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FLIEGENDE BLÄTTER BAND 15-22 (XV-XXII) IN 8 BÄNDEN.

Nummern 337-528. Die Folgen 400, 405, 422, 423 fehlen.
Braun & Schneider, München, 1852.

. Pappbände u. Halbleinenbände. 4to

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Warnie, Stanislas: Stanislas Warnie (1879-1958), Summer Forest Landscape, 1915

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ARCADIA ART Stanislas Warnie (1879-1958), Summer Forest Landscape, 1915. Watercolor, 31.5 cm x 45 cm (passepartout), 50.5 cm x 63.5 cm (frame), signed "S. Warnie" at lower left and dated "1915". Attractively framed behind glass. - The Forest Walk - The Belgian artist Stanislas Warnie excelled especially as a watercolorist, which is impressively demonstrated by this painting of a summer forest landscape. On an imaginary walk, we pause at a stream surrounded by beech trees and listen to the (mehr anzeigen)

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KPM: Königliche Porzellan-Manufaktur (KPM) Ansichtentasse mit Berlin-Vedute des Alten Museums, um 1830

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Königliche Porzellan-Manufaktur (KPM) Ansichtentasse mit Berlin-Vedute des Alten Museums, um 1830. Glockenbecherform mit hochgezogenem in Muschelpalmette auslaufendem Henkel. Schauseitig goldgerahmte polychrome Feinmalerei mit flankierendem Rankenwerk. 10 cm Höhe, 8,5 cm Durchmesser. Ohne Malermarke, unter dem Boden mit "Das Museum in Berlin" bezeichnet und dem Zeptersignet der 1830er Jahre versehen. - Goldstaffage mitunter berieben, kaschierter seitlicher Haarriss, minimaler Chip an der (mehr anzeigen)

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Hosemann, Theodor: Theodor Hosemann (1807-1875), Der Schauspieler Karl Seydelmann wohl als Max Piccolomini, um 1840

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Theodor Hosemann (1807 Brandenburg - 1875 Berlin), Der Schauspieler Karl Seydelmann wohl als Max Piccolomini, um 1840. Aquarell mit Bleistift, 20,5 cm (Höhe) x 14,7 cm (Breite), rechts unten in Blei mit "Hosemann." signiert. - Papier etwas nachgedunkelt, angestaubt und mit leichteren Knickspuren, rückseitige Montagereste. Die Darstellung selbst in kräftigen Farben und gutem Zustand. - Theatralischer Realismus - Die Zeichnung ist in der im Verlag Bruno Cassirer erschienenen Reihe "Kunst und (mehr anzeigen)

Theodor Hosemann (1807 Brandenburg - 1875 Berlin), Der Schauspieler Karl Seydelmann wohl als Max Piccolomini, um 1840. Aquarell mit Bleistift, 20,5 cm (Höhe) x 14,7 cm (Breite), rechts unten in Blei mit "Hosemann." signiert. - Papier etwas nachgedunkelt, angestaubt und mit leichteren Knickspuren, rückseitige Montagereste. Die Darstellung selbst in kräftigen Farben und gutem Zustand. - Theatralischer Realismus - Die Zeichnung ist in der im Verlag Bruno Cassirer erschienenen Reihe "Kunst und Künstler" des Jahres 1925 (Jg. XXIII, Heft 2, S. 49) abgebildet und wird dort als Darstellung des Schauspielers Karl Seydelmann ausgewiesen, der wohl Max Piccolomini aus Friedrich Schillers "Wallenstein" spielt. Parallel zu Hosemanns realistischer Kunst hatte Seydelmann mit seinen ausdrucksstarken Auftritten der realistischen Schauspielkunst in Deutschland zum Durchbruch verholfen. Von 1838 bis zu seinem frühen Tod im Jahre 1843 war Seydelmann als Hofschauspieler in Berlin engagiert. Hosemann zeigt den Max Piccolomini verkörpernden Schauspieler mit Sturmhaube und in Harnisch gerüstet. Auf seinen Degen gestützt im Kontrapost dastehend erscheint Max Piccolomini als machvolle Gestalt, die allerdings nicht in sich ruht, sondern aufgrund einer zu treffenden Schicksalsentscheidung verharrt. Die innere Zerrissenheit kommt durch die gegensätzliche Ausrichtung des Blicks und der Hand zum Ausdruck, wodurch die letztlich an sich selbst gerichtete Frage, ,Soll ich dies wirklich tun?', veranschaulicht wird. Das innere Dilemma wird besonders eindringlich präsent, indem die Gesten nicht in barocker Theatralik ausufern, sondern in einfacher Alltäglichkeit gehalten sind. Hierin zeigt sich der ,neue Realismus', der Seydelmanns Spiel mit Hosemanns Kunst verbindet. Die Meisterschaft von Hosemanns ausdrucksstarkem Realismus konzentriert sich in der ,sprechenden' Physiognomie. zum Künstler Bereits als Zwölfjähriger war Theodor Hosemann ab 1819 für die "Lithografische Anstalt Arnz & Winckelmann" in Düsseldorf tätig. Von 1822 bis 1828 studierte er zudem an der Düsseldorfer Kunstakademie und war dort ab 1826 Schüler Wilhelm Schadows. 1828 trennte sich Johann Christian Winckelmann von seinen Geschäftspartnern, den Brüdern Heinrich und Josef Arnz, und eröffnete in Berlin den auf Bilderbögen und Kinderbücher spezialisierten Verlag "Winckelmann & Söhne". Theodor Hosemann folgte Winckelmann als Verlagszeichner nach Berlin, wo er sich schnell einen Namen machte und ab 1830 auch für George Gropius "Bunte Hefte" tätig war. Von 1834 bis 1852 arbeitete er mit dem scharfzüngigen Humoristen Adolf Glaßbrenner zusammen, der seine Publikationen unter dem Namen Adolf Brennglas veröffentlichte, und schuf Illustrationen für dessen Reihe "Berlin wie es ist und - trinkt", das "Berliner Volksleben" und den "Komischen Volkskalender". Von 1842 bis 1855 war Hosemann Mitglied des renommierten Berliner Literatenvereins "Tunnel über der Spree", wo er aufgrund seiner nunmehr vor allem humoristischen Bilden den Vereinsnamen "[William] Hogarth" trug. 1857 wurde Hosemann als Professor an die Berliner Akademie berufen, wo 1874 Heinrich Zille zu seinen Schülern gehörte. Theodor Hosemanns Oeuvre umfasst zahlreiche Zeichnungen und etwa 6000 graphische Werke. Darüber hinaus war er auch als Maler tätig. Zu seinen bedeutendsten Buchillustrationen zählen die Schriften E. T. A. Hoffmanns, die Märchen Hans-Christian Andersens und die Abenteuer des Baron Münchhausen. "Das vormärzliche Berlin hat in ihm seinen getreuesten Chronisten und Schilderer gefunden; und hätte er nicht mehr geschaffen als seine Bilder aus dem Berliner Volksleben, sein Andenken könnte nicht verlöschen, und jeder, der die Geschichte unserer Stadt in jenen Zeiten recht verstehen will, muß auch die Schilderungen Hosemanns zur Hand nehmen - die beste Bilderchronik jener Jahre!" Schriften des Vereins für die Geschichte Berlins, September 1897 (weniger anzeigen)

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Morgenstern, Wilhelm: Der Sattler als Zuschneider. Eine Sammlung von 271 vielfach ganzseitigen Zeichnungen für Stall-, Reit- und Fahr-Requisiten nebst genauer Angabe der erforderlichen Masse. Nach eigenen Erfahrungen bearbeitet von Wilhelm Morgenstern.

