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Krauss, Friedrich S. (Hrsg.): Die eheliche Ethik der Juden zur Zeit Jesu. Beitrag zur zeigeschichtlichen Beleuchtung der Aussprüche des Neuen Testamentes in sexuellen Fragen. Von Hjalmar J. Nordin. Nach der Schwedischen Handschrift verdeutscht v. W. A. Kastner u. Gustav Lewié.

Ethnologischer Verlag, Leipzig, 1911.

- Das Geschlechtleben des deutschen Volkes in der Gegenwart. Folkloristische Studien und Erhebungen v. Otto Stückrath, Friedrich Erich Schnabel u.a.. 4to. XII, 322 S., 4 Bl. OPp. m. Deckeltitel.

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Koch, Eduard Emil: Geschichte des Kirchenlieds und Kirchengesangs der christlichen, insbesondere der deutschen evangelischen Kirche. Erster Hauptteil. Die Dichter und Sänger. Zweiter Hauptteil. Die Lieder und Weisen.

Zweite, verbesserte und durchaus vermehrte Auflage.
Druck und Verlag der Chr. Belser'schen Buchhandlung, Stuttgart, 1852.

Ca. 20,5 x 13 cm. XX Seiten, 400 Seiten; X Seiten, 511 Seiten; XII Seiten, 494 Seiten; VIII Seiten, 847 Seiten. Pappbände der Zeit. 4 Bände.

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Rágóczy, Joachim: Mitmachen kann ich da nicht Malerbriefe 1928 bis 1939 an seine Frau Irma. Gisela Mott-Dreizler hat das Buch nach den Originalvorlagen koloriert und signiert. Exemplar Nr. 23 (= 103. Veröffentlichung der Mariannenpresse)

Edition Mariannenpresse Berlin, 2000.

2°, Halblwd. 37 S. m. handkolorierten Abbildungen u. 4 Original-Holzschnitten - vorderder Einbanddeckel mit kleiner Kratzspur, innen sehr gutes Exemplar

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Chronique de Paris. - [Pariser Tageszeitung von 1793 - 222 Nummern]. -

Paris, 1793.

222 Nummern, meist lose, 27,5 x 21,5 cm/24 x 19,5 cm.

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Meyer, Dr. Julius: Authentische Mittheilungen über Caspar Hauser. Mit Genehmigung des k. bayer. Staatsministeriums der Justiz und des Innern zum ersten Male aus den Gerichts- u. Administrations-Acten zusammengestellt und mit Anmerkungen versehen. Erstausg.

Verlag von Fr. Seybold, Ansbach, 1872.

XII, 611 S., 8°, Priv. Halbleinen d. Zt. mit handschrftl. Rückenschild

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Morland, George: George Morland (1763-1804), Aufziehendes Gewitter, 1794

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ARCADIA ART George Morland (1763 London - 1804 Brighton). Aufziehendes Gewitter. Öl auf Leinwand, doubliert, 37,5 x 29,5 cm (Innenmaß), 53,5 x 45,5 cm (Rahmen), links unten signiert und datiert "G. Morland pinxt. 1794". - Vom Blitz illuminierte romantische Landschaft mit knorriger Baumruine - Vor einem Unwetter schutzsuchend haben sich zwei Bauern an den Rand eines Gehölzes zurückgezogen. Über ihnen wird der schwarz verhangene Himmel von einem hell gleißenden Blitz durchzuckt. Die (mehr anzeigen)

ARCADIA ART George Morland (1763 London - 1804 Brighton). Aufziehendes Gewitter. Öl auf Leinwand, doubliert, 37,5 x 29,5 cm (Innenmaß), 53,5 x 45,5 cm (Rahmen), links unten signiert und datiert "G. Morland pinxt. 1794". - Vom Blitz illuminierte romantische Landschaft mit knorriger Baumruine - Vor einem Unwetter schutzsuchend haben sich zwei Bauern an den Rand eines Gehölzes zurückgezogen. Über ihnen wird der schwarz verhangene Himmel von einem hell gleißenden Blitz durchzuckt. Die Szenerie ist bis in die Haare der Bauern hinein sturmbewegt. Den mächtigen ruinösen Baum, in welchen sich die stehende Bauernfigur hinein verlängert, meint man förmlich knarren und knacken zu hören. Die ganze Landschaft strebt in die Richtung, in welche die beiden Bauern - von sicherer Warte aus - gebannt blicken. Um das Tosen der entfesselten Naturgewalten noch zu unterstreichen, hat der liegende, in die Böschung eingefügte Bauer beruhigend die Hand erhoben. Jeweils auf ihre Weise in die Landschaft integriert, sind die beiden Bauern Teil der Natur, die sie mit ihren Instrumenten kultivieren. Zugleich aber auch stumme Zeugen jener nicht zu domestizierenden Kräfte, die die Natur selbst zum Aufstöhnen zu bringen scheint, wie es der sturmgepeitschte knorrige Baum eindrucksvoll vor Augen führt. Trotz der entfesselten Naturgewalten ist der betrachtende Mensch dennoch der eigentliche Protagonist des Bildes, dessen Sonderstellung zusätzlich durch das den Blick bindende Rot des Untergewandes des liegenden Bauern herausgestellt wird. George Morland greift hier die älteren Bildkonzepte der Pastorle und der Pittoreske auf, um sie auf meisterhafte Weise für das Erhabene zu öffnen, womit er - kurz vor der Jahrhundertwende - der traditionellen Bildsprache neue, die Romantik bestimmende Inhalte erschließt. zum Künstler George Morland wurde durch seinen Vater, der ebenfalls Maler war, bereits im Kindesalter zum Zeichnen und Kopieren angehalten. Das außergewöhnliche Talent des Sohnes führte dazu, dass er 1773 - im Alter von nur zehn Jahren - in der jährlichen Schau der Royal Academy ausstellte. Nach Beendigung der Lehre bei seinem Vater reiste Morland 1785 nach Calais und St-Omer, wo er sentimentale Genreszenen in der Art von Louis-Léopold Boilly malte. 1786 heiratete er Anne, die Schwester des Malers und Kupferstechers William Ward, der 97 von Morlands Bildern druckgrafisch umsetzte. Insbesondere durch seine moralischen Bilderfolgen in der Tradition von William Hogarth, wie "Laetitia" (Entführung und Fall eines Mädchens, 6 Bilder, gestochen von J. R. Smith) und "Der Deserteur" (4 Bilder, gestochen von G. Keating) erlangte Morland schnell große Beliebtheit, geriet durch eine ausufernde Lebensführung jedoch in Schulden. Er musste sich vor seinen Gläubigern auf das Land zurückziehen, was ab den 1790er Jahren zu einer Konzentration auf Darstellungen ländlicher Szenen führte, die zu den Höhepunkten seines Schaffens zählen. 1799 hielt er sich - abermals verschuldet - auf der Insel Wight verborgen, wo er Strand-, Fischer- und Schmugglerdarstellungen malte. Nach London zurückgekehrt, kam er ins Schuldgefängnis und verstarb dort. Morland war eng mit dem Maler William Armfield Hobday (1771-1831) befreundet, der Morland porträtierte. William Collins war sein inoffizieller Schüler, der später Morlands Biografie verfasst hat. (weniger anzeigen)

