchenausstattungen beteiligt. 1904 war er Mitbegründer der Kölner Künstlervereinigung "Stil". 1908 nahm er an der Ausstellung im Münchner Glaspalast teil und 1909 an der Großen Kunstausstellung der Düsseldorfer Akademie. An Tuberkulose leidend, entwarf Moest 1912, mit gerade einmal 39 Jahren, eine Pietà für sein eigenes Grab, bevor er zwei Jahre später verstarb. (weniger anzeigen)

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Mordstein Karl (1937-2006): Aus dem Totenbuch einer Stadt (IV), 1983

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ARCADIA ART Karl Ludwig Mordstein (1937 Füssen - 2006 Wilszhofen), Aus dem Totenbuch einer Stadt (IV), 1983. Farbradierung, Exemplar 16/60, 15,5 x 18,5 cm (Darstellung), 30 x 35 cm (Blattgröße), 33,5 x 38,5 cm (Rahmen), in Blei betitelt, nummeriert, monogrammiert und datiert. Hinter Glas gerahmt. - in sehr gutem Erhaltungszustand - Die Präsenz des Untergegangenen - zum Kunstwerk Die mehrfarbige Aquatintaradierung trägt den poetischen Titel "Aus dem Totenbuch einer Stadt (IV)". Die (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Karl Ludwig Mordstein (1937 Füssen - 2006 Wilszhofen), Aus dem Totenbuch einer Stadt (IV), 1983. Farbradierung, Exemplar 16/60, 15,5 x 18,5 cm (Darstellung), 30 x 35 cm (Blattgröße), 33,5 x 38,5 cm (Rahmen), in Blei betitelt, nummeriert, monogrammiert und datiert. Hinter Glas gerahmt. - in sehr gutem Erhaltungszustand - Die Präsenz des Untergegangenen - zum Kunstwerk Die mehrfarbige Aquatintaradierung trägt den poetischen Titel "Aus dem Totenbuch einer Stadt (IV)". Die Angabe, es handele sich um ein Buch im Verbund mit der römischen Ziffer suggeriert, das Bild wäre Teil einer Erzählung, deren viertes Kapitel hier vor Augen stünde. Damit ist die untergegangene Stadt nicht ausradiert, sondern weiterhin an ihrem Ort präsent und bildet - wie die Nummerierung markiert - verschiedene Stadien aus, auch wenn die Stadt als solche gar nicht mehr sichtbar ist. Diese geheimnisvolle Präsenz im Nicht-Sichtbaren hat Karl Mordstein auf eindringliche Weise erfahrbar gemacht. Bereits die braun-grün-gelbtonale Farbigkeit entfaltet eine intensive Suggestivkraft. Die gelben Hügel des Hintergrundes wirken wie eine Wüstenlandschaft, die verdeutlicht, dass es sich um eine unwirtliche Region handelt, wobei der Wüstensand jedoch etwas unter sich bergen mag. Der dominierende Vordergrund veranschaulicht auf abstrakte Weise einen wie wildes Dickicht wirkenden Baumbewuchs, der durch die dunkle Tonalität schier undurchdringlich zu sein scheint. Über diesen Bereich ist eine filigrane Gitterstruktur gelegt, die etwas Architektonisches hat und die untergegangene Stadt präsent werden lässt. Die fluktuierenden Strichfragmente des Himmels, die ebenso bewegt sind wie das dramatisch wogende Dickicht, lassen hingegen den Untergang präsent werden. Das in sich bewegte Kapitel des Totenbuchs einer Stadt entfaltet durch den Farbakkord dennoch eine gravitätische Ruhe, die den Betrachter animiert, sich in das Bild hinein zu versenken. zum Künstler Karl Mordstein absolvierte die Werkkunstschule Augsburg und war zunächst in München als Gebrauchsgraphiker tätig, bevor er sich als freier Künstler ganz auf seine eigenen Schöpfungen konzentrierte. 1970 ehelichte Mordstein die Bildhauerin Sinen Thalheimer und das Künstlerpaar zog nach Starnberg. 1972 fand in München eine erste Einzelausstellung seiner Werke statt, die den Auftakt einer über Jahrzehnte währenden regen internationalen Ausstellungstätigkeit markierte. Ab 1987 lebte das Paar auf dem Hollerberg in Wilzhofen. "Es ist gewiss nicht falsch, in der Anmutung seiner ruhig schwebenden Farbzeichnungen den Ausdruck einer Geisteshaltung zu erkennen, die sich gerade dieser bewussten Abkehr vom hektischen Kunstmarktgeschehen verdankt: konzentrierte Gelassenheit. Nicht wechselnde Befindlichkeit, sondern die Einfühlung in überindividuelle Schöpfungsrhythmen, die immerwährende Genesis im natürlichen Kreislauf von Werden und Vergehen drückt sich darin aus." - Stefan Tolksdorf Auswahlbibliographie Karl Mordstein. Aquarelle, Gouachen 1972 - 1975, Galerie Angst und Orny, München 1975. Juliane Roh: Karl Mordstein. Bilder, Paintings 1976 - 79, Frankfurt a. M. 1979. Siegfried Salzmann (Text): Karl Mordstein. Arbeiten auf Papier, Galerie Dorothea van der Koelen, Mainz 1982. Galerie Heimeshoff (Hrsg.): Karl Mordstein. "Seelen-Notate"; Bilder, Arbeiten auf Papier, Bildkästen; 1985 - 1988, Essen 1988. Stefan Tolksdorf (Text): Lebenszeichen. Mordstein, Karl und Sinen Thalheimer, Essen 2009. (weniger anzeigen)