[Neubearbeitet von Max Döring und H. Kuzelmann]. 15. Auflage.
Laubsch & Everth, Berlin, 1931.

181 S. mit 271 Textabbildungen. Qu.-gr.8°., Original-kartoniert,

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Kipphardt, Heinar: Shakespeare dringend gesucht. Hledá se Shakespeare.

, 1954.

Erstaufführung in CSR. 10. X. 1954. Mit einem Beiblatt in tschechisch von Bretislav Mencák. Album mit 16 Original-Photographien in 17 x 23 cm,. Quer 4°. 8 in ca. 11 x 17 cm Rezie: Mojmír Drvota. Scéna: Oldrich Simacek. 24 kart. Bl., nicht num. Original-Halbleder mit ornamental geprägten Randleisten und u. 9 in ca. 8 x 12 cm. Goldgeprägte Deckelvignette.

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Hänsch, Johannes (1875-1945): Rot blühende Kriegslandschaft mit totem Soldaten, 1918

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ARCADIA ART Johannes Friedrich Heinrich Hänsch (1875-1945), Rot blühende Kriegslandschaft mit totem Soldaten, 1918. Aquarell und Gouache auf Papier, 15 x 24,5 cm (Darstellung), 27 x 37 cm (Blattgröße / Rahmen), links unten monogrammiert und datiert "19JH18". - Papier leicht nachgedunkelt zum Werk Trotz des relativ kleinen Formats veranschaulicht das mit einem Binnenrahmen versehene Aquarell panoramaartig eine bis zum Horizont reichende flache Landschaft. So weit das Auge reicht blüht (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Johannes Friedrich Heinrich Hänsch (1875-1945), Rot blühende Kriegslandschaft mit totem Soldaten, 1918. Aquarell und Gouache auf Papier, 15 x 24,5 cm (Darstellung), 27 x 37 cm (Blattgröße / Rahmen), links unten monogrammiert und datiert "19JH18". - Papier leicht nachgedunkelt zum Werk Trotz des relativ kleinen Formats veranschaulicht das mit einem Binnenrahmen versehene Aquarell panoramaartig eine bis zum Horizont reichende flache Landschaft. So weit das Auge reicht blüht der Mohn in flammendem Rot. Dabei sind die Blüten allerdings nicht einzeln herausgearbeitet, wodurch eine nahezu zusammenhänge rote Fläche entsteht. Das leuchtende Rot wird vom vegetabilen Grün durchsetzt. Ein Komplementärkontrast, der eine intensive Farbwirkung erzeugt. In diesen Farbkontrast hinein bricht sich vom Mittelgrund her ein weißes Areal Bahn, das zum Bildvordergrund hin breiter wird und ein braunes Loch umgibt. In Blau gehalten liegt daneben der eigentliche Protagonist des Bildes, der bei der Betrachtung als erstes ins Auge fällt: Ein toter Soldat. Neben ihm ist sein Helm zu sehen, der das leere Innere offenbart. Die braune Hohlform korrespondiert mit dem Loch im Boden. Ein von heller Asche umgebener Granattrichter, der - wie der umgekehrte Helm - zum Zeichen des Todes wird. Die Arme des Soldaten weisen auf den Trichter, während der leere Helm die Schädelkalotte paraphrasiert und, wie der Trichter, das leere Dunkel des Todes thematisiert. Der Körper des Soldaten ist allerdings unversehrt und nicht - wie bei Otto Dix' Triptychon "Der Krieg" - ein zerstückelter Kadaver. Stattdessen aktiviert Johannes Hänsch die Landschaft und dabei insbesondere die Farbigkeit, um eine blühende Todeslandschaft zu veranschaulichen, die vom Granatrichter vorne bis zur aufsteigenden Rauchsäule am Horizont reicht. Ist der Körper des Soldaten unversehrt, so wirkt der emblematisch auch über den leeren Helm gesetzte Stacheldrahtverhau wie zerfetzt. Rechts im Bild scheint der Stacheldraht gar vor Entsetzen ,die Arme' zum Himmel auszustrecken. Vor dem Hintergrund dieser Allegorie wird auch der Gehalt des leuchtenden Rots deutlich: Die Landschaft ist blutdurchtränkt, förmlich ein Meer aus Blut und der einzelne unbekannte Soldat steht pars pro toto für alle auf dem Schlachtfeld Gefallenen. Das Sterben im Krieg ist kein Sterben in Gemeinschaft, sondern in Einsamkeit. Um die Vereinzelung im Tod hervorzugeben, hat Johannes Hänsch das Blau des Soldaten in der von seinem Körper vorgegebenen Achse im Bildmittelgrund in das rote Meer hineingesetzt. Als Meister der Landschafsmalerei gelingt es Hänsch eine ganz natürlich wirkende Landschaftsallegorie zu kreieren, die den Schrecken und das Sterben des Krieges veranschaulicht, ganz ohne die Brutalität des Krieges selbst darzustellen. Dieses singuläre ,Kriegerdenkmal' des unbekannten Soldaten ist das Gegenteil einer Heroisierung und dennoch bleibt die Würde des verstorbenen Soldaten durch die Unversehrtheit seines Körpers gewahrt. (weniger anzeigen)

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Meklenburgisches (Mecklenburgisches) Urkundenbuch. XIII. (13.) Band. 1351-1355.

Stiller'sche Hofbuchhandlung, Schwerin, 1884.

Herausgegeben von dem Verein für Meklenburgische (Mecklenburgische) Geschichte und Alterthumskunde (Altertumskunde).. 4° (ca. 26,5 x 22 cm). 2, XX, 715, 1 S. mit mehreren Siegel-Abbildungen im Text (geistliche Siegel, Fürsten- und Grafensiegel, Stadtsiegel, Privatsiegel). Original-Broschur.

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Bosshard, Hans Rudolf: Hans Rudolf Bosshard (*1929 Balm-Lottstetten), Sechs Variationen über ein Kreisthema, 1967. Mappe mit einliegendem Deckblatt und sechs Farbholschnitten auf dünnem Japanpapier. Exemplar Nr. 6/10.