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Pankok, Bernhard (1872-1943): General Wilhelm von Blume, 1915

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ARCADIA ART Bernhard Pankok (1872 Münster - 1943 Baierbrunn), General Wilhelm von Blume, 1915, Aquatintaradierung, 34 x 29,5 cm (Blattgröße), 26 x 22 cm (Plattengröße), links oben in der Platte, rechts unten in Blei signiert und unten links in Blei datiert. - links unten alter Sammlungsstempel, am rechten breiten Rand mit kleinem Fleck, sonst in sehr gutem Zustand zum Kunstwerk Die 1915 entstandene Aquatintaradierung des Generals Wilhelm von Blume geht auf ein Ölbild aus dem Jahre (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Bernhard Pankok (1872 Münster - 1943 Baierbrunn), General Wilhelm von Blume, 1915, Aquatintaradierung, 34 x 29,5 cm (Blattgröße), 26 x 22 cm (Plattengröße), links oben in der Platte, rechts unten in Blei signiert und unten links in Blei datiert. - links unten alter Sammlungsstempel, am rechten breiten Rand mit kleinem Fleck, sonst in sehr gutem Zustand zum Kunstwerk Die 1915 entstandene Aquatintaradierung des Generals Wilhelm von Blume geht auf ein Ölbild aus dem Jahre 1912 zurück, das sich m LWL Museum für Kunst und Kultur Münster befindet. Ein zweites Porträt des Generals in Öl aus der Hand Pankoks gehört der Staatsgalerie Stuttgart. Als Pankok 1912 das vorbildliche Ölporträt geschaffen hatte, befand sich der General bereits 16 Jahre im Ruhestand. Es handelt sich folglich um ein retrospektives Porträt. Dementsprechend ist die Ausrichtung des Kopfes so gewählt, dass er sowohl auf dem Ölbild als auch der Radierung zurückblickt. Ohne etwas Konkretes zu fixierten, sieht er sinnierend nach innen und hält Rückschau auf sein Leben. Uniformiert und hoch dotiert dargestellt, ist es vor allem sein militärisches Wirken, das er aufmerksam und - wie sein Blick verrät - durchaus kritisch Revue passieren lässt. Pankok hat Wilhelm von Blume die Summe seiner Erfahrungen förmlich ins Gesicht geschrieben: Die Physiognomie bildet eine regelrechte Landschaft aus Faltungen, Furchen, Erhebungen und Schluchten, was vor dem flächenförmigen Hintergrund umso mehr zur Geltung kommt. Es wird deutlich, dass jeder der Orden auch durch Leid errungen worden ist. Aufgrund der die Bildgrenzen sprengende Darstellung wirkt seine Büste jedoch wie ein unerschütterliches Massiv, was dem General einen stoischen Zug verleiht. Dass Pankok die Gestaltung des Porträts wichtig war, zeigt sich allein schon an den verschiedenen Zuständen, wobei es sich bei dem vorliegenden Blatt um die dritte, wohl finale Überarbeitung handelt, die Pankok tagesgenau auf den 18.2.1915 datiert. Im Vergleich zum Zustand davor weist der dort helle Hintergrund nun einen dunklen Bereich auf, vor dem sich das Antlitz des Dargestellten abhebt, wobei sich der dunkle Fond seinerseits mit der Uniform verbindet und dadurch eine neue Spannung ins Bild setzt. Pankoks Aufgreifen seines Porträts des hochrangigen Militärveteranen und dessen druckgrafische Vervielfältigung ist auch vor dem Hintergrund des inzwischen ausgebrochenen Ersten Weltkrieges zu sehen. Kriegshandlungen mit all ihren Leidensgeschichten waren wieder an der Tagesordnung, wobei Wilhelm von Blumes Kriegsführung und seine militärischen Schriften angesichts der modernen Massenvernichtungswaffen Relikte aus einer untergegangenen werteorientierteren Zeit sind. (weniger anzeigen)

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Vezin, Frederick (1859-1933): Herbstlandschaft im Sonnenlicht, 1905