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La Sainte Bible. Nouvelle Edition

Chez Th. Desoer, Paris, 1819.

gr 8°, Ganzledereinbd. m. umlaufendem Goldschnitt, 883 S. - Einband berieben, Rücken etwas schadhaft, leicht stockfleckig, Innendeckel fixiert

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Hantzsch, Prof. Dr. [Arthur Rudolf]: Vorlesungsmanuskript. Anorganische Chemie. Winter-Semester 1916/17, 1919/1920 und Organische Chemie. Sommer-Semester 1917 u. 1919. Aufgezeichnet von Maximilian Rost

, 1919.

8°, in anderen Lwd. gebunden, 381 S. - gutes Exemplar. - Möglicherweise die einzige überlieferte Vorlesungsmitschrift der nicht publizierten Vorlesungen des bedeutenden Chemikers, nach dem das Hantzsch-Widman-Systems zur Beschreibung heterocyclischer chemischer Verbindungen mitbenannt worden ist.

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Heinemann, Fritz: Fritz Heinemann (1864-1932), Junger Römer, 1892

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Feldmann, Wilhelm: Wilhelm Feldmann (1859-1932), Impressionistische Herbstlandschaft mit See, um 1905

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Rancoulet, Ernest: Ernest Rancoulet (1842-1918), Allegorie des Fortschritts, um 1890

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Robie, Jean-Baptiste (1821-1910): Stillleben mit Wiesenblumen

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Volney, Constantin François: Oeuvres complètes de C.F. Volney. Mises en ordre et précédées de la vie de l'auteur. 8 volumes (complete)

Bossange, Paris, 1821.

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Plé, Henri Honoré: Henri Honoré Plé (1853-1922), Der siegreiche David, um 1890

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Bengel, Ernst Gottlieb: Archiv für die Theologie und ihre neuste Literatur. Herausgegeben von Ernst Gottlieb Bengel. - Bände 1-8 in 11 Teilbänden. Insgesamt 11 Teilbände. Band 2.3 fehlend.

Christian Friedrich Osiander 1816, Tübingen, 1826.

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Laurent, Eugène: Eugène Laurent (1832-1898), Jeanne d'Arc, um 1880

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Uechtritz, Friedrich von: Eleazar. Eine Erzählung aus der Zeit des grossen judischen Krieges im ersten Jahrhunderte nach Christo. Drei Bände in einem

Hermann Costenoble, Jena, 1867.

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Volz, Hermann: Hermann Volz (1847-1914), Nackter Krieger mit Kurzschwert, um 1935

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Schütte, Hermann (1893-1973): Weiße Maske auf violettem Grund, 1962

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Kommunistische Internationale: Die Genossenschaft im Klassenkampf.

Allgemeiner Genossenschaftsverlag, Berlin, R. Schmidt, 1924.

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Corinth, Lovis (1858-1925): Rudolf von Rittner als Florian Geyer, Radierung von 1924

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Klee, Paul: Nach oben / Vers le haut. Gravure offset de Paul Klee triée par l'imprimerie du Lion à Paris. Exemplaire No. 233 (= collection Correspondances No. 7)

Editions des Nouvelles Images a Lombreuil S.P.A.D.E.M, Loiret, 1969.

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Schiller, Friedrich (Hrsg.): Allgemeine Sammlung Historischer Memoires vom zwoelften Jahrhundert bis auf die neuesten Zeiten durch mehrere Verfasser uebersetzt, mit den noethigen Anmerkungen versehen, und jedesmal mit einer universalhistorischen Uebersicht begleitet.

Johann Michael Mauke, Jena, 0.

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Anonymus: Manuskript mit Arzneimittelrezepten. 1789-1826

, 0.

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Moest, Josef: Josef Moest (1873-1914), Kreuzritter mit Schild und Streitkolben, um 1910

, 0.

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Mordstein Karl (1937-2006): Aus dem Totenbuch einer Stadt (IV), 1983

, 0.

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La Sainte Bible. Nouvelle Edition

Chez Th. Desoer, Paris, 1819.

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Hantzsch, Prof. Dr. [Arthur Rudolf]: Vorlesungsmanuskript. Anorganische Chemie. Winter-Semester 1916/17, 1919/1920 und Organische Chemie. Sommer-Semester 1917 u. 1919. Aufgezeichnet von Maximilian Rost

, 1919.

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