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Hans Rudolf Bosshard (*1929 Balm-Lottstetten), Sechs Variationen über ein Kreisthema, 1967. Mappe mit einliegendem Deckblatt und sechs Farbholschnitten auf dünnem Japanpapier. Exemplar Nr. 6/10. Blattmaße 64 cm (Höhe) x 45 cm (Breite). Holzschnitte jeweils in Blei mit "Hans Bosshard" signiert, auf "[19]67" datiert und nummeriert. - Mappe etwas angestaubt und bestoßen, Blätter ganz vereinzelt minimal stockfleckig, die erste Grafik mit Knickspur im Randbereich, ansonsten in sehr gutem (mehr anzeigen)

Hans Rudolf Bosshard (*1929 Balm-Lottstetten), Sechs Variationen über ein Kreisthema, 1967. Mappe mit einliegendem Deckblatt und sechs Farbholschnitten auf dünnem Japanpapier. Exemplar Nr. 6/10. Blattmaße 64 cm (Höhe) x 45 cm (Breite). Holzschnitte jeweils in Blei mit "Hans Bosshard" signiert, auf "[19]67" datiert und nummeriert. - Mappe etwas angestaubt und bestoßen, Blätter ganz vereinzelt minimal stockfleckig, die erste Grafik mit Knickspur im Randbereich, ansonsten in sehr gutem Zustand. - Die musikalischen Proportionen des Kreises - Mit der im Titel gegebenen musikalischen Begrifflichkeit, ,Variationen über ein Thema', verdeutlicht Hans Rudolf Bossard, dass die sechs Darstellungen nicht allein als Abfolge zu betrachten sind, sondern wie eine Tonfolge ineinandergreifen. Dabei wird der Kreis nicht in einer ,freien Expression' in breite Strichlagen aufgelöst, vielmehr handelt es sich eine nach exakten Prinzipien erfolgende Aufgliederung des Kreises in zusammenhänge Flächenstrukturmomente, die - wie auf dem Deckblatt veranschaulicht - zusammen eine Kreisform bilden. Die einzelnen Aufgliederungszustände erhalten durch den jeweiligen Farbkontrast, der wiederum mit den Farbverhältnissen der anderen Blätter kontrastiert, eine Rhythmisierung der melodischen Varianz. Damit aktiviert Bossard musikalische Prinzipien für die minimalistisch ausgerichtete Op-Art der Zeit, wobei seine Blätter durch die Intensität der Farben eine besondere Wirkkraft entfalten, da Bossard nicht - wie üblich - Siebdrucke oder Lithographien, sondern Holzschnitte anfertigt hat. zum Künstler Mit fünfzehn Jahren nahm Hans Rudolf Bosshard 1944 eine Lehre als Schriftsetzer in Schaffhausen auf, die er 1948 abschloss. Seitdem ist die Typographie in praktischer wie theoretischer Hinsicht ein bestimmendes Leitmotiv in Bossards künstlerischem Schaffen. 30 Jahre unterrichtete er unter anderem an der Kunstgewerbeschule für Gestaltung Zürich Typographie und publizierte seine Erkenntnisse in verschiedenen Lehrwerken: Technische Grundlagen zur Satzherstellung (1980), Mathematische Grundlagen zur Satzherstellung (1985), Typografie - Schrift - Lesbarkeit (1996) und Der typografische Raster (2000). Als bildender Künstler schuf er zunächst in einem expressionistischen Duktus. Die ihn inspirierenden Werke von Richard Paul Lohse und Max Bill verdeutlichten jedoch, dass gerade die in der Typographie bereits zu Anwendung kommende geometrisch-mathematische Prägnanz ein künstlerisches Potenzial birgt, das Bossard fortan auszuschöpfen begann. Dabei blieb er allerdings Zeit seines Lebens dem bereits praktizierten Holzschnitt treu. "Keine einzige seiner Kompositionen ist spekulativ." Hans Jörg Wüger (weniger anzeigen)

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Corvin und Held: Illustrierte Weltgeschichte.

Ein Buch fürs Volk. Mit Tabellen und Karten.
Hartknoch, Leipzig, 1844.

4°. 4 Teile in 5 Bänden Zahlreichen Illustrationen in Holzstich ausgeführt. Goldbedruckter Halbleinen der Zeit. ZUSAMMEN !

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Wedding-Meirner, Paul (Vorwort): Die Geschichte der Pankgrafschaft von 1381 zu Berlin bei

Wedding an der Panke von ihrer Wiedergeburt im Jahre 1881 bis zum Weltkriege.
Selbstverlag der Pankgraffschaft, Berlin, 1925.

Gr.-8°. Einige s-w-Abbildungen (Fotos, Zeichnungen, Faksimile). 2 Bl., 269 S. Geprägter Original-HALBLEDER. Bis auf kleinen Einriß im Vorsatz sehr guter Zustand.

85.50 EUR

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Anonymus: Sonnengott Ra (Buchstütze), um 1935

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ARCADIA ART Anonymus, Sonnengott Ra (Buchstütze), 16 x 13,5 x 6 cm (Darstellung), 17,5 x 13,5 x 8 cm (mit Postament), patinierter Gelbguss, um 1935. - Nase leicht berieben, sonst sehr gutes Exemplar - Das Licht des Wissens - Hier steht ein Werk der noch weitgehend ungeschriebenen Kunstgeschichte der Buchstütze vor Augen. Mit dem Aufkommen der bürgerlichen Bibliotheken entwickelte sich im 19. Jahrhundert diese neue Kunstgattung, die im Jugendstil und Art déco ihren Höhepunkt erlebte. (mehr anzeigen)

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Harders, Hans (1875-1955): Goethe (Buchstütze), um 1935