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ARCADIA ART Frederick Vezin (1859 Torresdale Philadelphia - 1933 Düsseldorf), Herbstlandschaft im Sonnenlicht, Öl auf Leinwand, auf Karton kaschiert, 32 x 41 cm (Innenmaß), 44 x 51 cm (Rahmen), unten rechts mit "F. Vezin. [19]05" signiert und datiert. Karton leicht gewölbt, kleine unauffällige Retusche mittig an der Oberkante des Bildes. zum Werk Das Gemälde wirkt zwar skizzenhaft, ist - wie die Signatur rechts unten belegt - von Frederick Vezin aber dennoch als vollendeten Kunstwerk (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Frederick Vezin (1859 Torresdale Philadelphia - 1933 Düsseldorf), Herbstlandschaft im Sonnenlicht, Öl auf Leinwand, auf Karton kaschiert, 32 x 41 cm (Innenmaß), 44 x 51 cm (Rahmen), unten rechts mit "F. Vezin. [19]05" signiert und datiert. Karton leicht gewölbt, kleine unauffällige Retusche mittig an der Oberkante des Bildes. zum Werk Das Gemälde wirkt zwar skizzenhaft, ist - wie die Signatur rechts unten belegt - von Frederick Vezin aber dennoch als vollendeten Kunstwerk verstanden worden. Und gerade das Skizzenmäßige führt zum Verständnis des sicherlich in der Landschaft selbst entstandenen Bildes: Die Naturphänomene sollen im Augenblick ihrer Beobachtung künstlerisch zur Darstellung gebracht werden. Dies geschieht nicht, indem die Natur akribisch abgezeichnet wird, sondern - und hier folgt Vezin der Lehre des Französischen Impressionismus - indem die Natur in ihrer visuellen Fülle zur Veranschaulichung kommt. Das Auge des Künstlers taucht gleichsam in die Visualität der Natur ein, die durch seine Hand bildlich manifest wird. Daher ist das Gemälde kein Abglanz der Landschaft, sondern ihre künstlerische Intensivierung. Zur Intensivierung gehört auch, dass sich der Bildvordergrund - dem Sehfeld entsprechend - einer detailorientieren nahsichtigen Betrachtung entzieht. Stattdessen bewirkt die spachtelartig aufgetragene Farbe, die in ihrer vertikalen Struktur der Struktur des floralen Bewuchses entspricht, dass die Natur in ihrer farblichen Substanz haptisch erfahrbar wird. Zugleich schafft der in seiner konkreten Gegenständlichkeit unbestimmt bleibende Vordergrund einen atmosphärischen Raum, welcher sich mit dem eigentlichen Protagonisten des Bildes, der in Rot- und Brauntönen aufflammenden Baumgruppe, verbindet. Auch hier sind die Blätter mehr getupft als klar konturiert. Eben diese ,Skizzenhaftigkeit' eröffnet eine Seherfahrung, die die Landschaft in ihrer visuellen Fülle zugänglich werden lässt und dadurch ihr Wesen erschließt. Über diese Fülle hinaus wird die Landschaft als Ordnungsfüge aufgezeigt, indem die Komposition des Bildes die Komposition der Landschaft sichtbar werden lässt. So bildet die Baumgruppe einen deutlichen dunkelgrünen Schattenwurf, der sich in den Schattenwürfen der Bäume dahinter wiederholt. Es entsteht eine musterförmig bestimmte diagonale Achse ins Bild hinein, die von der Landschaft selbst so komponiert worden ist. Genau besehen ist diese Landschaft eine Kulturlandschaft: Im unteren Bereich durchläuft ein Zaun, im oberen ein niedriger Steinwall von links nach rechts das Bild - zwei ebenfalls stark kompositorisch wirkenden Elemente. Und auf Kuppe des Hügels ist als hellste Fläche im Bild ein Steinhaus in die Landschaft eingebettet. Natur und Kultur gehen hier eine harmonische Synthese ein, wodurch das Gemälde einen arkadischen Zug bekommt. Um der Landschaft möglichst viel Raum zu geben, ist die Horizontlinie hochgezogen und dennoch kommt auch der Gestaltung des Himmels eine entscheidende Bedeutung zu. Die sich mit den Formen der Bäume verbindenden Wolken durchziehen einen strahlend blauen Himmel. Für den europäischen Blick evoziert ein solcher Himmel eine Sommerlandschaft. Entsprechend ist der blaue Himmel innerhalb von Jahreszeitenzyklen für den Sommer reserviert und auch der Französische Impressionismus ist vor allem eine Ode an den Sommer. Auf dem Gemälde von Vezin steht der gleißend blaue Himmel jedoch über einer Herbstlandschaft, deren Bäume teilweise sogar schon entlaubt sind. Daher ist davon auszugehen, dass das Bild nicht in Europa, sondern den USA entstanden ist und den sprichwörtlich gewordenen Indian Summer veranschaulicht, was Frederick Vezin zu einem Pionier der amerikanischen Landschaftsmalerei macht. (weniger anzeigen)

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Heinemann, Fritz: Fritz Heinemann (1864-1932), Junger Römer, 1892

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ARCADIA ART Fritz Heinemann (1864 Altena - 1932 Berlin), Junger Römer, 1892. Bräunlich patinierte Bronze auf gegossener runder Plinthe, montiert auf rotem Marmorsockel (8,5 cm Höhe), Gesamthöhe 36 cm, Maße der Bronze 27,5 cm (Höhe) x 9 cm (Länge) x 8 cm (Breite), Gewicht 3,3 kg. Auf der Plinthe mit "Fritz Heinemann" signiert, mit "Roma." ortsbezeichnet und mit der Gießereimarke "Akt. Ges. vorm. H. Gladenbeck & Sohn" versehen. - Bronze in tadellosem Zustand, Plinthe des Marmorsockels an (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Fritz Heinemann (1864 Altena - 1932 Berlin), Junger Römer, 1892. Bräunlich patinierte Bronze auf gegossener runder Plinthe, montiert auf rotem Marmorsockel (8,5 cm Höhe), Gesamthöhe 36 cm, Maße der Bronze 27,5 cm (Höhe) x 9 cm (Länge) x 8 cm (Breite), Gewicht 3,3 kg. Auf der Plinthe mit "Fritz Heinemann" signiert, mit "Roma." ortsbezeichnet und mit der Gießereimarke "Akt. Ges. vorm. H. Gladenbeck & Sohn" versehen. - Bronze in tadellosem Zustand, Plinthe des Marmorsockels an zwei Ecken bestoßen und mit vereinzelten Kratzspuren. - Jugendliche Sprezzatura - Bis ins späte 19. Jahrhundert war Rom das Mekka der deutschen Künstler, das allerdings zusehends von Paris abgelöst werden sollte. Insbesondere mit den Nazarenern, zu denen Peter von Cornelius, Friedrich Wilhelm Schadow, Friedrich Overbeck, Julius Schnorr von Carolsfeld und Joseph Anton Koch gehörten, wurde ab den 1820er Jahre die Pilgereise nach Rom für angehende deutsche Künstler geradewegs verpflichtend. Bald war gar von ,Deutschrömern' die Rede, die auch institutionell in Rom ansässig wurden. 1845 wurde der bis 1915 bestehende Deutsche Künstlerverein gegründet und 1913 die noch heute dort ansässige Deutsche Akademie in der Villa Massimo eröffnet. Nachdem sich Fritz Heinemann 1891 in Paris aufgehalten hatte, zog es im Folgejahr auch ihn nach Rom. Dort entwarf er die vor Augen stehende Statuette eines jungen Römers, die er stolz mit "Roma" ortbezeichnet. Ebenfalls ins 19. Jahrhundert fällt die zunehmende künstlerische Entdeckung des ,Volkes'. Statt eines Davids, in dessen künstlerischer Tradition der Dargestellte steht, sehen wir einen jungen Mann, wie ihn der Künstler auf der Straße hätte treffen können. Dieser vollführt auch keine heroische Handlung oder verweist zumindest auf eine Heldentat, wie dies bei David der Fall ist. Dennoch wirkt er willensstark und entschlossen, obwohl er die Jacke leger über die Schulter gehängt hat und in einem beinahe lässigen Kontrapost dasteht. Dafür sind seine Arme überkreuzt und der zur Seite gerichtete Blick geradewegs entschlossen. Trotz seiner insgesamt gelassenen Haltung ist das jugendliche Feuer zu verspüren, wobei er selbst noch nicht abzusehen vermag, wohin es ihn im Leben treiben wird. Ist das Gesicht idealisiert ausgeformt, um den italienischen jungen Mann schlechthin zur Darstellung zu bringen, so ist die vielschichtige Kleidung umso realistischer veranschaulicht. Jedes Detail ist auf meisterhafte Weise minutiös herausgearbeitet. Die übergeworfene Jacke ist ein wahres Virtuosenstück. Gerade die Könnerschaft bringt den wie hingeworfenen wirkenden natürlichen Eindruck hervor. Dafür hat die italienische Kunsttheorie den Begriff 'Sprezzatura' geprägt, die Heinemann hier ganz offensichtlich unter Beweis stellen wollte und die den Künstler so wie den dargestellten jungen Mann erscheinen lässt. zum Künstler Nach dem Besuch der Nürnberger Kunstgewerbeschule (1883-85) nahm Fritz Heinemann das Studium an der Berliner Kunstakademie auf, wo er bis 1889 von Albert Wolff, Fritz Schaper und Gerhard Janensch unterrichtet wurde. Der Ankauf seines auf der Berliner Internationalen Kunstausstellung von 1892 gezeigten Werks "Mutter und Kind" durch Prinz Albrecht von Preußen für Schloss Camenz war der Auftakt für künftige Staatsaufträge und ließ Heinemann auch in bürgerlichen Kreisen zum gefragten Künstler werden. Er unternahm Studienreisen nach Paris (1891) und Rom (1892). Für seine Gruppe "Heimkehr vom Felde" erhielt Heinemann 1897 in Berlin die goldene Medaille. 1899 wurde er zum Prof. für Bildhauerei an die Unterrichtsanstalt des Königlichen Kunstgewebemuseums berufen, wo bis 1905 lehrte. 1906 unternahm er eine weitere Studienreise nach Paris. Zurück in Berlin folgten produktive Jahre, in denen er seine Werke auf den Großen Berliner Kunstausstellungen, im Münchner Glaspalast und auf den Großen Kunstausstellungen in Düsseldorf und Dresden präsentierte. Auch Kaiser Wilhelm II. gehörte zu seinen Kunden. (weniger anzeigen)