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ARCADIA ART Hans Harders (1875 Mörel - 1955 Berlin), Goethe (Buchstütze). Patnierter Gelbguss auf Holzsockel montiert, 15 x 12 x 6 cm (Darstellung), 17 x 14,5 x 7 cm (mit Postament) im Guss mit "HARDERS" signiert. - Nasenspitze etwas berieben, sonst in sehr gutem Zustand - Goethes Willen - Hans Harders Goethe reiht sich in die noch weitgehend ungeschriebene Kunstgeschichte der Buchstütze ein. Mit dem Aufkommen der bürgerlichen Bibliotheken entwickelte sich im 19. Jahrhundert diese (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Hans Harders (1875 Mörel - 1955 Berlin), Goethe (Buchstütze). Patnierter Gelbguss auf Holzsockel montiert, 15 x 12 x 6 cm (Darstellung), 17 x 14,5 x 7 cm (mit Postament) im Guss mit "HARDERS" signiert. - Nasenspitze etwas berieben, sonst in sehr gutem Zustand - Goethes Willen - Hans Harders Goethe reiht sich in die noch weitgehend ungeschriebene Kunstgeschichte der Buchstütze ein. Mit dem Aufkommen der bürgerlichen Bibliotheken entwickelte sich im 19. Jahrhundert diese neue Kunstgattung. Die Buchstützte schöpft ihr Potenzial als Kunstwerk aus, wenn sie sich auf das Buch bezieht und dies nicht allein in formaler Hinsicht, sondern auf das Buch als Manifestation des Geistigen. In diesem Sinne steht mit Hans Harders Goethe ein Hauptwerk der damals noch jungen, aber äußerst florierenden Kunstgattung vor Augen. Wir sehen eine Porträtbüste Goethes, bei der die äußerst markant herausgearbeiteten Züge dem Antlitz des Dichterfürsten etwas Monumentales verleihen. Die mächtige Nase stößt gradlinig nach vorne und auch das Kinn wölbt sich vor, die Lippen sind leicht aufeinandergepresst, die Augen seherisch geweitet, während die Falten der hohen Stirn ebenso von düsteren Gedanken zeugen wie vom unumstößlichen Willen, dem geschauten Schicksal gerecht zu werden. Auf der die Fläche der Buchstütze bildenden Hintergrundplatte sind im Halbrelief links Mephistopheles und rechts Faust dargestellt, als ob sie Goethes Kopf entstiegen wären. Mephistopheles weist etwas spitzbübisch Durchtriebenes auf und bewegt sich in einem an Moriskentänzer gemahnenden elegant-verführerischen Schritt durch die Welt, um sie sich Untertan zu machen. Faust hingegen ist wie ein Prophet dargestellt, der das Wissen der Welt hinter sich gelassen hat und - wie Gothe - durch die Worte zu sehen beginnt. Eine Reflexion über das ungenügende Buchwissen, wie es Faust in seinem berühmten Monolog formuliert: Habe nun, ach! Philosophie, Juristerei und Medizin, Und leider auch Theologie Durchaus studiert, mit heißem Bemühn. Da steh ich nun, ich armer Tor! Und bin so klug als wie zuvor. Das bloße Lesen, so lassen sich die Worte auf die von der Buchstützte repräsentierte Bibliothek beziehen, führt einzig zu Vielwisserei aber zu nichts Substanziellen. Dementsprechend unterscheidet Friedrich Nietzsche in der zu seinen Unzeitgemäßen Betrachtungen gehörenden Abhandlung Vom Nutzen und Nachteil der Historie für das Leben (1874) eine monumentalische, eine antiquarische und eine kritische Art der Historie, wobei die antiquarische Betrachtung einen bloß affirmativen Charakter hat, der das Vergangene, beziehungswiese das angesammelte Geschriebene als einen Wert per se betrachtet. Während in den Unzeitgemäßen Betrachtungen auch die antiquarische Perspektive ihre Berechtigung hat, ist in der ergänzten Fröhlichen Wissenschaft (1887) das Monumental-Heroische die einzig den Menschen über sich selbst hinauswachsen lassende Weltsicht. "Was macht heroisch?" - Zugleich", so Nietzsche "seinem höchsten Leide und seiner höchsten Hoffnung entgegengehn." In eben dieser spätnietzscheanischen Zuspitzung hat Harders den Ausdrucksgehalt von Goethes Antlitz gestaltet. Goethe wird zum ,Faustischen Menschen' schlechthin, der seine innerliche Zerrissenheit durch heroische Entschlossenheit überwindet und damit zum eigentlichen Sinn des Lebens vordringt, den die Vielleserei nicht zu eröffnen vermag. Der Aufbruch zu einer neuen Transzendenz verbindet Harders Werk mit den Schöpfungen von Fidus. Und die Kraft zur Selbstüberwindung speist sich auch aus der Kraft des in der Bibliothek verwahrten geschriebenen Wortes. Die tatsächlich relevanten Bücher sind aus eben jenem Kampf hervorgegangene heroische Schöpfungen, wie sie Goethe selbst geschaffen hat. (weniger anzeigen)

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Dierkes, Paul (1907-1968): Paul Dierkes (1907-1968), Archaischer Kopf, 1952

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ARCADIA ART Paul Dierkes (1907 Cloppenburg - 1968 Berlin), Archaischer Kopf. Kalkstein, 1952. 15 x 9 x 12 cm (ohne Sockel), 19 x 10 x 11 cm (mit Sockel), rückseitig mit "PD" monogrammiert. - Geformte Ursprünglichkeit - Die aus Kalkstein gehauene Skulptur ist auf den ersten Blick als menschlicher Kopf zu erkennen, obwohl er gar kein ausgeformtes Gesicht aufweist. Die Nase, die Augen und die Ohren sind einzig angedeutet und doch derart präsent, dass wir sie sofort als Merkmale eines (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Paul Dierkes (1907 Cloppenburg - 1968 Berlin), Archaischer Kopf. Kalkstein, 1952. 15 x 9 x 12 cm (ohne Sockel), 19 x 10 x 11 cm (mit Sockel), rückseitig mit "PD" monogrammiert. - Geformte Ursprünglichkeit - Die aus Kalkstein gehauene Skulptur ist auf den ersten Blick als menschlicher Kopf zu erkennen, obwohl er gar kein ausgeformtes Gesicht aufweist. Die Nase, die Augen und die Ohren sind einzig angedeutet und doch derart präsent, dass wir sie sofort als Merkmale eines Kopfes gewahren und die Wölbung über der Nase als Stirn und die Partie unter ihr als Kinn und Hals identifizieren und meinen, den Mund und die Augenbrauen zu sehen, obwohl diese nicht einmal angedeutet sind. Wir betrachten eine Art Urform des Kopfes, wobei der Kopf selbst gar nicht die Form eines menschlichen Kopfes aufweist, wie er in natura beschaffen ist. Es handelt sich aber auch nicht um die geometrische Form eines Kreises oder Ovals, die einen ursprünglichen und zugleich zeitlosen Charakter aufweisen würde. Vielmehr sehen wir eine von einem Schöpfer geformte Form, die sich geometrisch nicht auflösen lässt, obwohl sie - insbesondere aus der Seitenansicht - eine geometrieähnliche Strenge aufweist, wodurch eine Ähnlichkeit mit den Köpfen Oskar Schlemmers gegeben ist. Im Gegensatz zu den Figuren Schlemmers gibt sich das Werk Dierkes aber als etwas Geschaffenes zu erkennen: Überall sind Spuren des Scharriereisens und Schläge der Meißel sichtbar. Der Kopf ist ein handwerklich gemachtes Kunstwerk, das wie ein archaisches Artefakt erscheint. Die Ursprünglichkeitswirkung betrifft folglich sowohl die Darstellung als auch die Herstellung: Das einzig angedeutete Gesicht reicht hinter jede konkret ausformulierte Physiognomie zurück, so dass hier eine an die Figuren der Osterinsel gemahnende ,Ur-Individualität' vor Augen steht, die anmutet, als ob sie mit primitiven Werkzeugen von einem ursprünglichen Gestaltungswillen geschaffen worden wäre. Der Eindruck der Ursprünglichkeit wird durch das uralte Material Stein verstärkt, auf dem die Bearbeitungsspuren zugleich als Spuren der Verwitterung wahrgenommen werden, wodurch der Kopf wie ein geheimnisvolles archäologisches Artefakt wirkt, das je nach Drehung und Lichteinfall immer neue Aspekte offenbart. Dazu passt der ebenfalls sein eigenes Material präsentierende Holzsockel, auf dem der Kopf freibeweglich aufliegt. zum Künstler Als Sohn eines Steinmetzen war Paul Dierkes von Kindesbeinen an mit dem Werkstoff Stein vertraut. Nach einer Steinmetzlehre entschied er sich, dieses Material auch künstlerisch zu erschließen und Bildhauer zu werden. Zunächst studierte er an der Kunstakademie Königsberg bei Stanislaus Cauer. 1931 wechselte er an die Münchner Akademie und erhielt dort ein Romstipendium. Anschließend fand er in Berlin seinen Lebensmittelpunkt. Erste Einzelausstellungen folgten, unter anderem in der Berliner Galerie Ferdinand Möller und dem Augusteum in Oldenburg. Dierkes unternahm Studienreise nach Amsterdam, Prag und Paris. Um der Einberufung unter den Nationalsozialisten zu entgehen, verließ er Berlin und wurde nach Kriegsende in Groß-Glienicke sesshaft, zog nach der Teilung Deutschlands jedoch wieder nach West-Berlin. 1947 wurde er an die Berliner Hochschule für Bildende Künste berufen und 1948 zum Professor ernannt. Bis zu seinem Tod leitete er 20 Jahre den Fachbereich für Stein und Holz. Einer seiner Meisterschüler war Heinz Spilker. Paul Dierkes zählt zu den Protagnisten, die die moderne Skulptur im Nachkriegsdeutschland etabliert haben. Er schuf archaisch wirkende Formen, die eine Aura des Ursprünglichen entfalten und mit ihren figürlichen Allusionen zugleich eine hohe symbolische Valenz aufweisen. Durch die Ursprünglichkeitswirkung ist eine Verwandtschaft seiner Kunst mit der Architektur gegeben, die Dierkes dazu geführt hat, mit Egon Eiermann, Peter Poelzig und Sep Ruf zusammenzuarbeiten. Zahlreiche seiner Werke prägen den öffentlichen Raum [...] (weniger anzeigen)

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Gross, Wilhelm: Wilhelm Gross (1883-1974), Der Prophet, um 1955

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Wilhelm Gross (1883 Schlawe - 1974 Oranienburg-Eden), Der Prophet, um 1955. Holzschnitt auf dünnem Büttenpapier, 43 cm x 23 cm (Darstellung), 61 cm x 43 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Dr. Wilh.[elm] Groß" signiert, unten links als "Orig.[inal] Holzschnitt (Handabdruck)" ausgewiesen und mittig mit "Aus der "Ecce homo" Folge" bezeichnet. - Der breite Rand mit abdruckbedingten Pressspuren, der linke Fuß des Dargestellten mit kleiner lila Einfärbung, ansonsten in farbkräftigem (mehr anzeigen)

Wilhelm Gross (1883 Schlawe - 1974 Oranienburg-Eden), Der Prophet, um 1955. Holzschnitt auf dünnem Büttenpapier, 43 cm x 23 cm (Darstellung), 61 cm x 43 cm (Blattgröße), unten rechts in Blei mit "Dr. Wilh.[elm] Groß" signiert, unten links als "Orig.[inal] Holzschnitt (Handabdruck)" ausgewiesen und mittig mit "Aus der "Ecce homo" Folge" bezeichnet. - Der breite Rand mit abdruckbedingten Pressspuren, der linke Fuß des Dargestellten mit kleiner lila Einfärbung, ansonsten in farbkräftigem Zustand. - Die Last des Propheten - Der großformatige Holzschnitt zeigt eine Prophetengestalt, die nahezu die gesamte Höhe des Blattes durchmisst. Anstatt jedoch - wie für Prophetendarstellung üblich - etwas in der Ferne zu erschauen, was unseren Augen noch verborgen bleibt, hat die Gestalt die Hände in einem Abwehrgestus erhoben, als ob der Prophet danach trachtete, das Erschaute abzuwehren. Die Armhaltung ist aber zugleich eine Annahme des Unumgänglichen, das zunächst einzig derjenige zu tragen hat, der das Kommende gewahrt, weshalb die Figur im Bild - trotz ihrer Größe - geradewegs einsam wirkt und allein der Last des Leidens ausgesetzt ist. In einer die Gewandfalten mittelalterlicher Holzskulpturen aufgreifenden Weise wird die expressive Gestalt blitzartig ,durchzuckt', was die Dramatik der schier übermenschlichen Kraftanstrengung veranschaulicht. Die sichtbaren Holzstrukturen des Hintergrundes entfalten ein Vibrato, das die Darstellung zusätzlich energetisiert. Wilhelm Groß hat bei der Anfertigung des Druckstocks die Holzoberfläche ungeschliffen belassen und auf diese Weise das Mittel der Frottage eingesetzt. Der Holzschnitt ist im Handdruckverfahren entstanden, so dass die Holzmaserung auf das Papier durchgerieben wird. Für Groß ist die gewachsenen Holzstruktur eine Analogie für die je auf ihre Weise in sich gebrochene Individualität. Der Prophet ist ein Leitmotiv im Werk von Wilhelm Groß, für den die Kunst selbst durch einen prophetischen Charakter gekennzeichnet ist: "Ein schönes Werk ist [.] ein Werk, das in prophetischer Kraft auftritt". zum Künstler Nach der Entscheidung die eingeschlagene Beamtenlaufbahn zugunsten der Kunst aufzugeben, ging Wilhelm Groß 1902 nach Berlin und lernte dort bei den Bildhauern Otto Lessing und August Gaul. Nach der Aufnahme des Studiums an der Kunstakademie Karlsruhe, dass er aus finanziellen Gründen abbrechen musste, kehrte Groß nach Berlin zurück und war dank der Unterstützung des Mäzens Eduard Arnhold als freischaffender Künstler tätig. Von 1904 bis zum Zweiten Weltkrieg verband in eine künstlerisch fruchtbare Freundschaft mit Max Beckmann. Als Mitglied des Deutschen Künstlerbunds (DKB) gewann er 1908 den Villa-Romana-Preis, der ihm einen Aufenthalt in Florenz ermöglichte, wo er in Kontakt mit Ernst Barlach und Max Klinger kam. Von 1909 bis 1911 lebte der Künstler in Rom. Zum Ersten Weltkrieg einberufen, wurde Groß 1915 aus gesundheitlichen Gründen vom Militärdienst freigestellt. Die dennoch einschneidenden Kriegserfahrungen kamen einem Bekehrungserlebnis gleich, so dass seine Kunst fortan vom Glauben getragen war. Sein in Oranienburg-Eden selbstgebautes Atelier entwickelte sich zum kulturellen Treffpunkt und war als "Strohkirche" während der NS-Zeit Versammlungsort der Bekennenden Kirche, in der Kurt Scharf und Martin Niemöller Gottesdienste abhielten. 1933 war Groß als "Halbjude" eingestuft worden, was mit einem Ausstellungsverbot, dem Ausschluss aus der Reichskulturkammer und der Diffamierung seiner Werke als "entartete Kunst" einherging. Nach dem Ende der Schreckensherrschaft wurde Groß zum Prediger der Provinz Brandenburg ordiniert und Pastor der Gemeinde Sachsenhausen. 1953 verlieh ihm die Theologische Fakultät Heidelberg die Ehrendoktorwürde. Die Verkündung der "Zehn Gebote der sozialistischen Moral und Ethik" durch Walter Ulbricht im Jahr 1961 beantwortete der Künstler mit seiner letzten monumentalen Plastik, die Mose mit den Gesetzestafeln darstellt. "Wir sollen ja dem große (weniger anzeigen)