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Feldmann, Wilhelm: Wilhelm Feldmann (1859-1932), Impressionistische Herbstlandschaft mit See, um 1905

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Wilhelm Feldmann (1859 Lüneburg - 1932 Lübeck), Impressionistische Herbstlandschaft mit See, um 1905. Pastell auf Malkarton, 46 cm x 31 cm (Innenmaß), 52 cm x 37 cm (Rahmen), links unten mit "Wilh.[elm] Feldmann." signiert. Hinter Glas gerahmt. - in gutem Gesamtzustand - Diffuse Konkretion - Wilhelm Feldmann stellt die Herbstlandschaft als atmosphärischen Farbeindruck dar, aus dem sich die Natur heraus konkretisiert. Die kahlen Äste im Bildmittelgrund wirken beinahe konturenscharf und (mehr anzeigen)

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Rancoulet, Ernest: Ernest Rancoulet (1842-1918), Allegorie des Fortschritts, um 1890

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Ernest Rancoulet (1842-1918), Allegorie des Fortschritts, um 1890. Bronzierter Metallguss mit gegossener Terrainplinthe auf Holzsockel (6 cm Höhe) montiert. 64,5 cm (Gesamthöhe) x 28 cm (Breite) x 18 cm (Tiefe), Gewicht 7,2 kg. Der männliche Genius hält ein Blatt mit dem Schriftzug "Les écrits", der weibliche Genius die Inschrift "L'enseignement anime la jeunesse aux nouvelles découvertes". Auf der Plinthe liegt eine Schriftrolle mit den Worten "Le Genie du Progres". Rückseitig mit (mehr anzeigen)

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Robie, Jean-Baptiste (1821-1910): Stillleben mit Wiesenblumen

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Jean-Baptiste Robie (1821 Brüsel - 1910 ebd.). Stillleben mit Wiesenblumen. Öl auf Holz, 24,5 x 18,5 cm (Innenmaß), 37 x 31 cm (Rahmen), rechts unten signiert und schwer leserlich datiert "J. Robie 19[.]". zum Werk Das kleinformatige Kabinettbild stellt einen Blumenstrauß dar und reiht sich damit in das Genre des Stilllebens ein. Anstatt jedoch mit der Opulenz der oftmals üppigen in Feinmalerei ausgeführten Blumenbuketts zu wetteifern - was der Künstler, wie er es in anderen Werken (mehr anzeigen)

Jean-Baptiste Robie (1821 Brüsel - 1910 ebd.). Stillleben mit Wiesenblumen. Öl auf Holz, 24,5 x 18,5 cm (Innenmaß), 37 x 31 cm (Rahmen), rechts unten signiert und schwer leserlich datiert "J. Robie 19[.]". zum Werk Das kleinformatige Kabinettbild stellt einen Blumenstrauß dar und reiht sich damit in das Genre des Stilllebens ein. Anstatt jedoch mit der Opulenz der oftmals üppigen in Feinmalerei ausgeführten Blumenbuketts zu wetteifern - was der Künstler, wie er es in anderen Werken veranschaulicht, durchaus vermochte -, präsentiert Jean-Baptiste Robie einen Strauß mit Gräsern und Blättern, wie er soeben beim Spaziergang auf einer Blumenwiese gepflückt worden sein könnte. Um diese Herkunft unmittelbar aus der Natur vor dem Haus zu unterstreichen, ist ein großes Blatt hinter die Vase gelegt, dessen teilweise bereits abgebrochenen Zweige auf der anderen Seite der Vase hervorschauen. Durch die zahlreichen Blätter und die reduzierte Farbigkeit wirkt das Grün wie ein Binnenfond innerhalb des Straußes, der sich mit dem ebenfalls grüntonalen Hintergrund zusammenschließt. Vor dem Grün heben sich insbesondere die rosafarbenen Blüten ab, die eine Choreographie vollführen: Während die unteren Blüten herabhängen, richten sie sich nach oben hin zusehends auf. Dies veranschaulicht die Lebenskraft der Pflanzen. Nun wird deutlich, dass Robie das Sujet des Blumenstilllebens neu fasst: Es ist ihm nicht mehr daran gelegen, die prachtvolle Schönheit der Blumen herauszustellen, sondern ihre Vitalität aufzuzeigen und damit die innere Lebenskraft der Natur zu veranschaulichen, in der ihre Schönheit gründet. Diese Vitalität belebt den ganzen Strauß: Die Blätter sind vor innerer Spannkraft in sich gewunden und scheinen sich - wie die Blüten - dem Licht entgegenzustrecken. Das kontrastreiche Spiel des Lichtes versetzt den Strauß in ein geheimnisvolles Hell-Dunkel und beruht auf Freilicht-Studien in der Natur. Dabei wird das Licht in impressionistischer Manier in Farbe übersetzt, was sich insbesondere bei der Gestaltung der Glasvase zeigt: Das Glas wird zur Farbfläche, die dennoch die Spiegelung des Fensters einfängt und die Stiele der Blumen und Blätter durchscheinen lässt. [...] (weniger anzeigen)

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Volney, Constantin François: Oeuvres complètes de C.F. Volney. Mises en ordre et précédées de la vie de l'auteur. 8 volumes (complete)

Bossange, Paris, 1821.