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Pierre LaPlanche, Albert: Albert Pierre LaPlanche (1854-1935), Wachsam sitzender Schäferhund, um 1915

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Albert Pierre LaPlanche (1854 Sainte-Menehould - 1935 Chäteau-Thierry), Wachsam sitzender Schäferhund, um 1915. Braun patinierte Bronze auf mitgegossener Terrainplinthe. 45 cm (Höhe) x 45 cm (Länge) x 18 cm (Breite), Gewicht 13,4 kg. Auf der Plinthe mit "LAPLANCHE" signiert, dem Gießereistempel "Syndicates des Bronzes Paris" und dem Gießerkürzel "B.D" versehen. - zwei gussbedingte Fehlstellen am Rücken und im Halsbereich, sonst in einem altersgemäß ausgezeichneten Zustand - Der (mehr anzeigen)

Albert Pierre LaPlanche (1854 Sainte-Menehould - 1935 Chäteau-Thierry), Wachsam sitzender Schäferhund, um 1915. Braun patinierte Bronze auf mitgegossener Terrainplinthe. 45 cm (Höhe) x 45 cm (Länge) x 18 cm (Breite), Gewicht 13,4 kg. Auf der Plinthe mit "LAPLANCHE" signiert, dem Gießereistempel "Syndicates des Bronzes Paris" und dem Gießerkürzel "B.D" versehen. - zwei gussbedingte Fehlstellen am Rücken und im Halsbereich, sonst in einem altersgemäß ausgezeichneten Zustand - Der Inbegriff des Schäferhundes - Der für Albert Pierre LaPlanches Oeuvre ungewöhnlich große Schäferhund sitzt mit gespitzten Ohren in Hab-Acht-Stellung. Er nimmt etwas aufmerksam in den Blick und ist - obwohl ruhig dasitzend - bereit, im nächsten Moment aufzuspringen. Die deutlich herausgearbeiteten Muskeln des Jagd- und Wachhundes sind bereits angespannt. Der Schäferhund ist folglich nicht wie ein Mensch porträtiert, vielmehr hat LaPlanche die instinktive Wachsamkeit des Tieres erfasst, wobei der Blick zugleich von der Folgsamkeit kündet, als ob sich das Tier sich auf Kommando so hingesetzt hätte, um in dieser Haltung zu verharren. Trotz der detailgenauen Darstellung verliert sich der Künstler nicht im Detail. Bei der Formung des Hundes geht er von dessen Naturell aus, was dem Tier eine bewundernswerte natürliche Lebendigkeit verleiht. Obwohl nicht jedes Härchen einzeln ausgeformt ist, meint man doch, jedes Härchen zu gewahren, wobei das Fell am Kopf, im Halsbereich, am Körper und am Schwanz eine je andere Qualität aufweist. Selbst die bereits hervorgehobene unter dem Fell liegende Muskulatur wird erfahrbar, was durch die lasierende Patinierung verstärkt wird. Gerade aufgrund seiner naturalistisch-lebendigen Erscheinung stellt LaPlanche mit diesem Werk den Inbegriff des Schäferhundes dar. zum Künstler Pierre Albert LaPlanche war ein für seine lebensnahen Darstellungen geschätzter, in Paris tätiger Tierbildhauer. Von 1893 bis 1922 präsentierte er seine Werke immer wieder im Pariser Salon. LaPlanche war Mitglied der 1881 gegründeten "Société des Artistes Français". Eine Vielzahl seiner Werke befinden sich im Musée des Beaux-Arts in Reims. (weniger anzeigen)

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Conrad Kiesel (1846-1921): Die Blumengabe, um 1900