1821-22, Halbledereinbde. m. goldgeprägten Rücken, IV, L, 438 S. / 456 S. / VI, 455 S. / 513 S. / IV, 457 S. / XII, 407 S. / XX, 494 S. / XVIII, 537 S. m. 23 (von 24, erste Tafel des ersten Bandes fehlt) teilw. großformatigen Ausfalttafeln - Rücken des ersten Bandes beidseitig angeplatzt, Rücken des dritten Bandes einseitig ebenfalls etwas angeplatzt, zwei Karten mit leichtem Wasserrand, sonst wohl erhaltene Exemplare

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Plé, Henri Honoré: Henri Honoré Plé (1853-1922), Der siegreiche David, um 1890

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Henri Honoré Plé (1853 Paris - 1922 Paris), Der siegreiche David, um 1890. Rotbraun und braun patinierte Bronze mit Terrainplinthe auf rundem Sockel montiert. 62 cm (Gesamthöhe) x 22 cm (Länge) x 22 cm (Tiefe), Gewicht 13,5 kg. Auf der Plinthe mit "Henri Plé" signiert, auf dem Titelschildchen mit "DAVID VAINQEUR SALON DES BEAUX-ARTS" bezeichnet und rückseitig mit der Gießereimarke der "Société des Bronzes de Paris" und dem Buchstaben "B" versehen. - Patina stellenweise leicht berieben (mehr anzeigen)

Henri Honoré Plé (1853 Paris - 1922 Paris), Der siegreiche David, um 1890. Rotbraun und braun patinierte Bronze mit Terrainplinthe auf rundem Sockel montiert. 62 cm (Gesamthöhe) x 22 cm (Länge) x 22 cm (Tiefe), Gewicht 13,5 kg. Auf der Plinthe mit "Henri Plé" signiert, auf dem Titelschildchen mit "DAVID VAINQEUR SALON DES BEAUX-ARTS" bezeichnet und rückseitig mit der Gießereimarke der "Société des Bronzes de Paris" und dem Buchstaben "B" versehen. - Patina stellenweise leicht berieben und am Rücken mit kleinem Kratzer, ansonsten in einem altersgemäß ausgezeichneten Zustand - Die Melancholie des strahlenden Helden - In elegant gelassener Haltung stützt sich David auf das immense Schwert, mit dem er den Riesen Goliath getötet hat, nachdem er ihn mit der Steinschleuder zu Fall gebracht hatte. Das Schwert ruht auf dem immensen Kopf, der mit seiner langen Mähne und dem Bart noch im Tod gewaltige Kräfte ausstrahlt. Aber auch David wirkt überaus athletisch. Die leichte Drehung des Oberkörpers bringt seinen wohlproportionierten Körper aus mehreren Ansichten zur Geltung. Er weist eine geradewegs ideale Schönheit auf, womit sich Plé auf den David Donatellos bezieht. Seine gegen 1445 geschaffene Bronzeplastik zielt, ebenso wie Michelangelos David (1504), auf die Veranschaulichung einer idealen Körperlichkeit. Donatellos David wirkt allerdings jugendlicher und weist eine gewisse Laszivität auf, die bei Plé fehlt. Der französische Künstler unterstreicht die Eleganz des Körpers durch das überlang wirkende Schwert. Auf dem Kopf Goliaths ruhend durchmisst es Davids Gestalt beinahe bis zu den Schultern und wird auf diese Weise zur filigran-eleganten Analogie von Davids Körper. Zugleich bringt das überlange und daher nur schwer zu führende Schwert Davids Willenskraft zum Ausdruck, die ihn Goliaths hat bezwingen lassen. Diese Entschlossenheit ist seinen leicht zusammengezogenen Augenbraunen noch abzulesen. Obwohl David erhobenen Hauptes als Sieger in einer scheinbar gelassenen Haltung dasteht, ist ihm doch eine innere Anspannung abzulesen, die Donatellos David fehlt. Er stützte seinen Kopf nach der vollbrachten Heldentat nicht auf entspannte Weise mit der Hand ab, sondern berührt ihn mit nur einem Finger, während der konzentrierte nach innen gerichtete Blick das Geschehene reflektiert. Dieser nachdenkliche, beinahe melancholische Zug kommt bei Plés großer Ausführung des Davids noch weit mehr zur Geltung als bei der kleineren Version. Aber nicht allein die Physiognomie ist charakteristischer herausgearbeitet, auch der Körper ist ausdrucksstärker durchmodelliert. zum Künstler Henri Honoré Plé war der Sohn eines Porzellannmalers. Der Bildhauerei zugeneigt wurde er Schüler Mathurin Moreaus und stellte als selbstständiger Künstler ab 1877 im Pariser Salon aus. 1879 wurde ihm eine ehrenvolle Erwähnung zuteil. Auf der Pariser Weltausstellung des Jahres 1900 erhielt er eine Bronzemedaille. Sein überlebensgroßes Werk, "Der erste Schritt", befindet sich im Kunstmuseum von Lille. Plé war Mitglied der Société des artistes français. (weniger anzeigen)

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Bengel, Ernst Gottlieb: Archiv für die Theologie und ihre neuste Literatur. Herausgegeben von Ernst Gottlieb Bengel. - Bände 1-8 in 11 Teilbänden. Insgesamt 11 Teilbände. Band 2.3 fehlend.

Christian Friedrich Osiander 1816, Tübingen, 1826.

8° (20 x 12 cm). Pappbände der Zeit. [Hardcover / fest gebunden].

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Laurent, Eugène: Eugène Laurent (1832-1898), Jeanne d'Arc, um 1880

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Eugène Laurent (1832 Gray - 1898 Paris), Jeanne d'Arc, um 1880. Braun patinierte Bronze auf mitgegossener rechteckiger Plinthe mit Baumstamm und Spinnrocken. 40 cm (Höhe) x 15,5 cm (Länge) x 15,5, cm (Tiefe), Gewicht 6,1 kg. Auf der Plinthe mit "E.[ugène] Laurent." signiert und rückseitig mit "HZ" bezeichnet. - patinabedingt etwas fleckig, Oxidationsspuren hinter dem Spinnrocken, stellenweise leicht berieben, insgesamt in einem altersgemäß noch sehr guten Zustand - Die befreiende Kraft (mehr anzeigen)

Eugène Laurent (1832 Gray - 1898 Paris), Jeanne d'Arc, um 1880. Braun patinierte Bronze auf mitgegossener rechteckiger Plinthe mit Baumstamm und Spinnrocken. 40 cm (Höhe) x 15,5 cm (Länge) x 15,5, cm (Tiefe), Gewicht 6,1 kg. Auf der Plinthe mit "E.[ugène] Laurent." signiert und rückseitig mit "HZ" bezeichnet. - patinabedingt etwas fleckig, Oxidationsspuren hinter dem Spinnrocken, stellenweise leicht berieben, insgesamt in einem altersgemäß noch sehr guten Zustand - Die befreiende Kraft des Glaubens - Als 13jähige vernahm das um 1412 in Lothringen geborene Bauernmädchen Jeanne Stimmen der Heiligen Katharina und Margarete und des Erzengels Michael, die ihr verkündeten, auserwählt zu sein, Frankreich von der englischen Besatzung zu befreien. 1428 waren die Truppen von Heinrich VI. bis zur Loire vorgerückt und belagerten die für eine Weitereroberung Frankreichs strategisch wichtige Stadt Orléans. Jeanne d'Arc begab sich ins Exil Karls VII. und führte mit der Einwilligung des Königs das französische Heer gegen die Belagerer ins Feld. Nach viertätiger Schlacht unterlagen die Engländer und Orléans war befreit. Es folgten weitere siegreiche Kämpfen bis sie 1430 in die Hände des Feindes fiel, der bei der Inquisition ihre Hinrichtung als Hexe erwirkte. Im Mai 1431 wurde Jeanne d'Arc in Rouen verbrannt. Im Anschluss an die endgültige Vertreibung der Engländer wurde die "Jungfrau von Orléans" 1456 von der Kirche rehabilitiert. 1920 erfolgte schließlich ihre Heiligsprechung. Inzwischen galt Jeanne d'Arc als Nationalheldin und Schutzpatronin Frankreichs. In der Nachfolge der Französischen Revolution, dem Erstarken der Nationalstaatlichkeit und dem Deutsch-Französischen Krieg von 1870/71 erfuhr Jeanne d'Art eine neue Verehrung und wurde in zahlreichen Bronzestatuen dargestellt. Eugène Laurent zeigt das junge Mädchen wie sie die Stimmen der Heiligen vernimmt, die ihr das von der Vorsehung bestimmte Schicksal offenbaren. Mit weit geöffneten Augen blickt sie gen Himmel als ob sie die offenbarte Zukunft schauen würde. Dabei hat sie die Hände in Gebetshaltung geschlossen, was zugleich vom Willen kündet, sich ihrem Schicksal zu stellen. An einen Baumstamm gelehnt, tritt sie mit dem einen Fuß auf einen erhöhten Stein, was ihr - zusammen mit dem aufwärts gerichteten Blick - eine von ihrer höheren Mission kündende Aufwärtsbewegung verleiht. Zugleich tritt sie aber auch von dem Stein auf die Erde herab, wodurch ihre irdische Mission hervorgehoben wird, zu der sie bereits den ersten Schritt getan hat. Dabei steigt sie über den abgelegten Spinnrocken hinweg, der auf ihre ,niedere' Herkunft verweist und zum nun abgelegten Leben gehört. Laurent gelingt es, die schicksalhafte Ergriffenheit zur Darstellung zu bringen, die uns Jeanne d'Arc, obwohl sie ein einfaches Bauernmädchen ist, ehrfürchtig betrachten lässt. Auch wenn die Gestaltung auf den Gesamteindruck zielt, hat der Künstler doch einzelne Details, wie die zugebundene Weste, äußerst realitätsnah herausgearbeitet und neben der Haut insbesondere die stoffliche Qualität der Textilien zur Darstellung gebracht. zum Künstler Eugène Laurent studierte an der Pariser École des Beaux-Arts und wurde 1860 von der Akademie mit einem Preis ausgezeichnet. Anschließend trat er in das Atelier Jacques Antoine Theodore Coinchon ein. Als freischaffender Künstler beschickte er von 1861 bis 1893 den Pariser Salon mit Statuen, Porträtbüsten und Medaillons. Zudem schuf er Großplastiken wie das Denkmal Jacques Callots in Nancy (1877) und die Statue François Bouchers am Pariser Rathaus. (weniger anzeigen)

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Uechtritz, Friedrich von: Eleazar. Eine Erzählung aus der Zeit des grossen judischen Krieges im ersten Jahrhunderte nach Christo. Drei Bände in einem

Hermann Costenoble, Jena, 1867.

kl 8°, Halbledereinbd., 266, 279 u. 294 S. - Einband beriben, Ex Libris, die ersten und letzten Seiten etwas stockfleckig, sonst innen sauber und gut erhaltenes Exemplar der raren Ausgabe

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Volz, Hermann: Hermann Volz (1847-1914), Nackter Krieger mit Kurzschwert, um 1935

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Hermann Volz (1847 Karlsruhe - 1914 ebd.), Nackter Krieger mit Kurzschwert, um 1935. Partiell (?) patinierte Bronze mit gegossener Plinthe auf schwarzem Marmorsockel (6,8 cm Höhe) montiert. 32,5 cm (Gesamthöhe) x 12 cm (Breite) x 7 cm (Tiefe), Gewicht 3,7 kg. Auf der Plinthe mit "H.[ermann] Volz" signiert. - Patina berieben, sichtbare Gussnaht am linken Arm, ansonsten in einem altersgemäß ausgezeichneten Zustand. - Der neue Herkules - Trotz des relativ kleinen Formats wirkt der Krieger (mehr anzeigen)