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ARCADIA ART Conrad Kiesel (1846-1921), Die Blumengabe. Öl auf Holz, 43 x 35 cm, 69 x 61 cm (Rahmen), links unten mit "Conrad Kiesel pxt [pinxit]" signiert, um 1900. In prunkvollem Goldstuckrahmen der Zeit. Rückseitig mit altem Aufkleber einer Londoner Galerie. - Größere, vom Künstler selbst vorgenommene Retuschen zur nachträglichen Aufhellung des Inkarnats. Das Gemälde ist in sehr gutem Zustand, der Rahmen partiell berieben und bestoßen. - Die Tiefe der Allegorie - Conrad Kiesel (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Conrad Kiesel (1846-1921), Die Blumengabe. Öl auf Holz, 43 x 35 cm, 69 x 61 cm (Rahmen), links unten mit "Conrad Kiesel pxt [pinxit]" signiert, um 1900. In prunkvollem Goldstuckrahmen der Zeit. Rückseitig mit altem Aufkleber einer Londoner Galerie. - Größere, vom Künstler selbst vorgenommene Retuschen zur nachträglichen Aufhellung des Inkarnats. Das Gemälde ist in sehr gutem Zustand, der Rahmen partiell berieben und bestoßen. - Die Tiefe der Allegorie - Conrad Kiesel veranschaulicht auf den ersten Blick Flora, die Göttin der Blüte und des Frühlings, und doch fügt sich die dargestellte Figur nicht in die überlieferte Ikonografie. Flora hat weder schwarzes Haar noch trägt sie einen Lorbeerkranz. Von der traditionellen Bildsprache ausgehend, schafft Conrad Kiesel eine neuartige Allegorie, die neben dem sich entfaltenden Leben auch Eros, Tod und die über den Tod triumphierende Kunst in sich einbindet. Die Blumen veranschaulichen das aufblühende Leben, dessen Schönheit in der jungen Frau vor Augen steht. Die Blumen scheinen sich ihr förmlich zuzuwenden und ihr antikisierendes graublaues Gewand weist eine den Blüten verwandte Faltenstruktur auf, so dass es seinerseits wie ein Blütenkelch wirkt, aus dem die jugendliche Schönheit hervorgeht. Dabei lässt das Gewand nicht allein einen Blick auf ihren Oberarm zu, der zur Imagination der Schulter und dem Nachvollzug der eleganten Halslinie animiert, dort, wo die beiden rosafarbenen Chrysanthemen die jugendliche Schönheit ,anschauen', ist das Gewand durchscheinend, so dass ihre Brust in einem Spiel von Ver- und Enthüllung sichtbar wird. Das vom Eros durchwaltete aufblühende Leben wird vom schwarzen Haar und den dunklen Augenhöhlen konterkariert, mit denen allegorisch die Dimension des Todes in das Motiv hineingetragen wird. Die junge Frau ist aber auch mit dem Lorbeerkranz des ewigen Ruhms bekrönt, so dass aus der Flora eine Viktoria wird, die veranschaulicht, dass der Ruhm den Tod überwindet. Zugleich ist der Lorbeerkranz aber auch ein Symbol für die Dichtkunst, was die junge Dame zur Personifikation der Poesie und Inspiration macht und als Muse perspektiviert. Vor diesem Ewigkeitsaspekt, der auf die Kunst selbst bezogen ist, wirkt der gelbliche Fond wie ein Goldgrund, vor dem die junge Frau wie eine Heilige erscheint. Conrad Kiesel war vor allem ein äußerst gefragter Porträtist. Bei diesem Gemälde, bei dem er keinem Porträtauftrag nachkam, hatte er die Freiheit, ganz seinen eigenen Bildideen zu folgen. Er schuf eine vielschichtige Allegorie, deren geheimnisvolle Attraktionskraft darin besteht, sich nicht endgültig auflösen zu lassen. Das Gemälde ist eine Auskoppelung und allegorische Zuspitzung seines Bildes ,Die Margareten' in der Manchester Art Gallery, das in Variation auch von der Königlichen Porzellan-Manufaktur (KPM) in Malerei umgesetzt worden ist. Während die orientalische Schönheit dort die Blumen feilbietet, entnimmt die junge Frau auf unserem Bild dem Strauß mit eleganter Geste zwei gelbe Blumen, um sie jenem darzureichen, den ihr Blick auserwählt hat und dessen Namen der sinnlich geöffnete Mund bereits auszusprechen scheint. Der Wandel von der orientalischen Schönheit zur Allegorie erklärt die zur Aufhellung des Inkarnats vorgenommenen Retuschen. Diese Sensibilität für die Farbe zeigt sich auch in der Entscheidung, die junge Frau zwei gelbe Blumen aus dem ansonsten rosafarbenen Strauß entnehmen zu lassen. Im Verbund mit dem Graublau des Gewandes entsteht dadurch eine subtile in sich austarierte Farbspannung. (weniger anzeigen)

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Nitsch, Hermann: Das Orgien-Mysterien Theater (beidseitig bedrucktes Plakat).

Druck Kübart (Selbstverlag), Wien (Prinzendorf), 1984.

80. Aktion: Aufführung von 3 Tagen und 3 Nächten ... vom Sonnenaufgang des 27. bis zum Sonnenaufgang des 30. Juli 1984.. 84 x 60 cm., 1

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Strack, Heinrich (Hg.): Adreß-Buch der freien Hansestadt Bremen und der Hafenstädte Vegesack, Bremerhaven, Geestemünde. 1870. -

Strack, Bremen, 1870.

3 Blll., 16 Bll. Anzeigen, 376, 33 (7) Seiten, bliindgeprägter OLnbd. (der Rücken erneuert), 23 x 16 cm.

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Dierkes, Paul (1907-1968): Paul Dierkes (1907-1968), Vegetative Form, 1958

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ARCADIA ART Paul Dierkes (1907 Cloppenburg - 1968 Berlin), Vegetative Form. Mahagoni, 1958. 142 x 16 x 10 cm (Skulptur), 21 x 17,5 cm (Bodenplatte), rückseitig mit "PD" monogrammiert. - Gewachsene Kunst - Neben Stein galt Paul Dierkes Faszination dem Werkstoff Holz. Im Gegensatz zum eher homogenen Material der Sedimentgesteine weist Holz durch das organische Wachstum eine innere Struktur auf, die Dierkes künstlerisch transformiert. Bereits die schmale hohe Form wirkt, als ob sie (mehr anzeigen)