Hermann Volz (1847 Karlsruhe - 1914 ebd.), Nackter Krieger mit Kurzschwert, um 1935. Partiell (?) patinierte Bronze mit gegossener Plinthe auf schwarzem Marmorsockel (6,8 cm Höhe) montiert. 32,5 cm (Gesamthöhe) x 12 cm (Breite) x 7 cm (Tiefe), Gewicht 3,7 kg. Auf der Plinthe mit "H.[ermann] Volz" signiert. - Patina berieben, sichtbare Gussnaht am linken Arm, ansonsten in einem altersgemäß ausgezeichneten Zustand. - Der neue Herkules - Trotz des relativ kleinen Formats wirkt der Krieger monumental. Bei der Durchbildung des Körpers orientiert sich Hermann Volz am Herkules Farnese. Die antike Skulptur misst 3,20 m und weist einen ebenso leicht geschwungenen Körper auf wie Volz' Krieger. Die monumentale Wirkung des antiken Helden resultiert aber nicht allein aus seiner Größe, sein Kopf ist im Verhältnis zum Körper kleiner als bei anderen antiken Statuen, wodurch der Körper umso mächtiger wirkt. Diese Wirkung macht sich auch Volz zu Nutze, wobei er seinem Krieger ein bartloses jugendliches Antlitz verleiht. Bei den kurzen gelockten Haaren und dem entschlossenen Blick mag sich Volz an Caracalla-Büsten orientiert haben. Im Gegensatz zum bereits älteren Herkules Farnese, der sich nach getanen Heldentaten auf seine mächtige Keule stützt, blickt der jugendliche ,Herkules' entschlossenen den kommenden Taten entgegen. Sein Kopf ist nicht nach vorne, sondern zur Seite ausgerichtet, als ob er etwas erspäht hätte, dem er entgegenblickt. Voller Kampfeslust hat er mit der einen Hand die Faust geballt, während er mit der anderen das Kurzschwert hochhält, um es aus der Scheide zu ziehen. zum Künstler Bereits während des Architekturstudiums in Karlsruhe besuchte Hermann Volz die Kunstschule, um Zeichenunterricht zu nehmen. Nach seinem Einsatz als Offizier im Deutsch-Französischen Krieg wandte er sich 1871 als Schüler von Carl Johann Steinhäuser der Bildhauerei zu. Noch im selben Jahr reiste er nach Italien, wo er sich bis 1913 regelmäßig aufhalten sollte. Nach seiner Rückkehr aus Rom nahm er in Stuttgart bei Hans Canon, einem Schüler Ferdinand Georg Waldmüllers, Unterricht im anatomischen Zeichnen. Zurück in Karlsruhe lehrte Volz ab 1878 Modellieren an der Kunstgewerbeschule und war anschließend von 1880 bis zu seiner Emeritierung 1919 Professor für Bildhauerei an der Karlsruher Kunstakademie, der er zudem mehrmals als Direktor vorstand. Schnell entwickelte sich Volz zum gefragtesten Bildhauer des Großherzogtum Badens, der landesweit mit zahlreichen Aufträgen für öffentliche Denkmäler bedacht wurde, wie das Krieger-Denkmal in Hannover (1878), das Geibel-Denkmal in Lübeck (1887-1889) oder die Reiterstatue Kaiser Wilhelm I. in Essen (1898). 1935 fertigte er einen überlebensgroßen Hitler-Kopf an und nahm 1937 und 1938 im hohen Alter von über 90 Jahren an den Großen Deutschen Kunstausstellung teil, wo unter anderem seine Porträtbüste Winifred Wagners, das Werk "Orestes, vor den Furien fliehend" und "Jugend" zu sehen waren. (weniger anzeigen)

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Schütte, Hermann (1893-1973): Weiße Maske auf violettem Grund, 1962

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ARCADIA ART Hermann Schütte (1893 Osnabrück - 1973 Hamburg), Weiße Maske auf violettem Grund. Emaillierte Kupferplatten auf Holzgrund, 37 x 29,5 cm, rechts unten im Brand monogrammiert und datiert "S[chütte] [19]62", rückseitig (von fremder Hand?) mit "Hermann Schütte" bezeichnet, als "Maske" betitelt und mit "1962" datiert. - obere Ecke leicht bestoßen, sonst in sehr gutem Zustand - Mystischer Maskenberg - zum Kunstwerk In seinem Spätwerk hat Hermann Schütte die Emailtechnik (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Hermann Schütte (1893 Osnabrück - 1973 Hamburg), Weiße Maske auf violettem Grund. Emaillierte Kupferplatten auf Holzgrund, 37 x 29,5 cm, rechts unten im Brand monogrammiert und datiert "S[chütte] [19]62", rückseitig (von fremder Hand?) mit "Hermann Schütte" bezeichnet, als "Maske" betitelt und mit "1962" datiert. - obere Ecke leicht bestoßen, sonst in sehr gutem Zustand - Mystischer Maskenberg - zum Kunstwerk In seinem Spätwerk hat Hermann Schütte die Emailtechnik für sein künstlerisches Schaffen entdeckt und damit eine Gattung zwischen Gemälde und Skulptur etabliert, die durch die mauerverbundartige Struktur des Hintergrundes hier zugleich etwas Architektonisches hat. Indem der ,Steinversatz' aber vertikal verläuft, ist die ,Mauer' eine ,surreale Mauer'. Aus eben dieser phantastischen Dimension speist sich die geheimnisvolle Wirkung des Kunstwerks. Der in Preußisch Blau gehaltene Hintergrund weist eine Verwandtschaft mit der unergründlichen Tiefe des Blaus von Yves Klein auf. Durch das beim Brand entstandene ausgeprägte Craquelé gewinnt das Blau zudem eine organische Lebendigkeit. Es hat sich scheinbar von sich aus zusammengezogen. Die dabei entstandenen Risse geben das darunterliegende braunrote Kupfer frei, wodurch dem Blau ein Tiefengrund verliehen wird, auf dem es zu ,schwimmen' scheint. Über dem bewegt lebendigen blauen Grund, der vermittels der steinversatzartigen Struktur dennoch solide erscheint, ist eine bergartige Formation zu sehen, die zwei Augenschlitze und eine Nase aufweist und sich damit - dem Titel entsprechend - als Maske zu erkennen gibt. Diese Maske ist aber keine Maske, die zum Aufsetzen bereitliegen würde, vielmehr führt auch sie ein Eigenleben und steht damit in der Tradition mittelalterlicher Blattmasken, deren prominentesten Beispiel am Postament des Bamberger Reiter (um 1230) zu sehen ist. Wie ein Berg ausgebildet und mit einer eigenen Nase versehen, weist auch die Maske durch die ebenfalls vertikal ausgerichteten und wie gewachsen wirkenden grauen Flächen eine eigene organische Lebendigkeit auf, die von der sandartig gespengelten Struktur der weißen Flächen noch intensiviert wird. Dass die Augenöffnungen schwarz bleiben und damit blind sind, farblich aber dennoch tiefer als das Blau wirken, befördert die geheimnisvolle Dimension dieses rätselhaften Wesens. Die weiße ,Bergmaske' und der blaue Grund schließen sich zu einem Muster-Grund-Verhältnis zusammen, das vom Craquelé ornamental belebt wird. Der an babylonische Fliesen gemahnende, lebendige blaue Grund und die anthropomorphe Bergmaske entfalten eine archaisch-märchenhafte Dimension, die dem Geheimnisvollen ihre Tiefe verleiht und sich zugleich als Oberflächenglanz verbreitet. Mit dem gelben zum Blau in Komplementärkontrast stehenden Monogramm und der Jahreszahl schreibt sich der Künstler selbst in dieses Geheimnis ein. zum Künstler Hermann Schütte wuchs in die Zeit der Avantgarden hinein und meldete sich - wie so viele Künstler - freiwillig zum ersten Weltkrieg, um nach den durchlebten Schrecken als überzeugter Pazifist heimzukehren. Vom literarischen Expressionismus erfasst, schrieb er 1919 das Buch "Mensch! Gott! Ich!", dessen Umschlag der Spiritus rector der Künstlerkolonie Worpswede, Heinrich Vogeler, illustrierte. Nachdem Schütte mit Kurt Schwitters in freundschaftlichen Kontakt getreten war, schuf er Plastiken und Installationen im Geiste der von Schwitters initiierten Dada-Bewegung. Während der Zeit des Nationalsozialismus zog sich Schütte in die innere Emigration zurück, um nach dem zweiten Weltkrieg wieder intensiv künstlerisch tätig zu werden. Seit 1948 nahm Schütte an einer Vielzahl von Ausstellungen teil, u.a. in der Hamburger Kunsthalle, in Oldenburg, Bremen, Worpswede, Witten, Bad Soden, Düsseldorf und Osnabrück. 1967 widmete ihm seine Vaterstadt Osnabrück eine große monographische Ausstellung, auf der 120 seiner Werke eine Übersicht über sein Schaffen vermittelten. (weniger anzeigen)