ARCADIA ART Paul Dierkes (1907 Cloppenburg - 1968 Berlin), Vegetative Form. Mahagoni, 1958. 142 x 16 x 10 cm (Skulptur), 21 x 17,5 cm (Bodenplatte), rückseitig mit "PD" monogrammiert. - Gewachsene Kunst - Neben Stein galt Paul Dierkes Faszination dem Werkstoff Holz. Im Gegensatz zum eher homogenen Material der Sedimentgesteine weist Holz durch das organische Wachstum eine innere Struktur auf, die Dierkes künstlerisch transformiert. Bereits die schmale hohe Form wirkt, als ob sie ihrerseits gewachsen wäre. Die dünne Eisenplinthe suggeriert den Boden, aus dem die Form hervorgegangen ist. Sie benötigt für ihren eigenen inneren Halt kein ausgedehnteres Fundament, obwohl sie keineswegs stämmig ist, sondern eine schlanke Eleganz aufweist. Sie verjüngt sich mittig, um sich dann wieder zu weiten, so dass eine symmetrische Gesamtform entsteht, die in ihrer durch eine Leichtigkeit bestimmten Perfektion an Constantin Brancusis Der Vogel im Raum (1923) gemahnt. Im Gegensatz zur ganz auf die Harmonie der Gesamtform abgestimmten glatten Vollkommenheit weist Dierkes Werk eine differenzierte Formbildung auf, die aus der inneren Notwendigkeit des Aufwachsens resultiert: Der untere Bereich tritt als Schaft in Erscheinung, während der dünnere, jedoch etwas breiter wirkende obere Teil mit seinen beiden Einkerbungen wie eine blattförmige Bekrönung wirkt. Dabei ist der untere mit dem oberen Bereich durch eine stilförmige Formverfestigung verbunden, die in eine vertikale Aushöhlung zurückschwingt, so dass sich hier die inneren Kräfte der organischen Form zu konzentrieren scheinen. Zum Eindruck der Organizität tragen insbesondere die Maserung, die Verfärbungen und auch die Spannungsrisse des Mahagoniholzes bei. Sie verleihen der dominierenden Gesamtform die feinteilige Struktur eines tatsächlichen Aufgewachsen-Seins, aus der sich die Wirkung einer inneren Lebendigkeit speist. Dem Titel ,Vegetative Form' entsprechend, hat Dierkes hier eine Urform der Natur geschaffen, die - analog zur Karl Blossfeldts die Struktur der Natur aufdeckenden Fotografien - zugleich eine Urform der Kunst ist. Abermals im Gegensatz zu Brancusis Glätte sind die deutlichen Bearbeitungsspuren Teil der ästhetischen Erscheinung, wodurch - neben der natürlichen Organizität - der Aspekt des geschaffenen Kunstwerks herausgestellt wird. Eine zur Kunst transformierte Natur, die mit jeder Wendung im Wechselspiel des Lichts immer neue Aspekte ihrer organischen Urform offenbart. zum Künstler Als Sohn eines Steinmetzen war Paul Dierkes von Kindesbeinen an mit dem Werkstoff Stein vertraut. Nach einer Steinmetzlehre entschied er sich, dieses Material auch künstlerisch zu erschließen und Bildhauer zu werden. Zunächst studierte er an der Kunstakademie Königsberg bei Stanislaus Cauer. 1931 wechselte er an die Münchner Akademie und erhielt dort ein Romstipendium. Anschließend fand er in Berlin seinen Lebensmittelpunkt. Erste Einzelausstellungen folgten, unter anderem in der Berliner Galerie Ferdinand Möller und dem Augusteum in Oldenburg. Dierkes unternahm Studienreise nach Amsterdam, Prag und Paris. Um der Einberufung unter den Nationalsozialisten zu entgehen, verließ er Berlin und wurde nach Kriegsende in Groß-Glienicke sesshaft, zog nach der Teilung Deutschlands jedoch wieder nach West-Berlin. 1947 wurde er an die Berliner Hochschule für Bildende Künste berufen und 1948 zum Professor ernannt. Bis zu seinem Tod leitete er 20 Jahre den Fachbereich für Stein und Holz. Einer seiner Meisterschüler war Heinz Spilker. Paul Dierkes zählt zu den Protagnisten, die die moderne Skulptur im Nachkriegsdeutschland etabliert haben. Er schuf archaisch wirkende Formen, die eine Aura des Ursprünglichen entfalten und mit ihren figürlichen Allusionen zugleich eine hohe symbolische Valenz aufweisen. Durch die Ursprünglichkeitswirkung ist eine Verwandtschaft seiner Kunst mit der Architektur gegeben, die Dierkes dazu geführt hat [...] (weniger anzeigen)

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FLIEGENDE BLÄTTER BAND 15-22 (XV-XXII) IN 8 BÄNDEN.

Nummern 337-528. Die Folgen 400, 405, 422, 423 fehlen. Braun & Schneider, München, 1852.

195.00 EUR

Warnie, Stanislas: Stanislas Warnie (1879-1958), Summer Forest Landscape, 1915

, 0.

580.00 EUR

KPM: Königliche Porzellan-Manufaktur (KPM) Ansichtentasse mit Berlin-Vedute des Alten Museums, um 1830

, 0.

490.00 EUR

Hosemann, Theodor: Theodor Hosemann (1807-1875), Der Schauspieler Karl Seydelmann wohl als Max Piccolomini, um 1840

, 0.

490.00 EUR

Morgenstern, Wilhelm: Der Sattler als Zuschneider. Eine Sammlung von 271 vielfach ganzseitigen Zeichnungen für Stall-, Reit- und Fahr-Requisiten nebst genauer Angabe der erforderlichen Masse. Nach eigenen Erfahrungen bearbeitet von Wilhelm Morgenstern.

[Neubearbeitet von Max Döring und H. Kuzelmann]. 15. Auflage. Laubsch & Everth, Berlin, 1931.

157.50 EUR

Kipphardt, Heinar: Shakespeare dringend gesucht. Hledá se Shakespeare.

, 1954.

74.00 EUR

Hänsch, Johannes (1875-1945): Rot blühende Kriegslandschaft mit totem Soldaten, 1918

, 0.

1400.00 EUR

Meklenburgisches (Mecklenburgisches) Urkundenbuch. XIII. (13.) Band. 1351-1355.

Stiller'sche Hofbuchhandlung, Schwerin, 1884.

85.00 EUR

Bosshard, Hans Rudolf: Hans Rudolf Bosshard (*1929 Balm-Lottstetten), Sechs Variationen über ein Kreisthema, 1967. Mappe mit einliegendem Deckblatt und sechs Farbholschnitten auf dünnem Japanpapier. Exemplar Nr. 6/10.

, 0.

820.00 EUR

Corvin und Held: Illustrierte Weltgeschichte.

Ein Buch fürs Volk. Mit Tabellen und Karten. Hartknoch, Leipzig, 1844.

88.00 EUR

Wedding-Meirner, Paul (Vorwort): Die Geschichte der Pankgrafschaft von 1381 zu Berlin bei

Wedding an der Panke von ihrer Wiedergeburt im Jahre 1881 bis zum Weltkriege. Selbstverlag der Pankgraffschaft, Berlin, 1925.

85.50 EUR

Anonymus: Sonnengott Ra (Buchstütze), um 1935

, 0.

380.00 EUR

Harders, Hans (1875-1955): Goethe (Buchstütze), um 1935

, 0.

900.00 EUR

Dierkes, Paul (1907-1968): Paul Dierkes (1907-1968), Archaischer Kopf, 1952

, 0.

1900.00 EUR

Gross, Wilhelm: Wilhelm Gross (1883-1974), Der Prophet, um 1955

, 0.

380.00 EUR

Pierre LaPlanche, Albert: Albert Pierre LaPlanche (1854-1935), Wachsam sitzender Schäferhund, um 1915

, 0.

3200.00 EUR

Conrad Kiesel (1846-1921): Die Blumengabe, um 1900

, 0.

12000.00 EUR

Nitsch, Hermann: Das Orgien-Mysterien Theater (beidseitig bedrucktes Plakat).

Druck Kübart (Selbstverlag), Wien (Prinzendorf), 1984.

150.00 EUR

Strack, Heinrich (Hg.): Adreß-Buch der freien Hansestadt Bremen und der Hafenstädte Vegesack, Bremerhaven, Geestemünde. 1870. -

Strack, Bremen, 1870.

150.00 EUR

Dierkes, Paul (1907-1968): Paul Dierkes (1907-1968), Vegetative Form, 1958

, 0.

3200.00 EUR

Nummern 337-528. Die Folgen 400, 405, 422, 423 fehlen.
Braun & Schneider, München, 1852.

[Neubearbeitet von Max Döring und H. Kuzelmann]. 15. Auflage.
Laubsch & Everth, Berlin, 1931.

Ein Buch fürs Volk. Mit Tabellen und Karten.
Hartknoch, Leipzig, 1844.

Wedding an der Panke von ihrer Wiedergeburt im Jahre 1881 bis zum Weltkriege.
Selbstverlag der Pankgraffschaft, Berlin, 1925.