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Kommunistische Internationale: Die Genossenschaft im Klassenkampf.

Allgemeiner Genossenschaftsverlag, Berlin, R. Schmidt, 1924.

Informations-Bulletin der Kooperativsektion der Kommunistischen Internationale, Moskau. Deutsche Ausgabe. 2. Heft, März 1924, 3./4. Heft Mai/Juni 1924, 11. Heft, März 1925, 14. Heft, September 1925, 15. Heft, Oktober 1925 und 16. heft November 1925.. Je 24-36 Seiten. Original-Broschuren. 6 Hefte.

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Krauss, Friedrich S. (Hrsg.): Die eheliche Ethik der Juden zur Zeit Jesu. Beitrag zur zeigeschichtlichen Beleuchtung der Aussprüche des Neuen Testamentes in sexuellen Fragen. Von Hjalmar J. Nordin. Nach der Schwedischen Handschrift verdeutscht v. W. A. Kastner u. Gustav Lewié.

Ethnologischer Verlag, Leipzig, 1911.

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Koch, Eduard Emil: Geschichte des Kirchenlieds und Kirchengesangs der christlichen, insbesondere der deutschen evangelischen Kirche. Erster Hauptteil. Die Dichter und Sänger. Zweiter Hauptteil. Die Lieder und Weisen.

Zweite, verbesserte und durchaus vermehrte Auflage. Druck und Verlag der Chr. Belser'schen Buchhandlung, Stuttgart, 1852.

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Rágóczy, Joachim: Mitmachen kann ich da nicht Malerbriefe 1928 bis 1939 an seine Frau Irma. Gisela Mott-Dreizler hat das Buch nach den Originalvorlagen koloriert und signiert. Exemplar Nr. 23 (= 103. Veröffentlichung der Mariannenpresse)

Edition Mariannenpresse Berlin, 2000.

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Chronique de Paris. - [Pariser Tageszeitung von 1793 - 222 Nummern]. -

Paris, 1793.

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Meyer, Dr. Julius: Authentische Mittheilungen über Caspar Hauser. Mit Genehmigung des k. bayer. Staatsministeriums der Justiz und des Innern zum ersten Male aus den Gerichts- u. Administrations-Acten zusammengestellt und mit Anmerkungen versehen. Erstausg.

Verlag von Fr. Seybold, Ansbach, 1872.

185.00 EUR

Morland, George: George Morland (1763-1804), Aufziehendes Gewitter, 1794

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Pankok, Bernhard (1872-1943): General Wilhelm von Blume, 1915

, 0.

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Vezin, Frederick (1859-1933): Herbstlandschaft im Sonnenlicht, 1905

, 0.

1800.00 EUR

Heinemann, Fritz: Fritz Heinemann (1864-1932), Junger Römer, 1892

, 0.

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Feldmann, Wilhelm: Wilhelm Feldmann (1859-1932), Impressionistische Herbstlandschaft mit See, um 1905

, 0.

750.00 EUR

Rancoulet, Ernest: Ernest Rancoulet (1842-1918), Allegorie des Fortschritts, um 1890

, 0.

680.00 EUR

Robie, Jean-Baptiste (1821-1910): Stillleben mit Wiesenblumen

, 0.

3200.00 EUR

Volney, Constantin François: Oeuvres complètes de C.F. Volney. Mises en ordre et précédées de la vie de l'auteur. 8 volumes (complete)

Bossange, Paris, 1821.

580.00 EUR

Plé, Henri Honoré: Henri Honoré Plé (1853-1922), Der siegreiche David, um 1890

, 0.

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Bengel, Ernst Gottlieb: Archiv für die Theologie und ihre neuste Literatur. Herausgegeben von Ernst Gottlieb Bengel. - Bände 1-8 in 11 Teilbänden. Insgesamt 11 Teilbände. Band 2.3 fehlend.

Christian Friedrich Osiander 1816, Tübingen, 1826.

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Laurent, Eugène: Eugène Laurent (1832-1898), Jeanne d'Arc, um 1880

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Uechtritz, Friedrich von: Eleazar. Eine Erzählung aus der Zeit des grossen judischen Krieges im ersten Jahrhunderte nach Christo. Drei Bände in einem

Hermann Costenoble, Jena, 1867.

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Volz, Hermann: Hermann Volz (1847-1914), Nackter Krieger mit Kurzschwert, um 1935

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Schütte, Hermann (1893-1973): Weiße Maske auf violettem Grund, 1962

, 0.

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Kommunistische Internationale: Die Genossenschaft im Klassenkampf.

Allgemeiner Genossenschaftsverlag, Berlin, R. Schmidt, 1924.

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Zweite, verbesserte und durchaus vermehrte Auflage.
Druck und Verlag der Chr. Belser'schen Buchhandlung, Stuttgart, 1852.